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出版者:天津人民美术出版社

作者:伏见冲敬

出品人:

页数:206

译者:窦金兰

出版时间:2000-7

价格:26.00元

装帧:平装

isbn号码:9787530512890

丛书系列:

图书标签:

• 书法史
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《墨韵千年：中国绘画艺术的演变与审美》 引言 中国绘画，作为中华文明璀璨星河中最耀眼的一颗明珠，以其独特的笔墨韵味、意境深远的构图以及蕴含哲思的题材，在世界艺术史上占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的客观再现，更是艺术家内心世界、精神追求与宇宙观念的写照。本书《墨韵千年：中国绘画艺术的演变与审美》旨在追溯中国绘画自萌芽至成熟的漫长历程，梳理其发展脉络，探究各时期绘画的艺术特征、表现手法、题材选择以及审美取向，并深入剖析其背后所承载的深厚文化内涵与哲学思想。我们将从历史的纵深出发，带领读者一同走进那幅波澜壮阔的中国绘画史画卷，感受笔墨间流淌的千年故事与永恒魅力。 第一章：远古的丹青——绘画的萌芽与早期探索 中国绘画的源头可以追溯至遥远的史前时代。在新石器时代的陶器纹饰、岩画中，我们已经可以看到先民们朴素的绘画尝试，它们以简洁的线条和图案，勾勒出对自然万物的认知与崇拜。这些早期的图像，虽然稚拙，却已蕴含着中国绘画“写意”的萌芽，即不拘泥于形似，而侧重于传达对象的精神气质。 进入夏商周时期，青铜器上的纹饰逐渐复杂，饕餮纹、夔龙纹等神秘而充满力量的图案，展现了当时人们对神灵世界的想象与敬畏。这些纹饰不仅是装饰，更是承载着礼仪、宗教和政治意义的符号，其精巧的构图与力度感，预示着绘画艺术将朝着更精细、更具表现力的方向发展。 春秋战国时期，随着社会变革和思想解放，绘画开始从器物走向独立，并逐渐与文学、哲学紧密结合。虽然传世的绘画作品稀少，但史书记载的“丹青”以及出土的帛画，如《人物御龙图》、《人物龙凤图》等，已经展现出人物造型的初步成熟，线条的流畅与生动，以及对空间感的初步把握。此时的绘画，已开始注重人物的精神刻画，并融入了神话传说与历史故事，为后来的文人画和宗教画奠定了基础。 第二章：神韵初显——魏晋南北朝的艺术自觉 魏晋南北朝时期，是中国绘画发展史上一个承前启后的重要阶段。这一时期，社会动荡，但文化的交流与融合却异常活跃，佛教的传入更是对中国艺术产生了深远影响。士人的风骨与玄学的思潮，也促使绘画的审美重心从单纯的叙事转向了对“神韵”的追求。 东晋顾恺之被誉为“画圣”，他的《洛神赋图》是人物画的典范，以其“以形写神”、“迁想妙得”的艺术主张，将人物的内在情感与精神状态描绘得淋漓尽致。他提出的“凡画，贵在传神”成为了中国人物画的核心理念。同时，他对构图、色彩的运用也更加成熟，尽管我们看到的只是后人的临摹本，但其艺术精神却贯穿始终。 佛教艺术在这一时期蓬勃发展，敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟的壁画与雕塑，集中展现了这一时期的绘画风格。受犍陀罗艺术与西域绘画的影响，早期佛教造像带有浓厚的异域风格，但随着时间的推移，逐渐融入了本土文化，形成了中国化的佛教艺术。飞天、菩萨的形象，从最初的端庄肃穆，逐渐变得丰腴秀美，线条也更加柔和流畅，体现了艺术家们在吸收外来文化基础上的创新与发展。 