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出版者:Oxford University Press, USA

作者:Michael Kennedy

出品人:

页数:864

译者:

出版时间:2007-05-14

价格:USD 18.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780199203833

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音乐的殿堂：一部百科全书式的音乐史诗 探索古典、现代与世界音乐的宏伟画卷 本书旨在为所有热爱音乐、渴望深入理解其复杂脉络的读者，提供一张详尽而引人入胜的地图。它不是对某一本特定工具书的替代或模仿，而是致力于构建一个广阔的音乐知识体系，涵盖从西方古典音乐的诞生到全球当代音乐现象的演变。本书的视野横跨数千年，深度剖析了音乐在不同文化、社会和技术背景下的发展轨迹，力求呈现一个立体、鲜活的音乐世界。 第一部分：根源与黎明——西方音乐的奠基 本部分聚焦于西方音乐传统的早期形态，追溯其在宗教、宫廷与民间生活中萌芽的历程。我们将详细考察古希腊音乐理论对西方思维的影响，特别是毕达哥拉斯学派的音程数学概念，这些概念是如何渗透到后世音乐哲学的核心。 随后，内容将转向中世纪。格里高利圣咏的单音音乐如何确立了早期西方音乐的听觉框架，以及修道院在音乐文献保存与发展中的关键作用。我们不会回避记谱法（如纽姆谱）的演变过程，正是这些早期的创新，使得音乐得以超越口耳相传的局限。 文艺复兴时期是音乐的“觉醒”阶段。我们将深入分析复调音乐的成熟，探讨弗兰德斯画派作曲家（如若斯坎）如何精妙地运用对位法，以及音乐中的人文主义精神如何体现在对文本的清晰表达上。帕莱斯特里那的宗教音乐如何成为对位艺术的典范，以及世俗音乐，特别是法国香颂和意大利牧歌的兴起，如何预示着下一轮的变革。 第二部分：巴洛克的光辉与古典的秩序 巴洛克时代是音乐史上的一个爆炸性时期。本书将详尽阐述歌剧（Opera）从佛罗伦萨的“小屋聚会”中诞生，并迅速发展成为欧洲最主要的艺术形式。蒙泰威尔第的作品如何标志着情感表达的革新，以及巴赫和亨德尔的伟大成就如何将巴洛克音乐推向顶峰。巴赫的赋格曲结构、平均律的普及，以及亨德尔通过清唱剧对公众品味的塑造，都将被细致地分解讨论。 进入十八世纪中叶，音乐开始追求清晰、平衡与形式的完美。古典主义的兴起并非偶然，它是启蒙思想在听觉艺术中的投射。我们将重点分析奏鸣曲式（Sonata Form）的发展，这是古典主义结构的核心。海顿，作为“交响乐之父”，他的早期作品如何确立了弦乐四重奏的范式；莫扎特作品中无可匹敌的旋律天赋与戏剧张力，以及贝多芬如何以其革命性的创作手法，将古典的严谨性与个人的英雄主义叙事熔铸一炉，最终敲开了浪漫主义的大门。 第三部分：浪漫的激情与民族的觉醒 浪漫主义时期是音乐史上情感表达最自由、个人主义色彩最浓厚的阶段。