具体描述
《吳宇森電影講座》為吳宇森在香港大學所開設的大師班講座成果結輯。主題包括其個人的成長與學習經歷、在好萊塢的奮鬥歷程、導演方法與電影觀、影像美學與對電影的信念，還有與影評人的對話等；並回應學生們的問題，指導學生作品等，及來自各地的學生們所給予的回應。並附錄一篇精闢的吳宇森電影研究論文，可說是吳宇森的電影生平總覽。
內頁附有吳宇森電影彩色劇照，如《英雄本色》《縱橫四海》《變臉》《不可能的任務2》《獵風行動》等。
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關於：JOHN WOO 吳宇森
生於1948年，曾就讀協和小學，畢業於利瑪竇中學。自小對電影甚熱愛，六七年入「大學生活電影會」與早期的電影人共同研討實驗電影。1968至73年間拍攝了多部實驗電影，亦曾在國泰影業公司當場記、副導。1971至19 72年，轉入邵氏任張徹的副導，1973年自任導演，首部作品為《鐵漢柔情》，其後拍攝多部不同類型的電影，1986年以《英雄本色》掀起英雄片熱潮。1993年進軍好萊塢，聘請著名影星尚克勞德?范達美及好萊塢工作人員拍攝影片《終極標靶》。第二齣好萊塢作品是《斷箭》。九六年獲Cineasia頒發終身成就獎，之後拍攝叫好叫座的《變臉》及《不可能的任務2》。2000年，吳宇森與張家振合組Lion Rock製作公司，導出他第一部好萊塢戰爭片《獵風行動》，及監製周潤發主演的《刀槍不入一僧侶》。最新作品為《記憶裂痕》。
作者简介
現任香港浸會大學傳理學院電影電視學系系主任。曾就讀台灣國立政治大學新聞系獲學士學位，美國南加州大學電影藝術（製作）碩士，香港浸會大學傳理學院電影哲學博士。近年從事電影與電視方面研究，在完成《香港新浪潮電影》一書後，正投入香港電視與全球化的相關研究。多年來在海內外有關的學報、專刊與專著發表論文：如Post Script、《香港國際電影節回顧專刊》、《電影藝術》、《聯合文學》與《北京電影學院學報》等。
七十年代初於大學念書期間，在台灣與友人創辦《影響》電影雜誌，對八十年代初的台灣新電影影響匪淺。從事電影評論多年，多發表在《影響》、《大特寫》、《電影雙週》、《Cosmopolitan》、《亞洲週刊》、《聯合報》、《廣播電視週刊》與《星島日報》等。著作有：《香港類型電影》（與羅卡、吳昊合著）、《分解主流電影》與《中國早期商品海報》（又名《都會摩登》）、合編《邵氏影視帝國：文化中國的想像》（麥田2003）等。
曾任香港廣播電視公司（簡稱無線電視台）編導、執導過《國際刑警》、《的士司機》、《第一次》、《四眼神探》、《女人三十》、《霓虹姊妹花》系列，以及影片《煲車》與《賓妹》等。
目录信息
读后感
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用户评价
对于一个热爱欧洲艺术电影的资深影迷来说，这本书简直是一本“寻宝图”。它没有过多提及那些烂熟于心的经典大师，而是将聚光灯对准了一批在主流视野中几乎被遗忘的先锋实验导演。作者对1970年代某支边缘电影团体的研究堪称百科全书式的详尽，从他们的资金来源、拍摄地点的选择，到每次技术尝试背后的哲学动机，都有着惊人的细节还原。他没有满足于简单的介绍，而是深入分析了这些团体如何利用当时的技术限制，反过来创造出一种独特的、粗粝的美学。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，去查找那些作者提到的片单，每一次的发现都像打开了一个全新的世界大门。这本书的学术价值和实践指导意义并重，它教导我们，伟大的艺术往往诞生于体制之外的坚持与探索。
