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出版者:高等教育出版社

作者:江明惇

出品人:

页数:391

译者:

出版时间:1991-8

价格:49.00元

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isbn号码:9787040214260

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《丝竹管弦的千年回响：中国古代乐律与乐器考辨》 作者： 李文翰 出版社： 翰墨轩文化传播有限公司 出版日期： 2023年10月 定价： 168.00 元 --- 内容简介： 《丝竹管弦的千年回响：中国古代乐律与乐器考辨》是一部深入探究中国古代音乐理论、乐律体系及其载体——各式乐器的历史沿革、构造形制与文化意蕴的鸿篇巨制。本书旨在超越对传统音乐的泛泛而谈，聚焦于构成中国音乐体系的底层逻辑与物质基础，为读者构建一个清晰、严谨且充满洞察力的古代音乐图景。 本书共分六卷二十章，系统梳理了自先秦至明清时期，中国音乐在理论构建、制度确立和器物演进方面所经历的关键转折与创新。 第一卷：周秦乐律的奠基与体系初探 第一章：上古乐律的神秘源头 本章追溯了《礼记》《乐记》中记载的早期乐律观念，探讨了“八音”分类法的形成及其与自然哲学的关联。重点分析了早期乐器如磬、钟的形制与音高定位的尝试，以及“中正平和”的儒家审美观如何渗透到早期乐律思想之中。 第二章：十二律体系的正式确立 详细考证了“十二律”的命名由来（黄钟、大吕等），并引入了“三分损益法”这一核心的数学模型。通过对《国风》《雅》《颂》中对音乐的描述，推演出商周时期对音高精确度的早期要求，并比对了出土文物如曾侯乙编钟所揭示的实际音高系统与理论体系间的差异与互证。 第三章：宫廷雅乐与民间俗乐的初次分野 考察了周代“礼乐制度”下，雅乐在国家祭祀、朝会中的核心地位。与此相对，探讨了早期民间器乐如“韶”“濩”等在不同地域和阶层中的流传状况，为理解中国音乐的“雅”与“俗”的张力埋下伏笔。 第二卷：汉魏六朝的理论深化与乐器革新 第四章：音阶系统的拓展与“七音”的完善 分析了汉代对律学的进一步研究，特别是对“变宫”“变徵”等变音的理论探讨。重点阐述了“七音法”（宫商角徵羽）如何从理论走向实际演奏，成为后世音乐创作的基础框架。 第五章：丝弦乐器的崛起与改良 聚焦于“琴”“瑟”的发展。通过对汉代画像石、壁画的考察，细致描绘了古琴在形制上的演变，特别是早期七弦琴的结构特点。同时，对“筝”从瑟分化而来的过程，及其在不同历史阶段的演奏技法进行了比较研究。 第六章：胡乐的传入与中州乐府的交融 着重探讨了汉代丝绸之路开辟后，来自西域和中亚的乐器和音乐风格如何被接纳。分析了“箜篌”“琵琶”（曲项琵琶）等外来乐器初入中原后，本土工匠对其进行的适应性改造。 第三卷：隋唐盛世的音乐高峰与乐部制度 第七章：唐代“燕乐”的集大成 本书用大量篇幅分析了唐代“燕乐”（宴会音乐）的兴盛，这种集雅乐、法曲、胡乐于一体的综合性音乐形式，标志着中国古代音乐艺术的成熟。详细解析了唐代不同类型的乐部，如教坊、梨园的职能划分及其对音乐人才的培养作用。 第八章：管乐器的精密化：从笛到筚篥 考察了唐代管乐器的结构复杂化。分析了横笛（雅乐用）与竖笛（俗乐用）的区别，并对筚篥——这种音色极具穿透力的乐器——的结构、音色特点及其在盛唐乐舞中的重要地位进行了深入剖析。 