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出版者:武汉大学

作者:彭文民

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:2007-7

价格:29.00元

装帧:

isbn号码:9787307051355

丛书系列:

图书标签:

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• 艺术史
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• 美学
• 艺术入门

好的，这是一本名为《色彩的魔力：从自然到画布的视觉之旅》的图书简介，旨在描绘一趟探索色彩本质、历史与应用的深度旅程，完全不涉及《艺术概论》的内容。 --- 色彩的魔力：从自然到画布的视觉之旅 本书简介 在人类文明的漫长画卷中，色彩不仅仅是光线的物理现象，它更是情感的语言、文化的符号，以及科学的谜团。本书《色彩的魔力：从自然到画布的视觉之旅》，带领读者深入探索色彩世界的广袤疆域，从自然界中光与物质的微妙交互，到人类历史上对颜料的痴迷与创造，再到当代科技如何重新定义我们的视觉体验。这不是一本教科书式的罗列，而是一场沉浸式的感官探索，旨在揭示色彩如何编织我们感知世界的底层逻辑。 第一部分：光的剧场——色彩的物理基础与感知 色彩的起源，深藏于光线的本质之中。本书首先从基础物理学出发，解析电磁波谱的奥秘，阐明可见光是如何被物质选择性吸收和反射，从而形成我们所感知的色彩。我们将详细探讨牛顿的棱镜实验如何揭示了白光中蕴含的七彩光谱，以及色彩是如何在我们的眼睛中被视网膜上的感光细胞捕获，并最终在大脑皮层中被“翻译”成丰富多彩的视觉信息。 在这一部分，我们将深入“光与色的相互作用”这一核心议题。解释为什么天空是蓝色的（瑞利散射），而日出日落却是橘红色的（米氏散射）；探讨颜料的加色混合（Additive Mixing）——例如RGB屏幕发出的光，与减色混合（Subtractive Mixing）——例如油画颜料的混合，它们在原理上的根本差异。此外，我们还会审视人类视觉系统的局限性，如“同时对比效应”和“色彩适应”，这些现象揭示了色彩感知的主观性和情境依赖性。 第二部分：历史的调色盘——颜料的发现、炼金与贸易 人类对色彩的追求，驱动了历史上最宏伟的科学探索和最残酷的贸易战争。本书将时间轴拉回到古代文明，探究不同地域的先民是如何从自然界中提取出珍贵的色彩。 我们将细致描述几种标志性颜料的“生命史”： 群青与青金石（Lapis Lazuli）： 这种源自阿富汗山脉的蓝色宝石，在中世纪欧洲是比黄金更为昂贵的颜料。本书将追溯其采矿路线，描绘画家们如何珍视每一克纯净的群青，以及它如何成为宗教画中圣母玛利亚长袍的专属色彩，承载着神圣与永恒的寓意。 埃及蓝与古罗马的朱红： 探究人类最早合成颜料的努力，从古埃及人制造出第一种人造“埃及蓝”的工艺，到罗马帝国对天然朱砂（硫化汞）的依赖与风险。 可可豆的秘密与植物染料： 聚焦于植物提取物，例如茜草根的深红、靛蓝的深邃，以及欧洲从中世纪到文艺复兴时期，对这些天然染料贸易路线的控制权争夺，这些贸易路线往往与香料之路相互交织。 更进一步，本书将聚焦于18世纪和19世纪的“化学革命”，讲述合成颜料的诞生如何“解放”了艺术家。从铬黄的发现到钛白的普及，化学家们以前所未有的稳定性和亮度，为艺术创作提供了全新的工具箱。 第三部分：文化的色谱——色彩的象征、心理与设计 色彩的意义并非固定不变，它深深植根于社会文化和集体潜意识之中。本部分着重于色彩的符号学和心理学维度。 我们将跨越文化边界，比较“红色”在不同语境下的含义：在西方文化中它代表激情、危险和革命；而在中国文化中，它象征着好运、繁荣和喜庆。探讨“白色”在东方常与哀悼相关联，而在西方现代文化中则常被视为纯洁的象征。这种差异的根源是什么？是宗教信仰、气候环境，还是历史事件的塑造？ 在艺术领域，我们将分析那些将色彩运用到极致的大师：德拉克洛瓦的浪漫主义色彩爆发，莫奈对光影下瞬间色彩变化的捕捉，以及瓦西里·康定斯基如何试图用抽象的色彩来表达纯粹的精神振动。 此外，本书还探讨了色彩在现代生活中的实用性： 色彩心理学在营销中的应用： 为什么快餐店偏爱红色和黄色？为什么金融机构倾向于蓝色？ 人体工程学与色彩： 医院病房的舒缓色调，与交通信号灯的强制规范色。 当代数字色彩： 介绍CMYK印刷体系与RGB屏幕体系在设计中的实际操作与限制，以及新兴的广色域技术如何挑战我们对“真实色彩”的定义。 第四部分：未来的光谱——科技与色彩的边界 本书的收官部分展望了色彩科学与艺术的未来走向。我们探讨了纳米技术如何制造出具有极端光学特性的新材料，例如“超黑涂层”或具有特定结构色的表面，这些材料挑战了我们对传统颜料的理解。 同时，我们将审视虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术对人类色彩体验的重塑。当色彩不再依赖于物理世界的反射，而是完全由代码生成时，艺术家的创作边界在哪里？我们还触及了色彩科学的前沿研究，包括人眼对高动态范围（HDR）色彩的感知极限，以及生物医学领域中如何利用特定波长的光来影响生物体机能的尝试。 《色彩的魔力》是一次感官的盛宴，它邀请每一位读者，重新审视那些我们习以为常的色彩，去理解它们背后隐藏的物理定律、历史沉积和深刻的人类情感。翻开此书，你将不再只是“看”到颜色，而是真正开始“理解”色彩。

