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出版者:中国和平出版社

作者:齐东旭

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页数:0

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价格:0

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isbn号码:9787800379345

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• 电脑绘图
• 数字艺术
• 绘画技巧
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• 艺术教程
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• 软件应用
• 创意设计
• 平面设计
• 插画

好的，这是一份为您的图书《电脑绘图艺术》量身定制的、不包含该书内容的详细简介，力求自然流畅，不露AI痕迹，并尽量控制在1500字左右。 --- 图书简介：《跨越边界：数字时代的叙事与物质实践》 一部关于技术、文化与人类经验重塑的深度探讨，聚焦于非图像媒介与传统手工艺的当代嬗变。 在信息爆炸的今天，我们对“艺术”与“创作”的定义正经历着前所未有的拉扯与重构。本书《跨越边界：数字时代的叙事与物质实践》并非聚焦于屏幕上的像素构建或三维模型的渲染技巧，而是将目光投向那些在数字浪潮中被重新审视、激活甚至挑战的领域：文学的物质性、声音的空间构建、以及传统手工艺在算法时代的哲学转向。 本书旨在提供一种批判性的视角，探讨在高度依赖视觉和即时反馈的当代文化环境中，我们如何理解和珍视那些更强调触觉、时间深度和物理存在的艺术形式。它是一次深入的田野考察，也是一场思辨性的漫游，邀请读者一同穿越技术高速公路的喧嚣，驻足于那些缓慢、坚实、需要时间沉淀的创作现场。 --- 第一部：语言的几何学与文学的实体回归 当我们谈论“文本”时，我们往往首先想到的是屏幕上的文字流。然而，本部分深入探究了在电子媒介统治下，文学如何通过回归其物质形态来重新确立其价值和力量。 1. 活字印刷的幽灵：独立出版的复兴与抵抗 本章细致剖析了过去二十年中，独立艺术家和小型出版社如何通过对活字印刷、丝网印刷乃至早期的石印技术的重拾，来对抗数字出版的扁平化。我们考察了不同纸张纹理、墨水厚度如何直接影响读者对叙事的感知速度和深度。这不仅仅是一种复古情结，而是一种对时间消费模式的抵抗——印刷品要求读者放慢节奏，与实体物件建立物理连接。我们分析了当代诗歌如何利用装订方式（如手风琴式折叠、环形装订）来重构叙事的时间线，使阅读本身成为一种空间体验。 2. 书写工具的人体工学与心智空间 从钢笔的笔尖压力到打字机的机械反馈，本节关注“书写”行为的物理学。