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出版者:大世界出版公司（香港）

作者:吴达如

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001

价格:32

装帧:

isbn号码:9789625760612

丛书系列:

图书标签:

• 文物图录
• 中国
• 紫砂壶
• 紫砂艺术
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《琉璃烟火：明清文人书房里的器物情思》 一卷流光，穿越百年风雅 在明清两代的文人士大夫的生活画卷中，书房不仅仅是读书、写字、作画的场所，更是他们精神世界的栖居地，是“心斋”的象征。然而，支撑起这方寸之地的，除了浩瀚的书籍，还有那些触手可及、浸润着时光与心血的器物。《琉璃烟火：明清文人书房里的器物情思》正是这样一部深潜入那个时代审美核心的著作。它不谈紫砂壶的泥性与烧制，而是将目光投向了那一方由笔墨纸砚、陈设清玩构筑的雅致世界，细致入微地描摹了文人与他们所珍爱的物件之间的深刻联结。 本书以时间为序，空间为界，构建了一个立体的文人生活场景。它不是冷冰冰的器物图录，而是一部充满人情温度的“物语史”。作者凭借扎实的文献考据和对艺术史的深刻理解，带领读者走进那些名家大族的私密空间，探寻每件物品背后的文化密码和情感寄托。 第一部：案牍之勤——书房的基石与秩序 本篇聚焦于支撑文人生计与日常的实用之器，但着重发掘其美学价值。 笔墨的哲学： 摒弃对笔管材质的冗长叙述，本书着重探讨“笔”如何成为文人个体精神的外化。从安徽徽州李廷????的制笔技艺，到文人对毛颖（鼠毫）与兼毫的偏好，核心在于探讨“执笔者”与“书写对象”之间的心物交感。如何通过墨的浓淡、纸的纤维结构，来传达“胸中丘壑”？我们细致分析了明代松烟墨与清代“御墨”的文化意义差异，它们是权力和风雅的具象化。 砚台的沉静： 砚台，被誉为“文房之首”。本书深入研究了端砚、歙砚的矿脉源流，但更关注其“意境”。一块端溪石上的“鱼脑冻”或“蕉叶纹”，在文人眼中意味着什么？它象征着对自然的敬畏、对“道”的追寻。我们选取了清代乾隆朝为自己珍藏的几方名砚的铭文进行解读，揭示了帝王文人与传统士大夫在“藏石”一事上的异同。 尺牍与信笺： 在信息传播缓慢的年代，尺牍是维系文人间交际的命脉。本书详尽考察了宣纸、皮纸、茧纸等不同纸张在不同季节、不同目的的书信中所扮演的角色。一张精心挑选的、带有暗香的笺纸，其传递的信息量往往大于其上的文字本身。我们分析了明代陈淳、清代袁枚等人的尺牍风格，说明了“纸”如何形塑了信件的情感温度与社交礼仪。 第二部：清玩之趣——精神的延伸与物我两忘 文人的书房并非全是功名的累赘，大量陈设清玩（雅玩）是他们调试心境、寄托情思的重要媒介。 香炉与熏香的哲学： 在这个部分，我们几乎完全避开了陶瓷材质的讨论，转而关注“气味”作为一种无形艺术在书房中的地位。明代文人对“焚香”的推崇，是一种对抗俗世喧嚣的“避世之举”。本书详细梳理了不同香料（龙涎、沉香、檀香）在不同时辰、不同场合的使用规范，以及文人如何通过“品香”来达到“静心”的状态。那些雕花的香筒、素雅的铜鼎，只是承载这一“气味仪式”的载体。 铜器的复古情结： 明清之际，仿古之风盛行。文人对商周青铜器的迷恋，本质上是对“上古之风”的追溯。本书聚焦于书房内陈设的仿古铜器——如小型的鼎、彝、爵，它们更多是作为一种“古意”的象征，而非实用的祭器。通过解读顾炎武、钱谦益等人藏古铜器的记录，我们看到了一种对自身文化渊源的深刻认同。 象牙与玉石的触觉： 象牙与玉石，因其温润的触感和稀有的本质，成为文人手中常置的“把玩之物”。本书侧重于描述“摩挲”这一动作本身。一块上好的和田玉佩，其温润程度如何安抚了文人因案牍劳累而紧绷的神经？象牙制成的笔格、小盒，其精美的镂空雕刻是如何在细节处体现文人对“精微”的追求？这是一种“以物养性”的修行。 第三部：镜鉴与收藏——身份的构建与审美的传承 收藏是文人身份构建的重要一环，它体现了他们的品味、财富和社会地位。 古籍的重塑： 在这个部分，我们不谈紫砂壶的泥料，转而关注古籍的“装帧”与“校注”。一部稀有的宋刻本，其价值不仅仅在于内容，更在于其装帧工艺——如蝶装、经折装的演变，以及在漫长流传过程中，被历代名家所做的批注和朱砂圈点。这些“副文本”，才是文人与古人对话的痕迹。 镜鉴：文人对“自我”的审视： 书房中常置有小型的穿衣镜或手持镜。本书探讨了这些“映照之物”对文人自我认知的影响。镜子不仅是审美的工具，更是警醒的象征——提醒他们在仕途的起伏中保持本真。我们分析了清代文人画中，描绘书斋陈设时，镜子所处的独特位置及其象征意义。 琉璃的空明与烟火： 书名中的“琉璃”，在此处并非指实物琉璃器皿，而是一种意象，代表了文人对“通透”与“虚空”的审美追求。他们追求的不是烟火人间的繁复，而是接近琉璃般的澄澈心境。本书在结尾处总结道，文人通过对这些器物的细心打磨、珍视与把玩，最终实现了物我合一，在喧嚣的尘世中，为自己构建了一个永不褪色的精神庇护所。 本书文字洗练，图像资料丰富，通过对案头清供、书房陈设的微观考察，重构了一个立体、鲜活的明清文人精神世界。它展现的，是一种超越泥土与火候之外的、更深沉、更广阔的审美情趣与生活哲学。

