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出版者:西南师范大学出版社

作者:吕德玉

出品人:

页数:146

译者:

出版时间:2007-8

价格:26.0

装帧:平装

isbn号码:9787562124740

丛书系列:

图书标签:

• 钢琴
• 教程
• 乐理
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• 少儿
• 成人
• 音乐

弦上的诗篇：古典音乐鉴赏与演奏技法精粹 一本引领您深入古典音乐殿堂，触及音乐灵魂深处的权威指南。 本书并非专注于某一特定乐器（如钢琴）的系统教学，而是作为一本宏大而精微的古典音乐知识图谱，旨在为所有对西方古典音乐怀有深厚兴趣的学习者、演奏者和爱好者提供一个全面、深入且富有洞察力的视角。我们将探讨的不仅仅是音符的排列组合，更是隐藏在乐谱背后的历史脉络、文化语境、作曲家心路以及不同演奏流派之间的微妙差异。 第一部：古典音乐的源流与演变——从格里高利圣咏到浪漫主义的辉煌 本部分将带读者进行一次跨越千年的时空之旅，追溯西方古典音乐从其雏形到确立其基本范式的完整过程。 第一章：中世纪的咏叹与复调的曙光（约公元500年—1450年） 音乐的宗教根基： 详述格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征、调式系统及其在教会仪式中的核心地位。 早期复调的诞生： 探讨奥尔加农（Organum）的出现，分析诺特丹画派（Notre Dame School）如佩罗坦（Pérotin）等人的多声部音乐发展，重点阐释早期对位法的雏形与结构。 世俗音乐的勃兴： 介绍游吟诗人（Troubadours）和吟游诗人（Trouvères）对叙事歌曲和世俗题材的贡献，以及中世纪晚期“新艺术”（Ars Nova）对节奏复杂性的突破。 第二章：文艺复兴的和谐与人文主义的回响（约1450年—1600年） 复调艺术的巅峰： 深入解析帕莱斯特里那（Palestrina）风格——“纯净对位”的典范，探讨其如何平衡宗教文本与音乐的和谐之美。 音乐的印刷与传播： 论述印刷术对音乐普及的革命性影响，以及世俗音乐如尚松（Chanson）的兴起。 弥撒与经文歌的结构解析： 剖析固定声部（Cantus Firmus）技法在大型声乐套曲中的运用，以及伊丽莎白一世时期英国作曲家的独特贡献。 第三章：巴洛克的宏伟与情感的张力（约1600年—1750年） 歌剧的诞生与早期发展： 重点分析佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）对“戏剧性独唱”（Monody）的探索，以及蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中对戏剧冲突与音乐表现的结合。 协奏曲与奏鸣曲的定型： 梳理大协奏曲（Concerto Grosso）到独奏协奏曲的演变，分析维瓦尔第（Vivaldi）的协奏曲结构与技巧。 对位法的集大成者——巴赫： 深度解析巴赫《赋格的艺术》与《平均律钢琴曲集》中对位法与和声学的登峰造极，探讨“巴赫式”对位逻辑的严谨与情感深度，而非单纯的指法练习。 