Theatrical Costumes in Full Colour pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Dover Pubns

作者:"Erte"

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1979-11

价格:$ 16.89

装帧:Pap

isbn号码:9780486238135

丛书系列:

图书标签:

• Costume
• Theatre
• Fashion
• History
• Design
• Colour
• Illustration
• Stage
• Clothing
• Performance

《帷幕之后：从古希腊到数字时代的舞台服装演变史》 导言：服装的无声叙事 舞台服装，绝非仅仅是遮蔽身体的布料或点缀场景的道具。它们是沉默的叙述者，是角色心理的延伸，是时代精神的缩影。从古希腊剧场里那些令人敬畏的、程式化的面具和戏服，到当代剧场中对材质、光影的极致探索，服装始终是戏剧体验中不可或缺的核心元素。本书旨在深入剖析这一视觉艺术的变迁历程，追溯舞台服装如何从功能性的需求，逐步发展成为一种独立的、富有强大表现力的艺术形式。 我们将跨越数千年的历史长河，考察不同文化背景、技术水平和社会思潮如何共同塑造了舞台着装的风格与功能。这不是一本单纯的图录，而是一部关于设计哲学、技术创新与文化交流的编年史。 --- 第一部分：古典的奠基与中世纪的象征主义（公元前5世纪 – 公元15世纪） 第一章：源起——希腊与罗马的仪式性着装 古代戏剧的服装，深深植根于宗教仪式和神话叙事。本章详细考察古希腊悲剧和喜剧中服装的结构特征。重点分析“科托努斯”（Kothornos）高底鞋和“奥科斯”（Onkos）假发如何改变演员的物理形象，使其超越凡人。同时，我们将探讨希腊服装的色彩编码系统，例如特定颜色如何明确指示角色的社会地位、情绪状态乃至命运。 罗马时期，虽然继承了希腊的形制，但服装开始更多地服务于政治宣传和感官刺激。本章将通过对阿普利乌斯（Apuleius）等作家的零星记载，重构提图斯·李维乌斯剧场（Theater of Pompey）中大型服装的制作工艺，特别是那些用于模拟神祇降临的复杂装置。 第二章：信仰的织物——中世纪的道德剧与游行服装 随着基督教的兴起，戏剧的重心转向道德教化。中世纪的服装设计摒弃了古典的写实主义，转而追求强烈的象征意义。本章聚焦于“神秘剧”（Mystery Plays）和“道德剧”（Morality Plays）中的服装特点。例如，“七宗罪”是如何通过夸张的服饰、奇异的头饰来视觉化呈现的；地狱魔鬼的形象如何通过皮革、毛皮和尖锐的装饰来营造恐怖感。我们将考察行会（Guilds）在服装制作中的作用，以及“游行花车”（Pageant Wagons）上服装的移动性和可见性要求。 --- 第二部分：文艺复兴的觉醒与巴洛克的奢华（16世纪 – 17世纪） 第三章：视角与透视——意大利的舞台革命 文艺复兴带来了对古典美学的回归，但同时，透视法的发明彻底改变了舞台布景和服装的视觉关系。本章着重分析16世纪意大利宫廷盛宴（Intermezzi）中的服装趋势。我们研究费德里科·巴罗齐（Federico Barocci）等设计师如何将现实的服饰（如紧身胸衣、花边和宽大的裙撑）引入舞台，使其在侧灯光下产生戏剧性的光影对比。这一时期，服装设计开始被视为一种与建筑和绘画同等重要的“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的组成部分。 第四章：宏大叙事与技术突破——路易十四时代的法兰西 路易十四的宫廷是欧洲奢华的巅峰，这直接反映在剧场服装上。本章深入探讨法国歌剧院（Académie Royale de Musique）对服装制作的标准化影响。我们将详细分析在让-巴蒂斯特·吕利（Jean-Baptiste Lully）的歌剧中，服装如何服务于对古代英雄和神祇的理想化描绘。重点讨论丝绸、金银线刺绣等昂贵材料的运用，以及如何利用机械装置（如滑轮系统）在舞台上快速更换复杂的“宫廷盛装”（Robe de Cour）。 --- 第三部分：启蒙的理性与浪漫的激情（18世纪 – 19世纪） 第五章：从华丽到“真实”的拉锯战——18世纪的改革呼声 启蒙运动对艺术的理性要求，引发了对过度装饰的反思。