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我必须承认，这本书在结构组织上展现了极高的逻辑性和宏观视野。它并非简单地罗列艺术家名录或流派时间线，而是构建了一个清晰、有机的知识网络。作者非常巧妙地处理了“点”与“面”的关系——既能深入剖析某个关键历史节点的转折性事件，又能将这些事件置于更宏大的文化变迁的大背景下去审视。尤其让我印象深刻的是它对不同艺术门类之间相互渗透、彼此影响的论述，打破了传统学科壁垒的僵化划分。例如，它将音乐的节奏感与建筑的韵律感进行对照分析，这种跨界思维极大地拓宽了我的认知边界。读完某一章节，总有一种豁然开朗的感觉，能够清晰地看到艺术发展如同一条蜿蜒的大河，支流汇聚，最终奔向远方。

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这本书的语言风格犹如一位睿智而又充满激情的导师，娓娓道来，引人入胜。它没有那种高高在上、拒人于千里之外的学术腔调，相反，它用一种极其亲切、充满生活气息的笔触，将那些看似深奥的理论概念化解得如同昨日的闲谈。作者总能在不经意间穿插一些鲜活的、与当代生活息息相关的例子，比如分析一则热门的广告短片背后的构图逻辑，或是探讨流行音乐MV中色彩的心理暗示。这种叙事方式极大地降低了阅读的门槛，让初学者也能迅速抓住重点。读起来丝毫没有枯燥感，仿佛是在与一位见多识广的朋友一同漫步于艺术的长廊，他随时准备停下来为你指出某处雕塑的微妙之处，并用最生动的比喻解释其历史背景。这种流畅性和包容性，是许多同类书籍所欠缺的宝贵品质。

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这本书的配图质量和排版布局，是其最令人称道的一面。以往很多艺术类书籍，虽然内容扎实，但配图往往模糊不清，色彩失真，严重影响了对原作的理解。然而，这本书在这方面做到了近乎完美。每一幅作品的印刷都达到了博物馆级别的高清水准，即便是细节处的光影变化和笔触的肌理，都清晰可见。更值得称赞的是，作者在安排图片时，绝非随意堆砌。往往相邻的两页会并置不同时代、但主题或手法相似的作品进行对比，这种视觉上的对话极大地增强了学习的效率。通过这种精心策划的图文配合，我感觉自己仿佛拥有了一张私人画廊的导览图，能够直接、无损地领略艺术的精髓所在。

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这本书的内容深度远超出了我对“入门”读物的预期。它没有停留在表面的介绍，而是触及了一些非常核心且富有争议性的哲学思辨。作者在讨论“什么是美”、“艺术的本质”等永恒命题时，展现了极强的思辨能力和批判精神。他引述了多位重量级哲学家的观点，并清晰地梳理了这些观点是如何在不同的艺术运动中得到体现和反驳的。这种对本体论层面的探讨，迫使我不断停下来，重新审视自己过往的一些既有观念。这本书的好处在于，它不仅告诉你“是什么”，更引导你去思考“为什么会是这样”，以及“未来可能会怎样”。这种深层次的引导，让阅读过程充满了智力上的挑战和满足感，远非简单的知识灌输。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴。硬壳封面的触感温润而厚重，拿在手里就能感受到创作者的用心。尤其是扉页那几幅精心挑选的插画，色彩的运用大胆而细腻，线条的勾勒精准而富有张力，仿佛自带一种古老的魔力，让人忍不住想要一探究竟。整体的版式设计也极具匠心，留白恰到好处，既保证了文字的阅读舒适度，又为画面留出了呼吸的空间。装帧的每一处细节，从字体选择到纸张的磅数，都透露出一种对“美”的极致追求。我甚至可以想象，为了达到这种效果，设计师和印刷厂付出了多少心血。这本书不仅仅是一本书，它更像是一件陈列在书架上的艺术品，每一次翻阅，都是一次对工艺美学的致敬。它成功地用物理形态，为即将进入的知识殿堂搭建了一座庄严而又充满期待的门廊。

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