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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Friedland, Ed

出品人:

页数:80

译者:

出版时间:2005-11

价格:$ 16.89

装帧:Pap

isbn号码:9780634089350

丛书系列:

图书标签:

• 贝斯
• 布鲁斯
• 音乐
• 乐谱
• 吉他
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• 流行音乐
• 蓝调

蓝调贝斯：从零到精通的演奏指南 本书并非《Blues Bass》，而是一本深度剖析现代指弹吉他技巧与音乐理论的权威著作。我们致力于将复杂的指弹世界拆解为清晰、可操作的步骤，带领读者穿越指弹吉他的历史长河，掌握当今最前沿的演奏风格。 第一部分：指弹吉他的根基与历史溯源 第一章：指弹的黄金时代与奠基人 本章将追溯指弹吉他的起源，重点介绍那些定义了这一艺术形式的大师们。我们不会涉及任何关于低音贝斯的内容，而是专注于原声吉他的革新。 早期先驱者的声音图景： 探讨 Chet Atkins、Merle Travis 等人如何将独奏乐器提升到前所未有的高度。分析他们的“Travis Picking”技术核心，并非作为节奏支撑，而是作为旋律、和声与低音线的三重交织。 风格的演变与地理差异： 考察美国南部（阿巴拉契亚地区）的传统指弹与太平洋海岸的“Nashville Sound”之间的区别。深入研究他们如何利用吉他的共鸣箱来模拟完整的乐队配置。 技术解析： 详细分解指弹中常用的“拇指独立性”训练，侧重于右手拨弦的精确性，而非低音区的律动保持。 第二章：进入二十世纪中叶：技术突破与风格融合 本章聚焦于指弹吉他如何吸纳爵士、蓝调（仅作为和声影响，不涉及贝斯演奏）以及古典音乐的元素，实现技术上的飞跃。 新一代革新者： 分析 Tommy Emmanuel 等现代大师如何将前人的技术推向极限。重点阐述和弦击打（Slapping）、泛音（Harmonics）的精妙运用，这些都是纯粹的吉他技巧，与低音乐器无关。 左手技巧的复杂化： 探讨左手按弦的扩展应用，如开放和弦调弦（Open Tunings）的使用，以及如何利用它们创造出更饱满的和声色彩。我们将使用大量乐谱范例，展示如何用一把吉他演奏出多声部的复杂乐句。 音色塑形： 讨论拾音器选择、箱体共振的物理原理，以及如何在录音棚环境下捕捉最纯净、最富有颗粒感的指弹音色。 第二部分：现代指弹的技法精修 第三章：节奏与旋律的动态平衡 指弹的精髓在于如何同时处理节奏的稳定性和旋律的流畅性。本章旨在将这一看似矛盾的要素统一起来。 “行走”的旋律线（Walking Melodies）： 教授如何在高音区演奏清晰的旋律，同时确保低音区（由拇指或拨片控制）的律动不被干扰。这是一种吉他内部的声部写作，完全脱离了独立低音声部的概念。 打击乐化的应用： 深入研究如何使用右手掌根、指关节敲击琴体，制造出类似鼓的打击效果。探讨如何将这些打击节奏精准地嵌入到既定的和声进行中。 即兴创作的框架： 提供一套系统的练习方法，帮助演奏者跳出预先写好的乐谱，在指弹结构下进行即兴旋律的构建。 第四章：超越传统的和声布局 本章着眼于和声学的拓展，使指弹演奏不再局限于传统的布鲁斯或民间和弦体系。 调式色彩的引入： 讲解如何将利底亚调式、弗里吉亚调式等引入指弹和弦，以增加音乐的复杂性和张力。重点是如何在指板上快速定位这些扩展音。 高把位技巧与延音控制： 探讨如何利用推弦（Bending）、揉弦（Vibrato）来赋予旋律以“歌唱性”，模仿人声的表达力。 复杂分解和弦的演奏策略： 针对那些需要快速切换指型的复杂和弦，提供记忆和实践的有效路径，确保转换过程中的流畅性与清晰度。 第三部分：实践、录音与舞台表现 第五章：设备、调音与音色调试 本章是为追求完美舞台效果的指弹演奏者量身定制。 拾音系统详解： 详尽对比压电拾音器（Piezo）、麦克风以及磁性拾音器在捕捉指弹复杂动态范围时的优劣。提供混合拾音系统的专业设置指南。 效果器的选择与限制： 探讨哪些效果器（如混响、延迟、压缩）能增强指弹的厚度，以及哪些效果（如失真）需要谨慎使用，以免破坏指弹的自然木质感。 舞台表现力： 探讨如何设计一场成功的指弹独奏音乐会，包括曲目编排、与观众的互动技巧，以及如何应对现场的声学挑战。 第六章：曲目分析与个人发展 本书的最后一部分将提供三首经典指弹作品的深入分析（选自特定指弹大师的非贝斯相关曲目），并为读者的长期学习规划提供建议。 深度剖析范例一、二、三： 每一首曲目都将进行细致的指法标注、节奏分解和历史背景介绍。重点在于“演奏者如何思考”，而非简单记录音符。 持续精进的路径图： 提供一个为期五年的练习计划，涵盖从基础节奏巩固到复杂即兴创作的各个阶段。鼓励演奏者建立自己的“指弹词汇库”。 本书总结： 本书旨在将读者从吉他演奏的初学者或中级水平，提升为能够熟练掌握现代指弹所有核心技法的独立音乐家。通过对右手独立性、和声扩展以及音色控制的系统性训练，读者将能够用一把原声吉他，独立完成复杂的、多声部的音乐叙事。我们专注于木吉他的发声艺术，而非任何低音提琴的演奏方法。