巴洛克键盘音乐的语汇： 介绍组曲（Suite）、托卡塔（Toccata）与帕蒂塔（Partita）的规范性结构，并区分哈普西科德（大键琴）与管风琴在音色与表现力上的根本差异。 第四章：古典时期的清晰与形式的规范（约1750年—1820年） 奏鸣曲式与交响曲的奠基： 详细拆解奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、展开部、再现部以及尾声的逻辑构建，这是理解古典时期所有器乐体裁的关键。 海顿与莫扎特的室内乐： 探讨弦乐四重奏的成熟过程，分析莫扎特晚期作品中如何将精巧的结构与深刻的人性洞察完美融合。 贝多芬：古典主义的终结与浪漫主义的序曲： 重点分析贝多芬在对位、和声色彩和结构扩展上如何突破古典规范，特别是其晚期弦乐四重奏所预示的未来方向。 第二部：演奏技法的理论基础与跨乐器应用 本部分旨在提升演奏者的技术理解深度，着眼于音乐的内在物理原理、声学概念以及不同乐器群的演奏特性。 第五章：声学、调律与和声理论的实际应用 纯律、平均律与十二平均律的历史冲突： 探讨不同调律系统如何影响听觉体验和作曲家的选择，以及巴赫时代“平均律”的推广如何解放了调性色彩。 和声语言的演进： 从功能和声（Tonal Harmony）的核心规则（主、属、下主功能）到浪漫主义时期不协和音程的扩展和“色彩和弦”的运用。分析如何通过和声分析来指导演奏的力度和情感处理。 节奏的精微控制： 探讨亚历山大技巧（Alexander Technique）在处理节奏稳定性中的作用，以及如何区分“节拍器精确”与“音乐律动”之间的差异。 第六章：管弦乐与室内乐的合奏艺术 管弦乐配器法精要： 深入分析不同乐器组（木管、铜管、打击乐）的音域、发声原理、动态范围，以及作曲家如何利用音色对比构建宏大场景。 室内乐的对话哲学： 室内乐强调的“平权”与“倾听”，分析弦乐四重奏中各声部间的相互渗透与支撑，这对于任何多声部演奏者都至关重要。 指挥的艺术与功能： 探讨指挥在统一速度、平衡声部、诠释作品意图中的核心作用，这能帮助独奏者更好地理解乐团的整体驱动力。 第七章：风格的辨识与诠释的边界 巴洛克演奏实践的革新（HIP）： 介绍历史演奏实践（Historically Informed Performance）的理念，包括对早期乐器音色、装饰音的运用规范、速度选择的考量，以及如何避免用浪漫主义的思维去演绎巴赫。 浪漫主义的激情与自由度： 分析李斯特、肖邦等时期对“Rubato”（自由速度）的推崇，探讨如何在不破坏结构的前提下，赋予音乐呼吸感和个人情感色彩。 20世纪音乐的挑战： 简要介绍印象主义（德彪西、拉威尔）对传统调性的消解，以及序列主义（Schoenberg）对全新组织原则的探索，拓宽读者对“古典音乐”范畴的认知。 结语：超越技巧的音乐哲学 本书的最终目的，是引导读者从“如何弹奏”的层面，提升至“为何演奏”的哲学层面。古典音乐是人类情感表达的最高形式之一，它要求演奏者不仅是技艺的执行者，更是历史的继承者和精神的传达者。理解了这些宏大的历史背景、严谨的结构逻辑和多样的演奏语汇，任何音乐学习者都能更加深刻地聆听、理解并最终创造出属于自己的音乐声音。 本书是您在古典音乐广袤海洋中航行的必备地图和指南针，助您掌握全局，洞察细节。