评分这本书给我最大的震撼，在于它对“观众主体性”的颠覆性探讨。作者大胆挑战了传统叙事中“全知视角”的权威性，转而关注那些故意制造的“信息黑洞”和“情感断裂点”。他论证了，真正的艺术性，往往诞生于创作者故意留下的空白，迫使观众必须调动自身的记忆和经验去“填补”叙事，从而实现一种深层次的参与感。书中引用了大量的心理学理论来支撑这一观点，分析了不同剪辑节奏如何直接作用于前额叶皮层，影响我们的判断速度。我特别喜欢其中关于“非线性时间感”的章节，它没有给出任何标准答案，而是提出了一系列发人深省的问题：如果电影不再试图“讲述”一个故事，而是“呈现”一种状态，那么我们该如何重新定义“观影完成度”？这本书的价值，在于它让你开始质疑自己过去所有看电影的习惯和前提。
评分我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，毕竟书名听起来就带着一股子学院派的冷峻气息。但出乎意料的是，作者的文笔极其富有画面感，仿佛在用文字描绘镜头。他巧妙地将复杂的电影史脉络，融入到对几部被严重低估的、来自东欧的小成本制作的深度剖析中。这些影片的分析角度非常刁钻，聚焦于它们如何用极少的资源，在光影布局上达到了令人发指的艺术高度。书中对“光线作为叙事主体”的论述尤其精彩，作者详细拆解了某一场景中，阴影如何吞噬人物的希望，以及一道侧光如何揭示了潜藏的背叛。整本书的阅读体验，就像是跟着一位经验老到的电影策展人，在私人影展上进行了一次深度导览，充满了惊喜和对细节的敬畏。它没有迎合大众口味，而是坚持了一种对纯粹电影语言的执着追求。
评分这部关于电影理论的专著，简直是为我这种痴迷于叙事结构和镜头语言的影迷量身定做的。作者没有流于对某个特定导演或流派的简单罗列，而是深入剖析了蒙太奇手法的演变，特别是它如何影响观众的情感投射和对时间流逝的感知。书中花了大量篇幅探讨了长镜头在营造真实感和压迫感上的微妙作用，引用了大量经典案例，比如某个黑白片中对环境音效的极致运用，如何通过声音的剥离来放大人物内心的挣扎。尤其让我印象深刻的是关于“意象符号学”的章节，作者构建了一套分析电影符号体系的框架，不再仅仅停留在“红色代表激情或危险”这种肤浅的解读上，而是探讨了符号在不同文化背景下如何被解构和重塑，这种严谨的学术态度，着实令人叹服。读完之后，我感觉自己对那些曾经只是“觉得好看”的场景，有了一种全新的、可以言说的、结构性的理解，仿佛突然获得了电影的“底层代码”。
评分这本书的行文风格极为个人化，与其说是一部电影论著，不如说是一位资深影评人对自己一生观影历程的深度自白。作者的语气非常坦诚，毫不掩饰自己对某些流派的偏爱和对另一些流派的不屑，这种强烈的个人立场反而赋予了文本一种令人信服的真实感。他用一种近乎散文诗的笔法，描述了某部特定电影对自己青春期世界观的塑造作用，这种感性叙事与严谨的电影分析技巧（比如对景深和焦点控制的量化分析）交织在一起，读起来丝毫不觉枯燥。特别是关于“怀旧的悖论”那一章，作者探讨了我们如何用今天的眼光去误读过去的作品，这种自我反思和批判的深度，让整本书的厚度大大增加，它不仅仅是关于电影，更是关于时间与记忆如何共同作用于我们的审美体验。
评分前面访谈，后面论文不错
评分传记部分比较有意思。
评分传记部分比较有意思。
评分前面访谈，后面论文不错
评分比起吴宇森的自传更具有可都读性与说服力，一直以来我都视吴导演为我的电影启蒙老师，其实比其他的暴力美学我更喜欢的是他能够把自己的生活融进创作里面的做法，精确到每一个动作与每一句台词，能这样做的人，是可以自我消化的人。
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