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说实话，我是一个比较注重“感觉”的乐手，传统的教材对我来说就像是冰冷的公式，很难激发我的学习热情。然而，这本乐谱给我的体验完全不同，它更像是一本深入音乐灵魂的导览手册。作者似乎深谙布鲁斯音乐的精髓，他把每一个音符的排列组合都赋予了情感的重量。特别值得一提的是，书中对于“律动位移”（Rhythmic Displacement）的讲解，简直是神来之笔。它详细分析了如何通过微小的提前或延迟弹奏来制造出那种让人忍不住点头晃脑的“拖沓感”（laid-back feel）。这种细节的把握，是机械式练习永远无法替代的。我发现，当我开始有意识地去模仿书中的“微小失准”时，我的Solo部分也变得更加流畅和具有叙事性。另外，书中对不同年代布鲁斯风格的区分，比如芝加哥布鲁斯和德州布鲁斯在贝斯上的细微差别，也让我受益匪浅。它帮助我拓宽了视野，不再将布鲁斯视为一个单一的风格，而是将其视为一个不断演变的音乐生态系统。如果你也和我一样，渴望从技巧层面上升到艺术层面，这本书绝对是你的理想伙伴。

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这部乐谱集简直是为我量身定做的，尽管我之前也买过几本关于贝斯的教材，但都感觉有些力不从心，要么太偏理论，要么就是曲目太简单，无法满足我进阶的需求。这本《Blues Bass》的排版清晰得令人感动，每一个音符、每一次推弦的力度指示都标注得清清楚楚，就像是大师手把手在教你一样。我尤其欣赏它对基础律动的深入剖析，不是简单地告诉你“要跟着鼓点走”，而是细致地解释了Shuffle、Slow Drag这些布鲁斯节奏型背后的摇摆感是如何产生的，让你从内而外地理解 Groove。书中的范例曲目难度设置非常合理，从基础的I-IV-V和弦进行练习，到更复杂的转调和即兴片段，循序渐进，让人在不知不觉中就掌握了大量实用的布鲁斯语汇。我花了整整两周时间攻克了第一章的Walking Bass练习，那感觉就像是打通了任督二脉，瞬间觉得自己的演奏逻辑清晰了不少。而且，书里还附带了高质量的伴奏音轨，这对于练习听力和节奏感来说是无价之宝，我经常戴上耳机，把自己想象成乐队的根基，尽情发挥。总而言之，对于任何想要扎实掌握布鲁斯贝斯技法，并希望将理论转化为实际演奏能力的乐手来说，这绝对是一次物超所值的投入。

