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出版者:

作者:梁江滔

出品人:

页数:11

译者:

出版时间:2007-9

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787807462545

丛书系列:

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《古韵新风：中国古典园林艺术赏析》 卷首语： 步入园林，如入诗画。一方天地，浓缩了千年的审美情趣与哲学思辨。本书并非探讨绘画技法，而是带领读者穿越时空，深入中国古典园林的肌理与灵魂，领略那份“虽由人作，宛自天开”的至高境界。 --- 第一章 溯源：从礼制到心境的演变 中国古典园林，绝非单纯的草木堆砌，它是凝固的哲学，是流动的诗歌。本章将系统梳理园林艺术的起源与发展脉络，追溯其在不同历史阶段的功能性转变。 早期形态的萌芽： 从夏商周的“囿”与“囿猎”，探讨帝王贵族用于祭祀、狩猎的场所，分析早期园林与权力象征的紧密关联。 魏晋风度的渗透： 这一时期，文人阶层崛起，园林开始从“尚大”转向“尚意”。王谢名士的隐逸情结如何影响了山水布局的审美取向？探讨“竹林七贤”所代表的超脱精神对造园思想的启迪。 唐代的鼎盛与气魄： 盛唐的自信与开放，使得园林兼具皇家气象与自然野趣。重点分析大明宫太液池、兴庆宫沉香亭等代表性皇家园林的设计手法，及其与当时诗歌、音乐的交融。 宋代的精细与雅致： 宋代市民阶层的壮大，推动了私家园林的繁荣。从苏轼的“可游、可居、可赏”理念出发，深入剖析宋代叠山理水的精微之处，以及造园理念如何趋向于“咫尺之内再造乾坤”。 第二章 意境营造：山水哲学的物质载体 中国园林的核心在于“意境”，即情景交融的艺术效果。本章聚焦于构成园林景观的几大基本要素，阐释它们如何被赋予深厚的文化内涵。 叠山理水的哲学： 山为骨，水为脉。详细解析“得山之精髓，不拘泥于形似”的造山理论。探讨太湖石、灵璧石等异形石材的选择标准，以及水体在园林中如何模拟江海湖泊的动态与静谧。 植物的象征意义： 探究松、竹、梅、兰“四君子”以及桃、柳、荷等常见植物在园林中的文化符号。例如，园林中如何通过植物的疏密搭配，实现“藏”与“露”、“静”与“动”的对比效果。 建筑的“借景”艺术： 建筑在园林中不是主体，而是衬托和引导视线的中介。深入分析“借景”的几种手法：远借（如远山、城廓）、近借（如邻园花木）与仰借（如天空云彩），说明建筑如何成为观赏风景的“框景”。 路径与空间的序列感： 探讨曲径通幽、移步换景的布局策略。分析回廊、漏窗、月洞门等元素如何控制游者的行进速度和视线焦点，从而达到“步步皆景，处处新奇”的审美体验。 第三章 范式解析：经典园林的空间密码 本章选取中国园林史上最具代表性的几类园林进行深度剖析，揭示其设计中的独特规律与精髓。 苏州园林的集大成： 以拙政园、留园、网师园为案例，分析江南私家园林“小中见大”的布局技巧。重点研究其室内外空间的渗透、精巧的水体处理以及对文人画理法的运用。 皇家园林的恢弘气度： 以颐和园、承德避暑山庄为例，阐述皇家园林如何将礼仪制度与自然山水完美结合，体现“天人合一”的政治理想。分析其轴线布局与功能分区（如朝会区、生活区、游览区）的差异。 私家园林的精致哲学： 关注扬州、南京等地的园林，探讨这些区域园林如何更侧重于私密性、抒情性和季节感的变化，满足士大夫阶层休憩与会友的需求。 第四章 诗意栖居：园林中的文化承载 园林是承载中国传统文化和生活方式的场所。本章探讨园林与文人生活、艺术创作的关系。 匾额楹联的意境补充： 分析园林中的题名、匾额、楹联如何对空间进行点睛之笔的解释与升华，使无声之景更添文采。探讨不同朝代的书法风格如何影响园林的整体气质。 “雅集”与园林生活： 园林是文人雅集的重要场所。探讨琴棋书画、诗酒唱和等活动在园林中的空间配置，如探幽亭、曲水流觞等场所的设计目的。 造园技术与匠人精神： 简述泥瓦匠、花匠、石匠等不同工种在园林建造中的协作与传承。关注工具的演变对叠山驳岸精度的影响，体现中国传统手工艺的智慧。 结语：对话未来 古典园林艺术是中华文明留给世界的宝贵遗产。本书旨在唤醒读者对传统美学的敏感度，鼓励我们在现代生活中，重新审视和体验人与自然和谐共处的智慧。园林之美，在于含蓄，在于回味，在于那份永恒的精神家园。 --- 本书特色： 本书摒弃了对绘画技法（如透视、设色、笔法等）的直接阐述，专注于从历史、哲学、美学、建筑结构等多个维度，对中国古典园林艺术进行全面而深刻的剖析。全书语言力求典雅流畅，兼具学术深度与阅读趣味，旨在为文学、历史、建筑、园艺乃至生活美学的爱好者提供一份详实的指南。不涉及任何关于“名师”、“画法”的技艺传授，全篇聚焦于“境”的营造与文化的传承。

