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出版者:CEBCO Standard Publishing

作者:Stuart M. Kaminsky

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1974-11

价格:USD 7.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780827802773

丛书系列:

图书标签:

• 电影
• Film Genres
• American Cinema
• Film Studies
• Genre Theory
• Hollywood
• Popular Culture
• Media Studies
• Cultural Studies
• Film History
• Genre Analysis

电影类型学：一种新的电影语言研究路径 作者： 电影研究集体 出版社： 电影学苑出版社 装帧： 精装，附插图及电影片段索引 定价： 88.00 元 ISBN： 978-7-987654-32-1 --- 图书简介 本书《电影类型学：一种新的电影语言研究路径》并非对既有电影流派进行机械的归类，而是一次深入探究电影叙事结构、视觉语法与文化功能之间复杂关联的理论建构。我们避开了传统类型片分析中对题材的简单罗列，转而聚焦于“形式的惯例如何演变为意义的载体”这一核心命题。 一、超越体裁表象：类型作为一种认知框架 长期以来，电影研究往往将“西部片”“黑色电影”或“科幻片”视为固定的标签，如同百科全书中的条目。本书则主张，类型（Genre）更本质上是一种观众的认知框架与制片工业的生产逻辑相互作用的产物。它不是一个封闭的容器，而是一个开放的、不断自我协商的系统。 我们首先在第一部分“框架的建构与解构”中，详细分析了类型如何通过叙事节奏、镜头调度、声音设计这三个维度，预先设定了观众的心理预期。例如，黑色电影（Film Noir）的叙事结构，其“倒叙”的运用并非偶然，而是对战后社会中男性身份危机和宿命论情绪的结构性表达。我们通过对二十部经典黑色电影的镜头运动数据进行量化分析，揭示了其低角度、大景深镜头在潜意识层面如何巩固“无助的局外人”这一主题。 书中重点探讨了“类型迁移”现象。当一个类型的核心形式要素被置入完全不相干的叙事背景时，所产生的“异化效应”——这种效应如何暴露了类型内部的意识形态张力。我们以六十年代反文化运动中出现的“通俗剧式西部片”为例，分析了传统英雄叙事如何被解构，以适应一代人对权威与传统的质疑。 二、视觉语法：光影、空间与物质性 本书的第二部分深入到电影的“物质性”层面，将类型分析与电影技术史紧密结合。我们认为，特定的视觉语言是特定类型得以成立的必要条件。 “光线的修辞学”一章细致地辨析了“高调光”（High-Key Lighting）与“低调光”（Low-Key Lighting）在不同类型中的功能性差异。高调光在歌舞片中是建立乐观主义和透明度的手段，它通过消除阴影来保证叙事逻辑的顺畅；而低调光在恐怖片中，则不仅是营造气氛，更是通过“可见性的限制”来控制信息的释放速度，从而达成恐惧的审美体验。 我们引入了“场域空间”（Situated Space）的概念，用以分析类型片对特定地理和建筑环境的依赖性。例如，西部片中的“空旷地带”（The Frontier）并非仅是背景，而是承载了社会秩序建立与个体自由冲突的动态场域。通过对约翰·福特影片中地平线的反复研究，我们发现地平线高度的微小变化，直接影响到观众对权力距离的感知。 对于声音设计，我们构建了“声音景观的类型学模型”，区分了“暗示性声音”（暗示威胁）与“宣告性声音”（宣告解决方案）在动作片与侦探片中的不同使用频率和空间定位。 三、类型的功能：文化记忆与意识形态的再生产 本书的第三部分转向社会文化批判，考察类型电影如何参与到社会主流叙事的生产与维护中。类型电影往往是处理社会焦虑和集体记忆的“安全阀”。 “记忆的矫正”一章分析了灾难片（Disaster Films）的叙事周期。从五、六十年代对“科技失控”的恐惧，到九十年代对“自然力量的不可预测性”的强调，再到当代对“系统性崩溃”的关注，这些类型的演变清晰地折射出特定时代下，公众对何种外部威胁抱有最深切的集体不安。类型片通过提供一个“可控的灾难结局”，在银幕上完成了对现实世界中无力感的象征性补偿。 我们还批判性地审视了“类型杂交”（Hybridization）的文化政治学意义。当不同类型的元素被强行组合时，其结果往往揭示了文化缝隙中难以调和的矛盾。例如，当代超级英雄电影中对古典悲剧母题的引用，实际上是一种在消费主义浪潮下对“个体牺牲的道德价值”的最后一次挣扎性的维护。 四、方法论创新：跨学科视角的整合 本书的理论基础扎根于现象学、符号学，并大量引入了认知心理学和空间理论的研究成果。我们倡导的“类型学研究”并非停留在文本分析，而是致力于构建一套能够预测和解释类型片“惯例生成”与“意义转换”的动态模型。 我们特别强调了对“类型档案”的整理与分析，这包括剧本纲要、制片笔记、市场调研报告等非电影文本，以期还原类型在工业生产过程中被赋予的初始意图。 结语 《电影类型学》旨在为严肃的电影研究提供一种更具结构性、更贴近技术实践和文化语境的分析工具。它不是一本关于“哪些是西部片”的书，而是一本关于“西部片是如何、为何如此运作”的书。它邀请读者超越对情节的简单追随，深入到电影语言的深层结构中，去理解媒介形式如何塑造我们对世界的基本认知。 --- 本书适合对象： 电影理论研究者、高等院校电影专业学生。 电影史与视觉文化研究领域的学者。 希望深化对电影工业生产机制和文化功能理解的资深影迷。 部分章节预览： 第三章：低调光的空间隐喻：黑色电影中的“不可见性”与道德模糊 第六章：超越地平线：西部片中“边界”的符号学流变 第十章：集体创伤的银幕叙事：灾难片与社会焦虑的循环反馈机制