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我得说，我是一个对教材要求比较苛刻的成年学习者，之前试过好几本所谓的“速成”教程，结果都是半途而废，要么是理论太枯燥，要么是曲目太幼稚提不起兴趣。直到我拿到了这本《钢琴教程》，我才真正感受到了什么叫“用心”。这本书的选曲眼光独到，它巧妙地将古典、流行甚至一些改编的民间小调融入到基础练习中，使得枯燥的音阶和琶音练习不再那么乏味。每首小曲子前面都会有一段简短的音乐背景介绍，让你在弹奏时，不仅仅是在机械地移动手指，更是在理解音乐的情感和它产生的时代背景。特别是关于踏板的运用部分，讲解得尤为精妙，它没有用那些晦涩难懂的术语，而是描述了踏板如何“呼吸”，如何让音乐“流动起来”，这种富有诗意的表达方式，极大地激发了我的学习热情。我感觉这本书不仅仅是在教我“怎么弹”，更是在教我“怎么去感受音乐”，这种深度是很多教程所欠缺的。

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这本《钢琴教程》真是让人眼前一亮！我最近刚开始学琴，本来对自学还有点忐忑，担心会走弯路，但这本书的编排逻辑性实在是太强了。它从最基础的乐理知识讲起，每一个概念的解释都配有清晰的图示和生活化的比喻，比如讲解音程关系时，它用“搭积木”的方式来描述，一下子就懂了。更让我惊喜的是，它并没有急于求成地堆砌复杂的练习曲，而是非常耐心地在每一个阶段都设置了“巩固练习区”，确保你把基础打牢了才进入下一课。我尤其喜欢它对指法训练的细致描述，每一个手指的站位、触键的力度，都有详细的文字指导和不同角度的示意图，感觉就像有位名师在旁边手把手教我一样。我试着按照它推荐的练习方法，每天坚持半小时，上周试着弹奏了一首简单的练习曲，竟然比我之前自己摸索出来的感觉要好上百倍，音色干净了很多，节奏也稳了。对于零基础的初学者来说，这本书简直就是一座灯塔，让人在浩瀚的钢琴学习海洋中找到了方向，非常推荐给所有想真正入门的朋友们。

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作为一位多年音乐教育者，我从专业角度审视过市面上大部分的钢琴教材，大多要么过于注重技巧训练而忽略了艺术审美，要么就是艺术性过强而导致初学者望而却步。然而，这本《钢琴教程》找到了一个近乎完美的平衡点。它的技术递进是循序渐进的，难度曲线设计得非常平滑，确保学习者在每一步都能获得成就感。例如，在讲解复调练习时，它没有直接上巴赫的赋格，而是用非常巧妙的、模仿人声对唱的简单旋律来引导学生区分左右手的独立性，这种“化繁为简”的教学思路非常高明。而且，书中对于节奏的解析也极其到位，它不仅仅是写出节拍，更用文字描述了不同节奏型在听觉上的“重量感”和“律动感”，这对培养乐感至关重要。这绝不是一本随随便便拼凑出来的教程，它背后蕴含着深刻的音乐教育理念和长期的教学实践经验。

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说实话，我买这本书纯粹是抱着试试看的心态，因为我侄女最近迷上了钢琴，但我自己对乐理一窍不通，想帮她找一本合适的书，结果自己先被吸引住了。这本书的排版设计简直是教科书级别的典范！色彩搭配柔和而不失重点，关键的指法标记和节奏提示都用醒目的颜色区分开来，即便是初学者，眼睛也不会感到疲劳。我最欣赏的是它在每一章末尾设置的“自我检测清单”，非常实用。它不是那种简单的“你会不会XX音”，而是更侧重于“你能不能用正确的力度弹奏出XX段落的对比感”。这种注重“表现力”的考核方式，让我明白了钢琴学习远不止于“把音弹对”。此外，书里还穿插了一些关于钢琴保养和日常维护的小知识，非常贴心，体现了编者对整个乐器学习环境的关怀，让我感觉这是一套非常完整和全面的学习资料。

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我是一个在职的上班族，时间零碎，只能在晚上抽出一点时间来练习。我发现这本书的“碎片化学习”友好度极高。每一课的内容都控制在一个合理的时长内，即便是只有二十分钟的练习时间，也能完整地完成一个小单元的学习和巩固，不会让人有“今天白练了”的感觉。最让我感到惊喜的是，它竟然内置了一个“常见错误诊断区”，用问答的形式列举了初学者最容易犯的十大错误，比如“弹奏时手腕僵硬怎么办”、“出现杂音如何调整”等等，并且提供了立竿见影的纠正方法。我之前因为手腕紧张吃了不少苦头，对照书上的图解，立刻找到了问题的症结所在，调整了几次手型，效果立竿见影。这种实用性极强、针对性又细致入微的设计，让我在自学过程中少走了很多弯路，极大地提升了我的练习效率和信心。

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