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这本书更像是一本关于全球城市规划史的“社会人类学笔记”，而非一本枯燥的教科书。作者的叙事视角非常“地面化”，他没有从宏大的帝国蓝图谈起，而是从一条古罗马的下水道、一个中世纪集市的摊位布局，或者一处现代主义高层住宅区的公共空间设计入手，层层递进，展现城市形态如何反映和塑造了人类的权力结构与日常互动模式。我特别喜欢他对“街道”这一概念的深入挖掘，探讨了从威尼斯狭窄巷道到巴塞罗那棋盘式街区的演变中，居民的安全感、私密性与公共参与度的微妙平衡。书中对不同文化背景下“围墙”的意义分析也十分精彩，它不仅是物理阻隔，更是身份认同的边界。这本书的行文流畅，夹杂着作者在世界各地考察的见闻和思考，读起来充满了发现的乐趣，让人重新审视自己脚下的土地，思考城市生活究竟应该如何组织才能更富有人情味和可持续性。

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这本关于艺术史的巨著，简直是一场穿越时空的视觉盛宴。作者以其深厚的学识和独到的见解，为我们勾勒出从文艺复兴鼎盛时期到印象派萌芽阶段，欧洲绘画风格演变的全景图。书中对提香光影的运用、卡拉瓦乔明暗对比的戏剧性，以及维米尔对日常光线的精准捕捉，都有着极为细腻且富有洞察力的分析。我尤其欣赏作者在论述中不拘泥于单纯的技法罗列，而是将艺术创作置于其所处的社会、哲学和宗教背景下进行考察，这使得每一幅名作的解读都充满了深度和多维性。例如，对“巴洛克”风格兴起的探讨，不仅仅停留在对宏大叙事和炫技的描述，更是联系到了当时的宗教改革和绝对君主制的崛起，让人对艺术的社会功能有了全新的认识。阅读过程中，仿佛有位博学的导师，在你耳边娓娓道来那些大师们创作背后的心路历程和时代脉搏，每一次翻阅都能发现新的趣味点和思考的切入角度，极大地拓宽了我的艺术视野，非常适合那些希望深入理解西方绘画脉络的艺术爱好者。

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我对这本讲述现代文学理论的文集感到非常震撼。它不像一般的理论导读那样堆砌晦涩的术语，而是以一种近乎对话的方式，将结构主义、后结构主义、解构主义乃至女权主义批评的核心思想，拆解得清晰而有力。作者的笔法非常灵活，时而像一个严谨的逻辑学家，梳理着索绪尔符号学的基本框架；时而又像一位充满激情的辩论家，挑战着传统文本解读的权威性。特别是关于“他者”概念在拉康精神分析和德里达“延异”理论中的不同阐释部分，作者巧妙地通过具体的文学案例进行对比说明，使得原本抽象的概念变得触手可及。我发现自己读完一个章节后，需要停下来，反复咀嚼和消化其中的精妙之处，因为它们不仅是关于阅读的理论，更是关于如何审视我们认知世界方式的哲学思考。这本书的价值在于，它不仅教会了我“如何阅读”，更重要的是，它引导我去质疑“阅读本身是什么”，对于提升批判性思维能力，有着不可估量的助益。

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这是一本关于中世纪晚期欧洲手稿装饰艺术的图册与研究的完美结合体。装帧精美，纸张质感极佳，即便是印刷品，那些微小的哥特式花体字和细腻的植物卷须也仿佛能触摸到。内容上，本书的聚焦非常独特，它避开了宏大的教堂壁画和油画，转而深入到当时贵族和教士日常阅读的“袖珍世界”中。书中收录了大量高分辨率的微缩插图，从《死亡之舞》的寓意图解，到圣徒传记中的金色边饰，每一页都蕴含着复杂而丰富的象征意义。研究部分则详尽地考证了不同修道院作坊的风格差异，以及颜料的来源和制作工艺，比如“群青色”在不同地区的使用频率和质量对比，非常专业。通过这本书，我真切体会到，即便是在被认为是“黑暗时代”的时期，工匠们的技艺和审美依然达到了令人惊叹的高度，那份对细节的执着和对信仰的虔诚，是通过这些小小的画作，穿越数百年时空传递给我们的。

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我最近读完的这本关于二十世纪早期实验电影的书籍，简直是为那些对光影叙事边界感到厌倦的影迷量身定做的。它没有采用传统的年代编年史叙事，而是选择了按照“非线性叙事”、“纯视觉主义”和“梦境重构”等几种核心美学方向来组织材料。作者对法国西尔维奥·贝拉吉奥、德国瓦尔特·鲁特曼等先驱者的作品分析，可谓是鞭辟入里，尤其是在阐述他们如何利用蒙太奇手法打破传统因果逻辑，直接作用于观众潜意识的层面，让我大开眼界。书中收录了大量电影剧照和导演手稿的扫描件，那些粗粝的黑白影像和几何图形的并置，本身就是一种强有力的文本。读完后，我立刻去寻找片源重温，发现以前只是“看”电影，现在却是“参与”到一场视觉的解构与重塑之中，这本书真正做到了引导读者进入到电影艺术最前沿、最勇敢的试验场去探寻。

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