本章分析了法国剧作家狄德罗（Diderot）和德国剧作家莱辛（Lessing）提出的“服装符合角色身份”的理念。我们追踪了最早一批试图引入“历史准确性”的服装设计师，他们如何开始研究考古发现和历史画作，试图摆脱流行的宫廷时装对舞台的束缚。然而，这种改革在当时的商业剧院中面临巨大的阻力。 第六章：浪漫主义的异域情调与“自然主义”的萌芽 19世纪初，浪漫主义热衷于探索遥远的异域风情、历史的阴暗角落和强烈的情感表达。本章考察了维克多·雨果（Victor Hugo）戏剧对哥特式和中世纪元素的重新诠释，以及由此带来的服装上对“粗粝感”和“情绪化色彩”的追求。同时，在这一时期，歌剧，尤其是意大利威尔第（Verdi）的歌剧，成为服装炫技的主要舞台，大量的面料和装饰被用来烘托宏大的情感冲突。 第七章：历史重现的巅峰——从“大场面”到易卜生 19世纪下半叶，随着技术进步和历史研究的深入，舞台服装的设计开始走向两个极端：一是追求极致宏大、细节繁复的“大场面”（Spectacle），常用于莎士比亚历史剧和大型歌剧的复排；二是作为对过度装饰的反叛，自然主义戏剧（Naturalism）要求服装与当代中产阶级生活完全吻合。本章特别分析亨利克·易卜生（Henrik Ibsen）戏剧中，日常服装如何通过微妙的剪裁和颜色来揭示家庭的压抑和角色的内在矛盾。 --- 第四部分：现代的解构与当代的融合（20世纪至今） 第八章：美学与政治的碰撞——现代主义的舞台革命 20世纪初，舞台设计不再追求模仿自然，而是成为探索视觉形式的实验场。本章分析了俄国先锋派（如马列维奇、马雅可夫斯基）如何利用几何形状、工业材料彻底颠覆传统服装的概念。我们还将探讨“表现主义”（Expressionism）中，服装如何被用作扭曲现实、表达角色内心焦虑的工具。德国包豪斯（Bauhaus）对服装基本结构和功能的重新定义，为后来的极简主义设计奠定了基础。 第九章：从布莱希特到默剧：功能性与政治寓言 伯托·布莱希特（Bertolt Brecht）的“疏离效应”对服装提出了独特要求——服装必须提醒观众这是表演，而不是幻觉。本章探讨了布莱希特剧团如何使用服装上的标记、不成比例的剪裁或故意“未完成”的外观来服务于政治批判。同时，我们也考察了默剧大师马塞尔·马索（Marcel Marceau）如何通过极度简洁的服装，将所有视觉焦点集中在演员的身体语言和面部表情上。 第十章：后现代的解构与数字时代的渗透 当代舞台服装是多元化和跨学科的集合体。本章考察了当代剧场中对“身份政治”的深刻反思，服装如何被用来探讨性别流动性、文化挪用与全球化议题。我们分析了设计师如何灵活地结合传统手工艺与高科技面料（如LED织物、智能材料），实现动态的、互动式的视觉效果。最后，本章将展望数字投影和虚拟现实技术对未来舞台服装概念的潜在冲击，以及这种融合如何进一步模糊“服装”与“光影装置”之间的界限。 --- 结语：永恒的张力 舞台服装的历程，是一部关于模仿与超越、装饰与功能、传统与创新的永恒张力史。从祭祀的重负到极简的剪影，服装始终在尝试回答一个核心问题：在特定的时间与空间内，我们应该如何“穿上”一个故事？本书希望为读者提供一把钥匙，去解读那些隐藏在丝绸、皮革和光束背后的，关于人类想象力的深刻见解。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的初衷更多是想找一些新颖的色彩搭配和造型灵感，毕竟我自己的工作偶尔也需要一些舞台化的审美刺激。这本书的表现，远超我的“灵感搜集”预期。我发现它在处理“动态美学”方面有着独到的见解。舞台服装是为运动而生的，如何让服装在演员走动、旋转、甚至跌倒时依然保持其设计的核心精神，是设计者面临的最大挑战。书中对不同面料在特定光线下表现的捕捉，以及对服装廓形如何随演员肢体动作产生微妙变化的瞬间定格，简直是教科书级别的示范。我甚至专门花了一个下午，对着其中几幅描绘大型群舞场景的插图进行临摹和分析，试图理解那些层次分明的衣摆是如何通过精密的剪裁实现这种流动感的。这些图片不仅仅是“好看”，它们是在“讲述”运动。对于任何从事视觉艺术、造型设计，甚至是对人体动态美学感兴趣的人来说，这本书提供的关于“服装与运动的共生关系”的案例和展示，是极其宝贵的第一手资料。

