具体描述
Music in the Galant Style is an authoritative and readily understandable study of the core compositional style of the eighteenth century. Gjerdingen adopts a unique approach, based on a massive but little-known corpus of pedagogical workbooks used by the most influential teachers of the century, the Italian partimenti. He has brought this vital repository of compositional methods into confrontation with a set of schemata distilled from an enormous body of eighteenth-century music, much of it known only to specialists, formative of the "galant style."
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读后感
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用户评价
这本书的封面设计着实引人注目，那种古典与现代交织的排版，初看之下仿佛能闻到羊皮纸上散发出的年代气息，但又透着一股新颖的活力。我原本是冲着它那些关于巴洛克时期键盘音乐的深度解析而来的，尤其期待能看到对早期奏鸣曲结构演变的细致梳理。然而，翻开书页后，我的注意力很快被那些关于早期歌剧宣叙调和咏叹调之间张力的讨论所吸引。作者的笔触非常细腻，他没有简单地罗列事实，而是深入挖掘了作曲家们在试图平衡戏剧性与音乐形式美感时所做的挣扎与权衡。特别是他分析了某一时期，某位作曲家如何打破了传统的二段体结构，引入了更复杂的模进手法来表达人物内心的矛盾冲突，那段论述简直是茅塞顿开。我感觉自己仿佛坐在维也纳的沙龙里，亲耳聆听着那个时代的音乐辩论。书中的脚注部分也做得极好，标注了大量罕见的原始文献和手稿出处，这对于任何一个想要做进一步研究的人来说都是无价之宝。尽管我对某些关于早期交响乐配器法的探讨略感意犹未尽，但总体而言，它提供了一个宏大而又充满洞察力的视角，来看待那个音乐风格剧烈转变的时期。
评分说实话，这本书的装帧和纸张质量给我留下了非常好的第一印象。那种哑光的纸张，即便是长时间在灯下阅读，眼睛也不会感到疲劳，这对于我这种夜猫子来说简直是福音。内容方面，我最欣赏的是作者对“普世性”和“地方性”音乐影响的探讨。他没有将某个地理区域或宫廷的音乐风格神化，而是细致地考察了不同地区（比如意大利、法国和德意志地区）的音乐家们是如何吸收和改造共同的“趣味”元素，最终形成了各自鲜明的特色。书中对于特定城市音乐生活的描述，比如某个时期莱比锡的音乐氛围与德累斯顿有何不同，描写得非常生动，仿佛能听到空气中流淌的不同音色。其中一章专门讨论了钢琴制作技术的发展如何反过来推动了作曲家对力度和音色表现力的探索，这个跨学科的视角非常新颖，拓宽了我对音乐史的认知。虽然我个人对某些音乐家生平的侧重略有不同意见，但这并不影响我对本书整体学术水准的高度评价，它是一部值得放在书架上时常翻阅的工具书。
评分这本书的文字风格给我的感觉是极其沉稳而又充满激情。它不像某些音乐史著作那样干巴巴地罗列年代和作品编号，而是充满了对音乐本体的深切热爱和敬畏。我读到作者分析某个协奏曲第三乐章时，用了“如同阳光穿透雾霭，瞬间的清晰与永恒的渴望交织在一起”这样的描述，这种文学性的表达方式，极大地增强了文本的可读性。在处理那些比较枯燥的调式和和声演变时，作者运用了大量精妙的比喻，成功地将抽象的音乐概念具体化了。比如，他用“建筑的榫卯结构”来比喻主题的展开和乐章的布局，让我对古典主义音乐的严谨性有了更直观的理解。虽然全书篇幅不短，但我发现自己很难停下来，因为每一章似乎都在抛出一个新的、引人深思的问题。我个人非常期待未来能看到作者针对更晚期浪漫主义时期，如何处理这种“趣味”遗产的后续研究，这本书无疑为我们理解古典音乐的根基打下了极其坚实的基础。
评分这本书的阅读体验，坦率地说，是充满挑战，但也收获颇丰的。我得承认，一开始阅读时，那些关于“趣味”（galant style）核心美学原则的阐述，尤其是它如何从洛可可的轻盈转向对情感的更直接表达这一过程，我花了相当长的时间去消化。作者在论述时，习惯于引用大量的乐谱实例，有些乐段的分析深入到每一个音符的装饰音处理和旋律走向的细微差别。比如，书中对某个特定乐章中“敏感性”（Empfindsamkeit）如何通过快速的音型变化和突然的力度对比来体现的分析，简直是教科书级别的范例。我甚至不得不停下来，拿出我的乐谱，跟着他的描述一个音符一个音符地去核对和体会。这种细致到近乎偏执的分析，虽然使得阅读速度慢了下来，但它强迫我放慢脚步，去真正“听”到文本中所描绘的音乐。唯一的遗憾是，对于那些对乐理基础不太扎实的读者来说，某些章节可能略显晦涩，但对于有一定基础的人来说，这无疑是一部可以反复咀嚼的宝典。它不像是一本普及读物，更像是一篇篇高质量的学术论文的合集，充满了严谨的逻辑和深厚的学养。
评分我最初购买这本书，主要是被其副标题中提到的“从巴洛克晚期向古典主义过渡的音乐语言研究”所吸引。我一直对那个音乐史上关键的“断裂”时期非常感兴趣，想知道那些看似突然的风格转变究竟是如何在内部酝酿和实现的。这本书在这方面给予了相当深入的剖析，尤其是在探讨对位法逐渐让位于主调音乐时，作者提出的“结构简化”与“情感复杂化”之间的辩证关系，极具启发性。他并没有将这种转变描绘成简单的“取代”，而是将其视为一场复杂的“融合与适应”。书中引述的那些当时音乐评论家的信件和日记摘录，为理解当时的听众和演奏者对新风格的接受程度提供了宝贵的第一手资料，让整个历史画面鲜活了起来。我特别欣赏作者的论证方式——他总是先提出一个看似矛盾的现象，然后层层剥茧，最终给出一个令人信服的解释，这种叙事结构读起来非常流畅和引人入胜。虽然在关于早期的对位技巧如何影响后来的和声进行那一部分略显跳跃，但整体上，它成功地搭建起了一座连接两个伟大音乐时代的桥梁。
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