第九章：工尺谱的萌芽与记谱法的早期实践 初步探讨了唐宋时期记谱法从文字描述向符号系统过渡的尝试。虽然成熟的工尺谱形成于宋元，但本章追溯了唐代音乐文本中可能存在的简化符号和指示性记谱的雏形。 第四卷：宋代的审美转向与专业化发展 第十章：词乐的兴盛与“新声”的冲击 宋代文学与音乐的紧密结合是本卷的核心。分析了词牌对曲调的严格要求，以及民间“诸宫调”对士大夫音乐的渗透。探讨了宋代对唐代“燕乐”的继承与“减损”，音乐审美趋向内敛和精微的趋势。 第十一章：打击乐器的规范化与乐队编制 宋代市井和瓦舍的繁荣，使得打击乐器（如板鼓、钹、小锣）在乐队中的地位显著提升。本章通过分析宋代勾栏瓦舍的说唱和戏曲记录，重建了宋代小型乐队的基本配置。 第十二章：弦乐器的革新：筝与古琴的定型 详细论述了宋代古琴在徽宗朝达到审美上的一个高峰，探讨了“减字谱”的成熟应用如何保障了琴曲的精确传承。同时，分析了筝在宋代由“抱筝”向“卧筝”的形制转变，以及其演奏技法的深化。 第五卷：元明清的戏曲音乐与乐器体系的定型 第十三章：元曲的兴起与“板式”理论的建立 元代杂剧和南戏的蓬勃发展，将中国音乐推向了以“曲”为中心的阶段。本书详细解读了“板式”的概念，即如何通过音乐结构来配合和推动戏剧情节的发展，以及“曲牌”在音乐上的约定俗成。 第十四章：戏曲乐队的定型与“堂子”制度 研究了明清戏曲（如昆曲、梆子戏）的乐队构成，分析了以吹腔（管乐主导）和拉腔（弦乐主导）的流派对地方音乐风格的影响。本章尤其关注了早期戏班的组织结构——“堂子”——与音乐生产之间的关系。 第十五章：三弦与阮类的普及 考察了在元明清戏曲和说唱音乐中，三弦（特别是“弦子”）和阮族乐器（中阮、大阮）如何取代了部分唐宋时期的乐器，成为主要的伴奏乐器群之一，并分析了它们音色特性如何适应戏曲的叙事需求。 第六卷：乐律学与乐器学的交叉研究 第十六章：律学在清代的回归与实证 探讨了清代宫廷对律学的严谨态度，如《乐律全书》的编纂，以及对古代十二律的重新校准工作。分析了清代律学家在音准测量和律制标准上的实证贡献。 第十七章：大型编钟与排箫的复原研究 基于清代宫廷祭祀音乐的记录，对古代大型复合乐器如编钟和排箫在现代的复原尝试进行了技术评述，讨论了复原过程中遇到的音律、材料和演奏法上的难题。 第十八章：乐器构造的材料学考察 从物理角度分析了竹、木、丝、石、金属在古代乐器制作中的应用及其对音色的决定性影响。以竹制乐器为例，探讨了气候、湿度对手工制作乐器的寿命和音准稳定性的影响。 第十九章：中国古代乐律的数学模型与西方对比 将中国的“三分损益法”与西方的“纯律”及后来的“十二平均律”进行严谨的数学模型对比，探讨了中国传统乐律在保持特定“协和音程”方面的哲学取向。 第二十章：跨越千年的声音遗产 总结了中国古代乐律与乐器体系的内在逻辑，指出其稳定性和适应性，并展望了传统乐器在当代音乐语境中的创新潜力与学术研究的未来方向。 --- 本书特色： 跨学科视角： 融合了音乐史学、文物考古学、声学物理学和哲学史的成果，力求提供一个多维度的解析。 文献扎实： 引用了《周礼》《九宫大成》《乐府诗集》等一手文献，辅以出土乐器实物图片与数据分析。 图文并茂： 包含大量古代乐器复原图、历史绘画插图以及乐器构造示意图，直观展现乐器形制变迁。 本书适合音乐史专业学生、民族音乐学研究者、古代文化爱好者，以及对中国传统器乐艺术有深度探究兴趣的读者。它不仅仅是一部乐器考证集，更是一部关于中国古代声学思想和审美哲学的深度对话录。