评分☆☆☆☆☆

我通常对这类专注于某一特定艺术领域的画册抱持着一种审慎的态度，毕竟很多时候它们沦为廉价的图片堆砌，缺乏深入的理论支撑。然而，这本书却完全颠覆了我的预期。它的价值远超一本简单的图鉴，它更像是一部精心编撰的视觉人类学报告。我特别留意了那些配有的文字说明——虽然篇幅不长，但选取的角度极其精准，它们并非空泛地描述“这件衣服很美”，而是深入剖析了特定历史时期、特定戏剧流派对服装功能性、象征意义乃至制作工艺的特殊要求。例如，它对巴洛克时期戏服中结构支撑技术（如鲸骨或金属骨架）的侧重讨论，让我领略到在那个时代，服装是如何成为一种建筑而非单纯的布料堆叠。更让我惊喜的是，书中对不同国家和文化背景下戏剧服饰差异的对比分析，那种跨文化的视角，极大地拓宽了我的视野，让我意识到舞台服装的设计远不是简单的“穿衣打扮”，而是一种深植于文化土壤的符号系统。这本书的学术性与艺术性的结合，达到了一个非常高的平衡点，即便是对服装史不甚了解的普通读者，也能被其内容的深度所折服。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对服饰史略知一二的爱好者，我最挑剔的往往是那些对服装“语境”的阐释是否到位。很多时候，一张精美的戏服照片被孤立地展示，失去了它在特定剧目、特定场景中的功能性。这本书的优秀之处在于，它似乎总能找到一种方式，将服装的“美”与其“目的”紧密联系起来。我注意到，书中对某些特定服装的介绍，会穿插一些关于当时剧场技术局限性的讨论，比如如何用轻质材料模拟重甲的视觉效果，或者如何利用服装的特定颜色来适应早期照明技术的限制。这种将设计置于技术与历史双重约束下的分析视角，让这些“华服”不再是高高在上的艺术品，而是具有鲜活生命力的、为解决特定舞台问题而诞生的实用美学载体。它教会我，最好的舞台服装设计，必然是功能、美学和技术完美融合的产物。这种深刻的洞察力，使得这本书的价值远超一般的图册，它更像是一本关于“舞台服装的智慧”的深度剖析。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计哲学本身就体现了一种对“剧场体验”的尊重，这种用心程度在当下的出版物中实属罕见。它没有采用那种一味追求大开本的浮夸做法，尺寸适中，方便携带和翻阅，但内页的用纸却是那种略带哑光质感的重磅纸张，使得彩印效果既鲜亮又不刺眼，即使用眼睛长时间注视那些密集的细节，也不会产生强烈的疲劳感。我尤其赞赏它在章节编排上所体现出的流畅性。它不像很多参考书那样将内容切割得支离破碎，而是通过一些巧妙的视觉过渡，将不同历史时期的作品、不同地域的设计风格，串联成一条清晰的视觉发展脉络。仿佛阅读的不是一堆独立的图片集，而是在跟随一位资深策展人进行一次精心导览。这种阅读体验的舒适度，直接决定了一本厚重艺术书的生命力。我常常在睡前拿起它，不是为了学习什么新的知识点，而是单纯享受这种沉浸式的、优雅的视觉漫游，那种感觉比看电影还要放松和满足。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计实在太抓人眼球了，那种浓郁的色彩饱和度，加上精美的排版，让人一看就知道里面肯定藏着大量视觉盛宴。我迫不及待地翻开第一页，映入眼帘的是一系列令人叹为观止的剧装插图，每一张都仿佛能把人瞬间拉到那个戏剧的舞台中央。那些丝绸的褶皱、刺绣的纹理，甚至是舞台灯光下服装的微小反光，都被细腻地捕捉了下来。我特别欣赏作者在选择这些案例时的广度和深度，从古典歌剧的华丽到现代舞的极简，再到实验戏剧的先锋，几乎涵盖了舞台服装艺术的各个流派和时代。不仅仅是静态的图片展示，更重要的是，这些服装的呈现方式极具表现力，能让人清晰地感受到服装设计者想要通过材质、色彩和廓形所传达的情感与叙事。那种对细节的执着，那种对历史原貌的尊重与创新精神的平衡，都让我这个业余爱好者看得津津有味，甚至开始重新审视自己对“服装”这个概念的理解。这本书的印刷质量也值得称赞，色彩还原度极高，这对于一本以视觉冲击力为主的书来说至关重要，确保了读者能够享受到最接近实物的视觉体验，绝对是舞台艺术爱好者书架上不可或缺的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