这一时期，山水画也开始崭露头角，虽然尚处于青绿山水的初级阶段，但对自然景物的描绘已开始注重意境的营造。如宗炳提出的“山水，山水，有山有水，是也”，以及谢灵运对山水景色的描绘，都体现了文人对自然的热爱与寄情。 第三章：意境深远——隋唐的辉煌与多元 隋唐时期，国家统一，经济繁荣，文化昌盛，为绘画艺术的飞跃发展提供了沃土。这一时期的绘画呈现出博大精深的格局，既有宫廷绘画的富丽堂皇，也有文人画的清新雅逸，更有佛教艺术的庄严宏伟。 人物画在阎立本、吴道子等大师的推动下达到了新的高度。阎立本的《步辇图》以写实的笔法，精准地刻画了人物的身份与性格，线条简练有力，造型生动，展现了唐代人物画的写实功力。而“画圣”吴道子，则以其“吴带当风”的线条，以及鬼神莫测的笔法，将人物画的写意性推向了极致。他的宗教画、山水画极具动感与生命力，对后世影响深远。 山水画在唐代取得了突破性进展，张僧繇、李思训、王维等名家，将山水画从简单的背景衬托提升为主体题材。李思训父子开创了金碧辉煌的青绿山水画风，色彩浓烈，构图壮丽，展现了皇家气派。而文人画家王维，则开创了水墨山水画的先河，他将诗、书、画融为一体，以写意的水墨，描绘出淡雅空灵的自然之境，追求“诗中有画，画中有诗”的意境。 佛教绘画继续繁荣，敦煌壁画在唐代达到了顶峰，其丰富的内容、精湛的技艺、鲜艳的色彩，以及中西融合的风格，堪称世界艺术的瑰宝。人物形象更加丰满，色彩更加绚丽，构图更加复杂，充分展现了盛唐的雍容气度与恢弘气象。 第四章：笔墨生花——宋元的革新与成熟 宋代是中国绘画的又一个高峰，其绘画艺术以精谨的写实、深刻的理性精神和高雅的审美情趣著称。宋代皇室对绘画的重视，设立画院，汇聚了大量优秀画家，使得宫廷绘画达到了极高的水平。 山水画在宋代取得了辉煌成就，出现了“山水画的三大高峰”：范宽、郭熙、李唐。范宽的《溪山行旅图》雄浑壮阔，展现了北方山水的磅礴气势；郭熙的《早春图》气势恢宏，笔法细腻，对山石的皴法运用达到了极致；李唐则以“斧劈皴”为特色，笔力雄健，开创了南宋山水画的新风。文人画家如米芾、米友仁父子，则以“米点山水”著称，笔墨淋漓，意境深邃，将水墨山水画推向了新的境界。 花鸟画在宋代也得到了极大的发展，无论是宫廷画院的精工细致，还是文人画的写意传神，都展现出极高的艺术成就。黄荃的工笔重彩，以及徐熙的写意水墨，成为了两大学派，深刻影响了后世。宋徽宗赵佶本人更是杰出的画家，其《芙蓉锦鸡图》等作品，色彩鲜艳，笔法精巧，达到了工笔花鸟画的巅峰。 元代，随着蒙古族的入主，社会变革带来新的艺术风格。文人画在元代得到了空前的发展，赵孟頫倡导复兴唐宋古风，其山水画兼具书法韵味，气韵生动。而“元四家”（黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇）则以其独特的风格，将文人山水画推向了新的高度。黄公望的《富春山居图》淡雅宁静，意境悠远；王蒙的山水结构严谨，笔墨苍劲；倪瓒的画风孤高脱俗，意境清旷；吴镇的山水则笔墨沉厚，气势雄浑。这些画家的作品，不仅是自然景色的描绘，更是艺术家精神世界的写照。 第五章：雅逸出尘——明清的文人画与世俗化 明清时期，中国绘画在继承前代传统的基础上，又呈现出新的发展趋势。文人画在这一时期继续发展壮大，成为绘画的主流，同时，绘画的题材也更加广泛，更加贴近现实生活，出现了世俗化、市民化的倾向。 明代，“明四家”（沈周、文徵同、唐寅、仇英）以其不同的风格，在山水画、人物画、花鸟画等领域都取得了杰出成就。