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翻开这本乐谱时，我首先注意到的是它那种略带复古气息的设计感，封面的字体选择和整体色调，都透露出一种对布鲁斯音乐的敬意。但抛开情怀不谈，这本书的实用性才是真正让我折服的地方。它没有陷入那些冗长枯燥的乐理长篇大论中，而是采取了一种“先给你听，再教你怎么做”的教学思路。书中选取了大量经典的布鲁斯乐句进行拆解分析，比如著名的B.B. King或Muddy Waters的伴奏风格，都被巧妙地融入到练习模块里。我以前总觉得自己的低音线条很“单薄”，缺乏厚度和重量感，但读了关于“空间感和动态控制”的章节后，我才明白原来布鲁斯贝斯手更像是一个节奏的建筑师，你需要知道何时该填满音符，何时该留白。书中的Slap & Pop技巧介绍部分也相当到位，它不是教你如何快速弹奏，而是强调如何在慢速布鲁斯中运用这些技巧来增加色彩和张力，这一点在其他教材里是很少见的。我已经迫不及待想在下个月的Jam Session上试试用这些新学的技巧来“脏”一下我的音色了。这本书的价值在于，它教会了你如何用贝斯“说话”，而不是仅仅奏出正确的音符。

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我尝试过很多声称涵盖了布鲁斯基础的教材，但大多都只停留在了简单的四小节重复上，让我学完后依然迷茫于如何连接下一个乐句。这本书的结构设计显然经过了深思熟虑，它不像一本单纯的练习册，更像是一个完整的课程大纲。它用一种非常直观的方式展示了布鲁斯即兴的蓝图——从旋律基础到低音线条的构建，再到对和弦变化的动态反应。我特别喜欢其中关于“对位思考”的那一章，它鼓励贝斯手不要只顾着锁定根音，而是要尝试创造出与吉他或人声对唱的副旋律线。书中的示例清晰地展示了如何在高音区使用一些更具旋律性的音符，而不是仅仅停留在低音区的夯实上。这种“从根音到旋律”的过渡，极大地丰富了我的演奏表现力。此外，作者在某些练习中巧妙地加入了对失真（Overdrive）效果器的使用建议，这对于追求那种粗粝、充满颗粒感的布鲁斯音色的乐手来说，简直是雪中送炭。这是一本真正教会你如何成为一个有思想的布鲁斯低音演奏者的宝典，值得反复研读和实践。

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作为一名业余的布鲁斯爱好者，我最头疼的就是如何将枯燥的音阶练习融入到真正动听的音乐中。市面上很多教材都是先让你弹A小调布鲁斯音阶一百遍，然后呢？就没有然后了。而《Blues Bass》这本书，它把学习过程设计成了一次充满乐趣的音乐考古之旅。它不仅提供了大量的指板图和指法建议，更重要的是，它将每个练习都嵌入到一个真实的音乐情境中去解释。比如，在讲解如何处理小七和弦时，它立刻会给你一个听起来非常“灵魂”的例子，让你立刻体会到那个经过修饰的音符带来的微妙张力。我最欣赏的一点是，它对“失误的艺术”也有所探讨，鼓励我们在追求精准的同时，不要扼杀掉那些偶然产生的、充满人性光辉的“不完美”音色。书中对指板上音色的控制，比如揉弦（Vibrato）的幅度和速度，都有非常细致的描述，这对于提升乐器的表现力至关重要。读完这本书，我感觉自己不再是那个只会跟在乐队后面敲打节奏的伴奏者，而是真正有能力去塑造音乐氛围的一个重要成员。这本书的深度和广度，完全超出了我的预期。

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