舒伯特对艺术歌曲（Lied）的革新，将诗歌与音乐提升到平等对话的高度。肖邦的钢琴独奏曲如何将乐器潜能推向极限，以及李斯特对炫技主义的开创性贡献，都将得到充分的探讨。 然而，浪漫主义并非仅限于“心灵的呐喊”。民族主义思潮在欧洲大陆的兴起，促使作曲家们从本国的民间音乐、历史传说中汲取灵感。俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克与斯美塔那、挪威的格里格，他们如何通过本土的旋律和节奏，构建出具有鲜明国家身份的音乐语汇，这是本部分的关键议题。 十九世纪下半叶，晚期浪漫主义的宏大叙事达到极致。瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及他对和声语言的彻底颠覆，尤其是其对不协和音的不断使用，直接导致了二十世纪音乐的解体与重构。马勒的交响曲对人类存在困境的终极叩问，标志着一个时代的谢幕。 第四部分：二十世纪的爆炸与多元宇宙 进入二十世纪，传统美学体系面临空前的挑战。印象主义（德彪西）对音色和氛围的关注，是对瓦格纳式沉重和弦的微妙反叛。野兽派（斯特拉文斯基《春之祭》）的节奏冲击和原始性，象征着对既有秩序的彻底决裂。 本书将用大量篇幅分析二战后音乐思想的激进转向。勋伯格及其十二音体系（Dodecaphony）的出现，试图在无调性中建立新的逻辑。随后，序列音乐（Serialism）将这种逻辑推向了极致。与此同时，机会音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）则挑战了“作曲家控制一切”的传统观念，将随机性引入创作过程。 除了西方艺术音乐的内部分裂，电子音乐、磁带音乐的出现，以及合成器的革命性影响，也彻底改变了音乐的制作和接收方式。 第五部分：全球之声与当代脉动 本书的最终部分将目光投向全球，承认音乐的广阔性远超维也纳或巴黎的音乐厅。我们将探讨非西方音乐传统的复杂性，例如印度拉格（Raga）系统的精微结构、非洲鼓乐在节奏模式上的复杂叠加，以及亚洲传统音乐（如日本雅乐、中国古琴）在仪式与哲学层面的深度。 最后，我们将分析当代流行音乐的生态系统。从爵士乐（Jazz）的即兴精神与布鲁斯根源，到摇滚乐（Rock and Roll）作为社会反叛力量的崛起，再到电子舞曲（EDM）的全球化传播，这些现象都揭示了技术、商业和社会心理如何共同塑造我们今日的听觉景观。本书力求提供一个全面的框架，帮助读者理解，无论是巴赫的赋格，还是当代的采样循环，它们都是人类创造力和情感表达的独特体现。 本书特色： 注重语境： 将音乐置于其产生的社会、政治和技术背景中进行考察。 平衡发展： 兼顾西方古典艺术音乐的精深分析与全球范围内的当代音乐现象。 深度解析： 探讨关键概念（如对位法、奏鸣曲式、十二音体系）的内在逻辑，而非仅作表面介绍。 跨学科视野： 融入哲学、物理学和文学理论对音乐演进的影响。 本书是一份邀请函，邀请每一位读者，无论其专业背景如何，共同踏上这场探索人类最古老、最复杂艺术形式的宏大旅程。