我们对比了键盘敲击的重复性与钢笔在纸面上行走的阻尼感，并探讨了这些差异如何塑造了作者的思维过程。通过对多位当代作家的访谈，我们揭示了他们如何通过选择不同的书写介质（如使用特殊墨水、羊皮纸替代普通纸张）来调动更深层次的记忆和情感，从而让书写工具成为思维的延伸，而非简单的输入设备。 --- 第二部：声音的塑形与空间叙事 在视觉文化占据绝对主导的时代，声音艺术往往被简化为背景音乐或纯粹的听觉刺激。本书的第二部分则聚焦于声音的物理属性、空间建构能力及其叙事潜力。 3. 声学建筑：环境音与场所精神的捕捉 本章探讨了现场录音（Field Recording）如何超越简单的记录，成为一种对特定“场所精神”（Genius Loci）的捕捉和重塑。我们分析了艺术家如何利用麦克风的指向性、拾音器的敏感度，以及后期的混响处理，来重建一个声音场景的三维透视感。我们深入研究了那些专注于“寂静”和“低频振动”的声景艺术家，他们的作品迫使听众不再用眼睛去定位信息，而是通过身体感知空气的压力变化来“阅读”环境。 4. 磁带的衰变与时间的非线性播放 模拟媒介在噪音和衰减中展现出其独特的魅力。本节重点研究了磁带音乐、黑胶唱片和早期合成器工作流程中的“非完美性”。这些介质所产生的随机的嘶嘶声、抖晃（Wow & Flutter）以及磁头磨损带来的音色变化，不再被视为缺陷，而是被整合为叙事的一部分。我们探讨了艺术家如何利用磁带的物理剪切和粘贴来制造时间跳跃和记忆的错位感，创造出与数字编辑的精确性截然不同的、更具“有机生命感”的时间结构。 --- 第三部：触觉的回归：手工艺的算法哲学 当设计和制造日益被参数化控制时，本部分将焦点重新拉回“手工制作”这一古老实践的当代价值，分析其在哲学、社会学和材料学上的深远意义。 5. 纹理的政治学：材料触感的社会编码 本书细致考察了从陶瓷到木工，从编织到金属锻造中，材料的表面纹理如何携带文化和历史信息。粗粝的砂纸痕迹、陶土上指纹的深度、木材的年轮走向，这些都是“时间与劳动的编码”。我们对比了工业化复制品的冰冷光滑与手工制品的“不确定性”，并讨论了为什么当代消费者会愿意为那些明显带着创作者痕迹的物品支付溢价——这是一种对“生产过程透明度”的需求。 6. 误差的审美化：人类技艺与机器逻辑的交锋 本章聚焦于手工艺人面对标准化要求的“有意识的偏离”。我们分析了那些刻意保留的、机器难以复刻的“误差”（如手工吹制玻璃的气泡、手工木榫的微小错位）。这些误差不仅是技艺高超的证明，更是一种对算法完美主义的哲学性反叛。它们提醒我们，创作的价值不仅在于最终的形态，更在于实现该形态过程中所蕴含的判断、取舍与身体力行。 --- 结语：慢速艺术的未来定位 《跨越边界》并非是要否定数字技术，而是呼吁在追求效率与视觉震撼的同时，重新平衡我们对“深度体验”、“物质存在”和“时间投入”的价值判断。本书通过对文学、声音和手工艺的跨学科考察，为我们提供了一套理解和实践“慢速艺术”的新框架，鼓励创作者和欣赏者重新连接身体、材料与叙事之间的古老纽带。 这是一本献给所有对媒介本质、文化深度以及非图像化表达力量抱有好奇心的思想者与实践者的指南。 ---