沈周画风粗犷浑厚，充满生活气息；文徵同秀润典雅，笔墨精湛；唐寅才情横溢，画风多变；仇英则工笔细致，设色艳丽。同时，晚明时期涌现出“新安画派”（徽派）、“松江画派”等，在笔墨语言和审美情趣上各有侧重，展现了艺术的地域特色与个性化发展。 清代，中国绘画进入了一个新的阶段。宫廷绘画仍有延续，但文人画的地位更加突出。石涛、八大山水画以其恣意汪汪的笔墨和强烈的个人风格，突破了传统，展现了艺术家奔放不羁的性情。扬州八怪（如郑燮、金农、罗聘等）则以其反传统、追求个性解放的风格，为绘画注入了新的活力。他们的作品，题材广泛，手法多样，既有对自然景物的描绘，也有对社会现实的反映，充满生活情趣和人文关怀。 这一时期，花鸟画也更加丰富多彩，如恽寿平的没骨花卉，以其细腻的色彩和飘逸的笔致，独树一帜。同时，铜版画、年画等民间绘画形式也逐渐兴起，反映了市民阶层的审美趣味，使绘画更加贴近大众。 第六章：笔墨的精神——中国绘画的审美意蕴与哲学思考 中国绘画之所以能够跨越千年，始终保持着独特的艺术魅力，与其深厚的审美意蕴和哲学思考密不可分。 意境的追求： 中国绘画的核心在于“意境”。它并非简单地描摹景物，而是通过笔墨的组合，营造出一种超越视觉体验的、充满诗意的、能够引发观者情感共鸣的艺术氛围。山水画中的“高远”、“深远”、“平远”，人物画中的“传神”，花鸟画中的“生气”，都是对意境的极致追求。 天人合一的哲学观： 中国绘画深受道家“道法自然”、“天人合一”思想的影响。画家们在描绘自然时，并非将人视为自然的主宰，而是试图融入自然，体会自然的规律与生命力。山水画中山峦的巍峨、流水的潺潺、云雾的飘渺，都体现了对自然神韵的感悟与敬畏。 笔墨的象征意义： 在中国绘画中，“笔墨”不仅是技巧，更是精神的载体。书法与绘画的紧密结合，使得笔墨的线条、墨色的浓淡干湿，都蕴含着丰富的象征意义。刚劲的线条象征力量，柔美的线条象征婉约，浓墨象征厚重，淡墨象征空灵。每一笔的落点，每一墨的晕染，都凝聚着画家的心力与思考。 写意与写实的辩证关系： 中国绘画并非全然否定写实，而是将写实作为写意的基础。画家们在深入观察与理解物象的基础上，通过提炼、夸张、变形等手法，来表现对象的内在精神与生命力，而非刻板的复制。这种“似与不似之间”的境界，正是中国绘画的精髓所在。 第七章：薪火相传——当代中国绘画的挑战与展望 进入近现代，中国绘画在西方艺术浪潮的冲击下，经历着深刻的变革与探索。如何在继承优秀传统的同时，吸收外来文化，创造出符合时代精神的艺术作品，成为当代中国画家面临的重要课题。 一方面，大量的画家致力于传统绘画的传承与创新，在水墨、设色、题材等方面进行新的尝试，使得中国画在保持其独特韵味的同时，展现出新的生命力。另一方面，许多画家也积极吸取西方绘画的技巧与理念，将之融入中国画的创作中，探索水墨与油画、抽象与具象的融合。 当代中国绘画，正以前所未有的开放姿态，拥抱多元化的艺术表达。它们既是对中国传统文化的现代解读，也是对当下社会现实的深刻反思。未来，中国绘画将继续在继承与创新中前行，在东西方文化的交融碰撞中，续写新的辉煌篇章。 结语 《墨韵千年：中国绘画艺术的演变与审美》带领我们走过了一段漫长而辉煌的艺术之旅。从远古的朴拙到近现代的革新，中国绘画以其独特的笔墨韵味、深邃的意境以及丰富的哲学内涵，深刻地影响着中华民族的精神世界。它不仅是历史的见证，更是民族精神的载体。希望通过本书，读者能够对中国绘画艺术有一个更全面、更深入的了解，并从中汲取艺术的养分，感受中华文化的博大精深。这幅墨韵千年的画卷，仍将在历史的长河中，不断地被描绘与解读，焕发出永恒的光彩。