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最近我开始尝试自己编写一些简单的电子音乐，涉及到大量的合成器术语和声音设计概念。我发现很多传统的音乐词典在处理这些“新世界”的词汇时显得力不从心，要么干脆没有收录，要么给出的解释停留在非常表面的层次。这本《牛津简明音乐词典》给了我一个极大的正面冲击。它不仅涵盖了古典乐的基石，更令人惊喜地包含了许多现代音乐制作中常用的术语。比如，对于“调制（Modulation）”在声音合成器上的实际意义，以及“滤波器截止频率（Filter Cutoff Frequency）”的精确定义，它都给出了非常清晰的解释，这对于我理解LFO和包络发生器的工作原理至关重要。虽然它没有提供深入的编程指南，但它提供的词源和基础概念的厘清，足以让我能够更自信地去阅读那些专业的软件手册和技术论坛。它成功地跨越了“传统学院派”与“数字前沿”之间的鸿沟，这一点，在当今的音乐参考书中是难能可贵的。

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说实话，我一开始对这样一本“简洁版”的音乐词典抱持着一种怀疑态度，总觉得浓缩的往往意味着牺牲深度。我是个严肃的歌剧爱好者，尤其痴迷于十九世纪中后期意大利和德奥的歌剧传统。我对特定指挥家对威尔第歌剧的特定段落的处理方式很感兴趣，也想深入了解梅索索普朗（Messa di voce）这种声乐技巧的精妙之处。这本书的表现出乎意料地令人惊喜。它没有试图去撰写关于普契尼生平的冗长传记，而是将笔墨集中在了对“宣叙调（Recitativo）”与“咏叹调（Aria）”结构差异的精确界定上，并且清晰地标注了它们在瓦格纳乐剧体系中的演变轨迹。我发现它在涉及音乐形式（如奏鸣曲式、回旋曲式）的解析上，提供了极具启发性的简化框架，帮助我这种业余研究者快速梳理复杂的结构逻辑。它的“乐器法”部分也处理得十分到位，对于管弦乐队中一些不常用乐器（比如低音单簧管）的音域和音色特点，描述得既生动又准确。总而言之，它成功地在广度与精确度之间找到了一个近乎完美的平衡点，是提升业余鉴赏水平的绝佳助手。

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我必须承认，我是一个对音乐史的“小众分支”抱有强烈兴趣的人，比如中世纪的圣歌（Gregorian Chant）以及文艺复兴早期的复调音乐。这些领域往往是大型综合性词典中被草草带过的部分。然而，当我查阅这本书关于“固定音高（Cantus Firmus）”的解释时，我发现它不仅给出了明确的定义，还简要地阐述了它在奥尔加农（Organum）发展中的作用。这种对早期音乐实践的尊重和细致入微的处理，让我对编纂者的专业性深感钦佩。它不像某些流行音乐词典那样，用大量篇幅去讨论最新的流行乐坛八卦，而是将精力投入到了对音乐历史演进脉络的梳理上。这本书的“严谨性”是它的核心卖点，它提供了一种可靠的、不受时代潮流影响的音乐知识框架，是任何希望建立坚实音乐素养的人都应该拥有的必备参考书。

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作为一名经常在音乐会现场工作的票务和协调人员，我的主要挑战是如何在最短的时间内，向不同文化背景的观众解释正在上演的曲目。我需要的是一种可以快速翻阅、信息密度高、且跨越语言障碍的工具。这本书的排版设计在这方面表现得淋漓尽致。它的字体选择和间距设计，使得即使在昏暗的后台走廊里，也能迅速锁定目标词条。我尤其赞赏它在民族音乐学（Ethnomusicology）词汇上的收录。例如，当我需要快速核对一个印度拉格（Raga）的准确音阶名称，或者理解巴洛克时期“装饰音（Ornaments）”在不同地区（比如法国与意大利）的细微差别时，这本书提供的对比视角极具实用性。它不是那种需要你带着放大镜去啃读的百科全书，而是一个可以放在手边的、随时待命的“语言翻译官”，帮助我在各种复杂的音乐术语面前保持从容和专业。

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这本书简直是音乐理论的“瑞士军刀”，我最近在准备一个高级音乐史的课程，里面涉及了大量复杂的对位法和和声分析术语，翻遍了手头的几本厚重的教科书，很多概念还是模模糊糊。直到我偶然间发现了这本书，它简直就是为我这种需要快速、精准查阅的“实战型”学习者量身定做的。它的排版清晰得令人称赞，每一个词条的释义都直击要害，没有丝毫冗余的学院派废话。举个例子，当我需要迅速区分“不协和音程的解决”和“悬置（Suspension）”在巴赫赋曲中的具体应用时，这本书提供的简短定义和关键示例（虽然是文字描述的，但指向性极强）比我那本五十万字的《西方音乐史》要管用得多。我特别欣赏它在不同时期音乐风格术语上的平衡把握，比如它对“印象主义和声”和“序列主义”的解释，都保持了令人信服的专业水准，但又不会让非专业人士望而却步。对于那些沉浸在古典音乐的海洋中，但偶尔需要一个可靠的知识锚点的人来说，这本书的价值是无可替代的。它不是那种让你从头读到尾的“大部头”，而是你书桌上最信赖的“参考工具箱”。

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