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不得不提的是，这本关于传统织绣工艺的著作，其色彩理论的解析达到了令人叹为观止的程度。作者并非仅仅罗列了各种丝线和针法的名称，而是将它们置于当时的社会文化背景中进行深度剖析。例如，书中有一章节专门探讨了特定朝代对“孔雀蓝”和“绛紫”的严格使用限制，以及这种限制如何反向催生了织工们在其他色彩领域的创新，比如对植物染料提取极限的探索。文字的结构非常严谨，充满了逻辑推导，读起来像是严谨的学术论文，但又巧妙地融入了对那些精美图案背后隐藏的象征意义的解读。我特别欣赏作者对“光影在丝线上的反射”的物理学描述，他用非常精确的词汇解释了为什么某些角度下，一件织锦会呈现出截然不同的质感。对于那些对材料科学和美学交叉领域感兴趣的读者来说，这本书无疑是一本宝典，它教会我们如何用科学的眼光去欣赏艺术品的精妙之处。

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最近翻阅的这本关于中国传统工艺的书籍，简直是打开了我对“器物之美”的全新认知。作者的笔触极其细腻，仿佛能透过文字感受到泥土在指尖的温度和塑形的每一个细微变化。书中大量篇幅着墨于古代制瓷大师们如何将自然界的灵感融入到他们的作品之中，那些关于釉色、纹理和造型的论述，专业性极强，让人不得不惊叹于古人的智慧与匠心。尤其让我印象深刻的是，作者没有停留在对成品进行华丽的辞藻堆砌，而是深入挖掘了背后的哲学思想——那种“天人合一”的境界是如何通过烧制和打磨的千百次尝试最终物化的。阅读过程中，我多次停下来，反复揣摩那些配图，那些青花瓷、宋代五大名窑的特写镜头，光影的捕捉简直达到了摄影艺术的巅峰，使得原本冰冷的陶瓷仿佛有了呼吸和生命力。这本书更像是一部艺术史的缩影，它不仅仅记录了工艺的演变，更串联起了特定历史时期下文人士大大的审美取向和社会风貌。如果说有什么遗憾，大概就是篇幅稍显不足，对于某些特定时期的地方窑口介绍还可以再深入一些。

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我最近读到一本关于民间金属铸造艺术的集册，这本书的视角极其独特，它完全避开了那些宏大叙事和宫廷御用器的光环，而是将焦点牢牢锁定在乡野间的铁匠铺和铜匠那里。作者似乎进行了一次长达数年的田野调查，记录了许多濒临失传的手艺人的口述历史。书中详细描述了不同炉温下金属熔炼时发出的声响、火焰的颜色变化，以及他们如何仅凭经验判断材料的纯净度，这些细节的捕捉真实得让人心头一热。特别是关于某些祭祀用具的锻打过程，作者细致地还原了从选矿到最后锤炼的每一个步骤，展现了劳动人民在简陋条件下所能达到的技术高度。语言风格极其口语化，带着浓重的地域特色，读起来就像听一位老艺人坐在炉火旁讲述他的“江湖故事”。这使得这本书充满了烟火气，它让人意识到，真正的“国粹”往往深藏于最朴素的民间，而不是陈列于光洁的大殿之中。它成功地为那些被历史忽略的工匠们竖起了一座无形的丰碑。

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这本书的叙事风格非常跳脱，作者似乎更倾向于用散文诗般的语言来描绘他眼中的“物哀”之美。他似乎对某种特定材质的木雕情有独钟，书中花了相当大的篇幅来探讨木材本身的生命周期与被雕刻后的“重生”。读起来，你得适应这种近乎冥想的阅读节奏，它不像教科书那样严谨，反而更像是一场与智者在古老工坊里的私语。那些关于榫卯结构的描述，虽然没有给出清晰的几何图解，但通过对“接缝的艺术”的感性描述，反而让人对这种无需钉子却能屹立千年的技术产生了由衷的敬畏。作者不断在探讨一个核心问题：如何让时间的痕迹成为一种装饰，而非瑕疵？他对于器物上自然形成的包浆和裂纹的处理态度，体现出一种极其豁达的人生观。整本书读完后，给我的感觉是，它不是教你如何制作，而是教你如何“看待”和“尊重”一件经过岁月洗礼的物件。文字的密度极高，建议不要囫囵吞枣，最好是配上一盏清茶，慢慢品味其间的深意。

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这本书的整体氛围非常空灵，它关注的焦点是关于竹材在文房用品中的运用与哲学。作者的笔法极其飘逸，与其说是在介绍竹雕或竹编的技艺，不如说是在探讨“空”的概念。他反复强调，竹子的价值在于它的中空，这与道家的“虚怀若谷”思想高度契合。书中对不同地域竹子的纹理、韧性和抗虫性的分类描述非常详尽，但所有这些技术细节最终都服务于一个更高层次的审美追求——如何通过雕刻和编织，最大化地体现出竹子那份“可塑而不屈”的品格。阅读过程中，我仿佛能闻到竹子被刨开时散发出的那种清新的、略带涩味的香气。书中的插图大多是黑白线条画，简洁有力，与文字的空灵感相得益彰，没有丝毫多余的装饰。这本书给我的感觉是，它提供了一种慢下来的生活哲学，提醒现代人，真正的精致，并非来源于昂贵或稀有，而是源于对自然材料最本真状态的尊重与理解。

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