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这本书的排版和字体选择简直是上个世纪八十年代的产物，白底黑字，毫无设计感可言，读起来非常吃力。我本以为会是一本内容充实、信息量巨大的作品，毕竟标题听起来就涵盖了整个美国电影的类型版图。然而，阅读体验上的挫败感很快就蔓延到了内容本身。书中似乎过于专注于宏观的、概念性的讨论，对于具体的、具有代表性的影片分析却少得可怜。当提到一个类型时，作者倾向于引用大量的理论术语来构建一个理论框架，但很少用具体的电影片段或场景来佐证自己的观点。比如，当谈到“科幻片”时，我更希望看到对《2001：太空漫游》中视觉革新或者《银翼杀手》中赛博朋克美学的深入剖析，而不是对“未来主义母题”的抽象讨论。这种阅读体验让我感到非常疏离，仿佛作者是站在云端俯视着电影，而不是真正热爱并沉浸在光影艺术之中。每一次试图寻找一个能让我眼前一亮的经典案例分析时，都会被带回到冗长且晦涩的理论辩论中去。对于希望通过这本书来更好地理解那些经典好莱坞叙事手法的读者来说，这本书提供的帮助微乎其微，它更像是一本为同行服务的内部交流资料，而不是一本面向大众的、普及电影知识的佳作。

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这本书的封面设计就透露着一股浓浓的学术气息，那种老派的、未经修饰的质感，让人仿佛置身于一个堆满尘封档案的大学图书馆。我原以为会看到一些关于好莱坞黄金时代那些耳熟能详的类型片，比如西部片、黑色电影的深度剖析，或者至少是关于某个特定导演如何颠覆了某种类型套路的精辟见解。然而，当我翻开目录时，那种期待感瞬间冷却了不少。它似乎更像是一本细致入微的分类学著作，而非一部引人入胜的电影文化史。书中对“类型”的界定极其严谨，甚至有些教条主义，将那些原本在影迷口中流光溢彩的类别，硬生生地打磨成了僵硬的标签。我期待的是那种充满激情、能让人联想起银幕上经典镜头的叙事，但这本书提供的，更多是冰冷的结构分析和符号学解读。读起来，感觉就像是在拆解一台精密的机械，每一个零件都被编号、标注，但你却很难从中感受到这台机器曾经是如何创造出奇迹的魔力。它或许对研究电影理论的学生有价值，但对于一个只是想沉浸在电影世界中的普通爱好者来说，阅读过程无疑是枯燥且缺乏情感共鸣的。我更希望能读到关于类型片如何反映社会变迁，或者某个特定类型如何影响了全球流行文化的故事，而不是陷入无休止的定义和子类型的纠缠之中。这本书更像是一份详尽的学术报告，而不是一本能让人在咖啡馆里津津乐道的电影读物。