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从纯粹的文本结构来看，作者采取了一种高度跳跃性的叙事策略，这使得阅读过程充满了探索的乐趣，但同时也对读者的专注力提出了很高的要求。它没有采用传统的“A民族-B民族”的线性排列，而是常常在讨论一个乐器或一种调式时，突然跳转到另一个看似不相关的地域，通过发现它们之间隐秘的音乐联系——也许是共同的传播路径，也许是相似的旋律动机——来构建起一张庞大的音乐网络图谱。我花了大量时间去梳理这些隐形的线索，不得不说，这种网状的知识结构，非常贴合民族音乐本身那种复杂交错、相互影响的本质。书中对某些古老乐谱的解读部分，尤其精彩，作者不仅展示了乐谱本身，还结合了历史文献，推测了演奏者可能采取的即兴发挥空间，这种对“弹性”和“不确定性”的尊重，体现了极高的学术谦逊。这本书无疑是一部需要反复翻阅、带着笔记去啃食的硬核作品，对于想进行深入研究的人来说，绝对是不可多得的宝藏。

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这套书的装帧设计，拿到手就给人一种沉甸甸的质感，封面那种水墨晕染的纹理，很显东方韵味，但内页的排版和字体选择，却又透露出一种现代的清晰度，使得阅读体验非常舒适。我尤其欣赏它对不同乐器声音特质的描述，那种细腻到几乎能让你在脑海中“听见”乐器音色的文字功力，着实令人叹服。比如，讲到某个少数民族的吹奏乐器时，作者没有停留在简单的介绍，而是花了大量的篇幅去描绘乐器制作的工艺，以及它在特定仪式中扮演的角色，这种深度挖掘文化根源的做法，远超了一般乐理书籍的范畴。整本书的逻辑脉络搭建得非常巧妙，像是带领读者进行了一次自西向东、由北至南的音乐之旅，每到一处，都会细致地剖析当地的歌谣结构、调式特点，以及这些音乐是如何与当地的自然环境、生活习俗紧密缠绕在一起的。我花了很长时间才把第一部分读完，因为每隔几页就想停下来查阅一下那些陌生的乐器名称和复杂的记谱法，但这种“慢读”的过程，反而加深了对内容的理解和记忆，绝对是音乐爱好者和人类学研究者案头必备的珍品。

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说实话，这本书的学术性是毋庸置疑的，它引用的文献和田野调查的资料之详实，让人不禁对作者背后付出的心血感到敬佩。我特别关注了其中关于“口头传统与记录的张力”这一章节，作者没有采取那种把民间音乐“僵化”的记录方式，而是用一种近乎口述史的笔法，试图捕捉那些在代代相传中不断变化和演进的音乐形态的“生命力”。这种处理方式极大地拓宽了我对“民族音乐”这一概念的理解边界，它不再是静止的、被分类好的样本，而是一条流动的河流。我记得里面有一段对比分析，将两种相隔甚远的地区，在祭祀场合使用的五声音阶的变体进行了精妙的对比，从音高微小的差异中，推导出了当地人对“和谐”概念的差异性理解，这种跨文化、跨地域的比较视角，显示了作者深厚的理论功底和广阔的视野。这本书的价值，不只在于保存了“声音”，更在于解读了声音背后的“思维方式”，读完后感觉自己的耳朵都被重新“校准”了一番，对细微的音响变化都变得异常敏感。

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这本书的阅读体验是极其不平坦的，这并非指它文字晦涩难懂，而是指它所呈现的内容之丰富，常常让人感到知识的“超载”。我原本以为它会是一本比较轻松的入门读物，结果发现它像是一部详尽的百科全书，涵盖了从古代宫廷雅乐的遗存到当代城市青年对传统曲牌的“再创作”的各个层面。尤其让我感到惊喜的是，它对音乐的社会功能分析得非常透彻，比如书中如何剖析了某个特定族群在劳作过程中，音乐节奏如何精确地匹配了机械动作的节拍，以及这种集体劳动的音乐如何在无形中强化了社群的凝聚力。这种将音乐还原到生活肌理中的描写，简直是教科书级别的案例研究。我甚至想把它带到我的户外活动小组中去分享，因为书中提到的许多互动性的音乐游戏和合唱形式，非常具有现场实践的价值，而不是仅仅停留在纸面上。它更像是一部“活”的音乐人类学记录，充满了烟火气和生命力。

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我之所以会对这本书留下如此深刻的印象，很大程度上是因为它避开了那些宏大叙事和脸谱化的描述，而是将焦点集中在了“人”和“瞬间”上。书中描绘了许多非常具体、近乎电影镜头的场景：比如在某个偏远山村的篝火旁，一位老者如何用一种近乎失传的唱腔，诉说着家族的历史；或者在一次短暂的集市上，小贩们如何用特有的呼喊声来推销货物，而这些呼喊声本身就具备了复杂的旋律结构。这些生动的片段，比任何抽象的理论分析都要有力得多，它们让冰冷的音符重新获得了温度和情感。作者在文字中流露出的那种对不同文化表达方式的深切同理心和尊重，是这本书最动人的内核。它不是高高在上的评判者，而是一个耐心的倾听者和记录者，这种真诚的态度，使得即便是对音乐了解不多的读者，也能被其中蕴含的人文关怀所打动。它让我意识到，音乐无处不在，它存在于每一次呼吸、每一次劳作、每一次庆典之中。

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