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这本书的论述风格，尤其是后期关于明清两代书法的探讨，展现出一种近乎批判性的反思深度。作者并没有像很多传统史论那样，将明中后期的“复古”视为简单的回归，而是将其解读为一次对宋元文人书写过度个人化倾向的反拨，是士大夫群体在政治高压下，试图通过回归“法度”来寻求文化身份安全感的复杂心理投射。这种将艺术现象与政治、社会心理紧密耦合的分析方式，令人深思。在谈到碑学兴起对帖学传统带来的冲击时，作者没有简单地宣布碑学胜利了，而是冷静地分析了两者在审美趣味上的永恒张力，以及这种张力如何成为中国书法艺术得以持续创新的动力源泉。它让我意识到，艺术史的演进并非一帆风顺的“进步”，而是充满了妥协、对抗和周期性的“修正”。读完之后，我发现自己看待每一幅书法作品的视角都被拓宽了，不再只关注笔画的漂亮与否，更会去探究其背后的时代焦虑与文化立场，这种思想上的启迪，是任何一本纯粹的技巧指南都无法给予的。

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坦率地说，这本书的阅读体验是充满挑战的，但这种挑战恰恰是其魅力所在。它不是那种可以轻松“扫”完的畅销书，它要求读者具备一定的先验知识，或者说，愿意投入大量时间去细嚼慢咽。比如在论及宋代“尚意”书风时，作者对苏轼、黄庭坚等人的笔墨哲学的剖析，深入到了他们如何通过书法来对抗世俗的压力，以求得心灵的超脱。那段论述极其精炼，充满了学者特有的思辨色彩，每一个句子都像是一块打磨光滑的石头，密度极高。我花了很长时间才消化完其中关于“点画的内在逻辑”的章节，作者对笔锋的提按、墨色的浓淡变化如何服务于整体的气韵，分析得鞭辟入里，甚至触及到了中国传统美学中“虚实相生”的最高境界。这使得阅读过程更像是一场与古代大师隔空进行的技法辩论会，你必须全神贯注，稍有走神，便可能错过作者精心埋设的论点衔接。对于那些醉心于书法实践的爱好者而言，这无疑是一本可以反复研习的“内功心法”。

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这本关于中国书法的历史著作，确实给我带来了一场穿越时空的视觉与精神之旅。初翻开时，我立刻被那些印刷精美的古代碑帖拓片所吸引，它们仿佛带着纸张的陈旧气息，直扑眼前。作者在论述早期文字演变，比如甲骨文到金文的过渡时，没有陷入枯燥的考古学罗列，而是巧妙地将时代的社会结构变迁与书体风格的粗犷、庄重感联系起来，让人清晰地理解“形”背后的“意”。尤其对篆书的隶变过程的描绘，细腻到让人能感受到那种笔画从圆转到方折的结构性断裂是如何发生的，那种张力不仅仅是书写技巧的改变，更像是一种文明形态的自我重塑。我特别欣赏作者对“魏晋风度”的解读，那种潇洒不羁、率性而为的书写状态，在作者的笔下不再是空泛的标签，而是与当时的士大夫阶层对个体生命价值的重新发现紧密相连。阅读过程中，我时常需要停下来，对照着书中的图例，在脑海中模仿那种运笔的力度与节奏，仿佛能触摸到王羲之或钟繇指尖传来的温度。这本书的价值，远超一本简单的艺术史，它更像是一部结合了文化人类学和审美哲学的深度文本。

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我最喜欢这本书的地方在于其宏大的叙事结构和对地域风格差异的细致梳理。作者没有将中国书法史写成一条单一的、自上而下的线性发展脉络，而是巧妙地构建了一个多中心的讨论空间。譬如，当讲到唐代楷书的鼎盛时期时，他并没有仅仅停留在欧阳询、颜真卿、柳公权这“三巨头”身上，而是用相当的篇幅去描绘了初唐碑刻的朴拙力量感，以及与江南地区柔和的“台阁体”之间的微妙张力。这种对比手法，极大地丰富了我们对“标准”的认知。此外，书中对敦煌写经这一特殊材料的讨论，也让我耳目一新，它揭示了民间、或者说非精英阶层的书写是如何在历史的夹缝中保留了最鲜活、最未经雕琢的生命力，那种质朴的、带有强烈地方口音的书写形态，简直是教科书般的“反叛”。读完这部分，我仿佛能闻到那个时代弥漫在戈壁滩上，泥土与笔墨混合的独特气味。

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从装帧设计上来说，这本书体现了极高的专业水准。纸张的选用上，兼顾了油墨印刷的清晰度与古代拓片那种哑光的质感，使得即便是现代印刷品，也能最大限度地还原历史的厚重感。尤其值得称赞的是图片的选择与排版，许多罕见的、或者说只有在专业博物馆才能看到的“冷门”碑帖，都被清晰地呈现出来，而且排版时非常注重对临摹学习者的友好度——关键的笔画细节，常常会被放大并用箭头标注出书写顺序，这种教学上的用心，让这本书不仅是历史的记录者，也成为了实用的指导手册。不过，对于初学者来说，书中对一些晦涩的专业术语（比如“侧锋用笔”与“卧笔”的精微区别）的解释略显学术化，如果能增加一些更通俗易懂的图解辅助说明，或许能让更多门外汉鼓起勇气走进书法的世界。但总的来说，它为我们提供了一个难得的、高清晰度的窗口，去审视那些在时间长河中沉浮的书法珍品。

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