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说实话，这本书的写作风格极其干燥，仿佛是由一个对电影充满敬畏但缺乏热情的学者写成的。我购买它的初衷是想追溯不同类型片之间是如何相互渗透、相互影响，并最终如何共同塑造了美国电影的整体面貌。比如，恐怖片中的超自然元素是如何潜移默化地进入到动作片叙事中的，或者歌舞片对叙事节奏的影响。但是，这本书似乎将每一个类型都视为一个孤立的、需要被独立研究的学科。章节之间的过渡生硬，缺乏必要的线索将它们串联起来，形成一个有机的整体。读完关于“惊悚片”的一章，我并没有感受到它与下一章“喜剧片”之间的任何内在联系，除非作者在引言中冷冰冰地指出两者在叙事结构上的某种微小相似性。这种缺乏“电影史观”的写作方式，让整本书显得支离破碎。我更希望看到一种动态的、进化的视角，展示类型是如何随着社会思潮和技术进步而不断演变的。这本书更像是一本静态的图鉴，而非一部活生生的编年史。它固守着既定的分类边界，错失了探索类型片之间那些迷人而复杂的“灰色地带”的机会。

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这本书的参考文献部分极其庞大，这本应是严谨的标志，但阅读正文时却让人感觉内容浮于表面。它引用了大量晦涩难懂的学术期刊文章，但似乎没有将这些复杂的理论成功地转化成易于理解的文本。许多段落读起来像是对其他学者观点的堆砌和转述，缺乏作者自己鲜明的、经过沉淀的洞察力。我本想从这本书中学习到如何识别和欣赏类型片中的微妙的叙事技巧——比如蒙太奇如何被用来增强西部片的史诗感，或者灯光运用如何定义黑色电影的道德模糊性。但书中对这些“如何做”的探讨总是浅尝辄止，很快就转向了对“为什么存在”的哲学思辨，这种思辨往往又陷入了对术语的重复定义中。它更像是一份研究综述的初稿，而不是一本成熟的、可以指导实践或激发思考的专著。我感觉自己像是被拽入了一个由复杂的理论术语构筑的迷宫，出口却遥遥无期，最终收获的只有满头的雾水和对电影艺术本身的热情被一点点消磨的失落感。

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从装帧来看，这本书似乎是某个小众出版社的作品，印刷质量尚可，但装帧设计极其保守，完全没有体现出“美国电影”应有的那种充满活力和争议性的特质。我期待这本书能够探讨那些定义了美国电影黄金时代的类型片如何与社会政治思潮产生激烈碰撞，比如冷战背景下 B 级科幻片中对“红色恐慌”的隐喻，或者民权运动对早期黑人喜剧片演员的刻板印象产生的冲击。然而，这本书避开了所有有争议性或真正具有批判性的角度。它倾向于用一种安全、中立的学术口吻，将所有类型片都描绘成某种既定的文化产品，缺乏对类型片背后权力结构和意识形态斗争的深入挖掘。这种“去政治化”的处理方式，让整本书的分析显得苍白无力，仿佛剥离了电影的灵魂。我更想读到的是关于类型片“如何被使用”的故事，而不是一个关于“它们是什么”的沉闷清单。这本书更像是一个档案管理员的工作记录，而不是一位电影评论家充满洞察力的宣言。

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