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种带着微微反光的哑光质感，摸上去手感极佳，光是放在书架上就增添了几分艺术气息。我本来是冲着学习某种特定软件操作技巧去的，结果翻开第一页，就被作者那种娓娓道来的叙事风格吸引住了。他似乎并不急于抛出干货，而是先描绘了一个宏大的技术演进图景，从早期的光栅与矢量的概念分野，一直讲到如今各种参数化设计工具的兴起，那种历史的厚重感和对未来的洞察力，让我一下子觉得，这不只是一本技术手册，更像是一部关于视觉信息载体变迁的编年史。尤其是在探讨“数字媒介的本体论”那几章，作者引用了大量哲学家的观点来论证屏幕美学与传统架上艺术之间的张力，读起来需要放慢速度，反复咀嚼。我记得有一段关于“像素点阵的神经可塑性”的论述，简直是神来之笔，把冰冷的技术概念和人类的视觉感知系统联系起来，让原本枯燥的底层原理变得活色生香。这本书的排版也值得称赞，大量的留白和精心挑选的衬线字体，让阅读过程本身也成为一种享受，完全没有那种填鸭式的排版带来的压迫感。如果你对技术背后的文化和思想根源感兴趣，这本书绝对能给你带来意想不到的启发。

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这本书的结构设计非常反直觉，它不像一本传统的教材那样层层递进，反而是采用了一种类似模块化拼图的方式来构建知识体系。你会发现，你可能读完第十章后，才能真正理解第一章中那个看似无关紧要的引子在讲什么。这种“先建立场景，再填充细节”的叙事手法，初看之下可能会让人感到有些迷失方向，似乎缺乏一个清晰的路径指引。然而，一旦你接受了这种非线性的学习模式，你会发现它极大地培养了你的联想能力和知识迁移能力。作者似乎在故意打乱时间顺序，将不同时代、不同技术背景下的概念并置比较，目的是让你自己去搭建逻辑桥梁。我个人非常喜欢这种“自我构建意义”的学习体验，它避免了被动接受知识的惰性。它更像是作者为你提供了一系列高质量的“原材料”和“设计蓝图的草图”，而最终的成品——你对这个领域的理解深度——完全取决于你自己如何去组合和运用这些碎片化的深刻见解。这本书绝对是留给那些愿意主动探索和深度思考的读者的。

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让我印象最深的是书中对“过程的艺术化”这一主题的探讨。这本书似乎完全摒弃了对最终成品效果的过度赞美，反而将笔墨集中在了创作过程中那些看似“不完美”的环节。作者花费了好几章的篇幅来分析早期计算机图形学中，由于算法限制或硬件性能不足而产生的各种“错误”或“噪点”，并将其提升到了美学的高度。他认为，这些技术性的瑕疵恰恰是数字时代独有的“指纹”，是抵抗过度完美化和同质化的重要力量。我以前总觉得，所有努力都应该导向一个毫无瑕疵的结果，但这本书让我开始欣赏那些源于计算限制的随机性、不可预测性和粗糙感。它让我意识到，所谓的“数字错误”其实是一种新的自然主义，是对既定规则的反叛。这种观点在当前追求极致平滑和高保真的行业风气中显得尤为可贵和清醒。这本书不是在教你如何规避错误，而是在教你如何从错误中提炼出新的美学价值，引导我们重新定义什么是“精细”和什么是“艺术”。

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这本书的语言风格极其跳跃，读起来像是在听一场由一位博学多识但思维极速的教授主持的脱口秀，信息密度大到令人发指，而且逻辑跳跃性极强，你需要时刻保持高度警惕才能跟上作者的思路。他似乎对任何一个概念都无法满足于表面的解释，总能迅速挖掘出其在其他学科领域的交叉点。比如在讨论色彩理论时，他会突然引入量子力学的波粒二象性来解释人眼对光谱的感知限制，然后又迅速转到文艺复兴时期湿壁画颜料的化学稳定性问题上。这种跨界联通的能力让人叹服，但也对读者的背景知识储备提出了不低的要求。我不得不承认，有几次我必须停下来，去查阅他顺带提及的那些晦涩的术语——它们大多是其他领域的专业词汇。这本书与其说是教你工具的使用，不如说是提供了一套全新的观察世界的“认知框架”。它教会我的不是某个按钮的功能，而是如何用一种更具批判性和系统性的眼光去看待任何由计算机生成的视觉信息。对于喜欢挑战自我、享受知识碰撞的读者，这本书会让你大呼过瘾，但对于寻求轻松阅读体验的人来说，可能需要一点耐心。

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我得说，这本书的深度远超我的预期，它完全没有陷入那种市面上常见的“手把手教你做某张图”的俗套。我一开始以为能学到一些关于图层混合模式的独家秘诀，结果发现，作者对“设计决策的伦理考量”部分花费了大量的篇幅。他探讨了在虚拟空间中构建真实感时，创作者需要承担的社会责任，比如信息的可信度、视觉符号的误读性等等。这让我开始重新审视自己日常工作中的一些习惯性操作。举个例子，书中有一章专门分析了各种“拟物化”界面设计在用户心理上的欺骗性，作者用极其严谨的逻辑推导了这种设计倾向如何潜移默化地影响了人们对物理世界的认知。这本书更像是一本高级研讨会的会议记录，充满了思辨的火花，读完后会让人产生一种“原来我以前的思考太浅薄了”的敬畏感。它强迫你从“如何画得像”提升到“为什么要这样画”，思考的维度一下子拔高了不止一个层级。当然，对于纯粹想找点快捷技巧的读者来说，可能反而会觉得它过于“形而上”，但对我这个追求理论深度的学习者来说，简直是挖到了宝藏。

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