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出版者:中央音乐学院北京环球

作者:王天宏

出品人:

页数:100

译者:

出版时间:2006-10

价格:35.0

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isbn号码:9787880721867

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《旋律的织锦：拉丁节奏与爵士和声的深度对话》 前言 音乐的边界，常常在不经意间被打破，新的生命力由此诞生。当古老的拉丁节奏遇上即兴的爵士和声，一场跨越文化的音乐盛宴便由此拉开帷幕。这不仅仅是两种音乐风格的简单融合，更是两种截然不同的音乐思维方式在思维碰撞中的升华。本文将带您深入探索这种独特的音乐语言，理解它如何汲取拉美音乐的热情奔放与爵士乐的精巧细腻，最终编织出独一无二的旋律织锦。 第一章：根脉的觉醒——拉丁节奏的灵魂 拉丁音乐，这片孕育了无数动人旋律的沃土，其魅力根植于深厚的历史与多元的文化交融。从古老的非洲鼓点到欧洲殖民者的旋律，再到原住民的吟唱，拉丁节奏是一个不断演变、不断吸收的生命体。 非洲节奏的脉搏： 非洲音乐的打击乐传统是拉丁节奏的基石。复杂的切分音、多层级的节奏叠加，以及由此产生的强烈的律动感，赋予了拉丁音乐生命的气息。例如，古巴的Tumbao（桑巴）和clave（克拉维）等基本节奏型，它们并非简单的鼓点，而是构建起整个音乐框架的骨骼。Tumbao 的低音线条既有根音的稳定，又有切分音的动态，而 clave 则如同心脏的搏动，引领着整个乐队的走向。这些节奏的精确性与变化性，为音乐带来了无穷的驱动力。 欧洲旋律的优雅： 西班牙和葡萄牙的音乐对拉丁音乐的旋律和和声产生了深远影响。柔美、抒情的旋律线条，以及带有小调色彩的和声进行，为拉丁音乐增添了浪漫与忧郁的气质。例如，Bomba（ bomba）和Plena（普莱纳）等音乐形式，它们常常包含叙事性的歌词，旋律起伏跌宕，充满了故事性。巴洛克时期的对位技巧和和声原则，也在一定程度上影响了拉丁音乐的音乐结构。 原住民的回响： 安第斯山脉的悠扬排箫，亚马逊雨林的神秘鼓语，这些原住民的音乐元素，为拉丁音乐注入了地域的色彩和神秘的氛围。Huayno（瓦伊诺）和Cumbia（库姆比亚）等音乐，常常能听到这些古老乐器的身影，以及它们所代表的独特音乐表达。 地域的百花园： 拉丁美洲地域辽阔，孕育了形式多样的音乐风格。巴西的Samba（桑巴）和Bossa Nova（巴萨诺瓦）以其轻快、活泼的节奏和优美的旋律闻名；阿根廷的Tango（探戈）则以其强烈的戏剧性和忧伤的情感而著称；古巴的Son Cubano（古巴松）融合了非洲节奏和西班牙旋律，形成了独特而迷人的风格；墨西哥的Mariachi（玛利亚契）则以其华丽的铜管乐和充满活力的歌声征服听众。每一种风格都承载着独特的历史记忆和文化符号。 理解拉丁节奏的精髓，在于把握其内在的驱动力、律动感以及与人体的天然连接。它是一种邀请，邀请人们随之舞动，随之歌唱，随之释放情感。 第二章：即兴的智慧——爵士和声的奥秘 爵士乐，作为一种诞生于20世纪初的音乐形式，以其高度的即兴性和复杂的和声体系闻名于世。它是一种关于自由、创新和个体表达的音乐。 和弦的演进与深化： 爵士和声的根源可以追溯到布鲁斯和早期爵士乐的和弦进行。从简单的七和弦开始，爵士乐的和声不断向更复杂的结构发展，引入了九和弦、十一和弦、十三和弦，以及各种变化音和附加音。这些和弦的叠加与转换，营造出丰富、色彩斑斓的和声织体。例如，ii-V-I（二级-五级-一级）的和弦进行是爵士乐中最基础的模进，但爵士乐手们在此基础上进行了无数的变奏，加入属七、属九、属十一、属十三和弦，甚至将和弦进行进一步扩展。 调性之外的探索： 爵士乐不仅仅局限于传统的十二平均律，它也探索了非功能性和声、模进、色彩和弦等概念。Modal Jazz（调式爵士）的出现，将音乐的焦点从和弦进行转移到调式色彩上，为即兴演奏提供了更广阔的空间。Coltrane Changes（科尔特兰变化）等和弦序列，更是打破了传统的调性逻辑，创造出全新的听觉体验。 即兴的自由： 爵士乐的核心在于即兴。乐手们在既定的旋律与和声框架内，运用乐器进行自由的旋律创作。这需要深厚的理论功底、敏锐的听觉以及丰富的音乐情感。即兴演奏不仅仅是炫技，更是乐手们与音乐对话、与听众交流的过程。他们通过音符的堆砌、节奏的变奏、音色的运用，表达内心的想法和情绪。 “Swing”的律动： 爵士乐特有的“Swing”律动，是一种不易言传的摇摆感，它赋予了音乐一种向前推进的力量和轻松愉悦的氛围。这种律动感体现在音符的断奏、长短音的交替以及微妙的重音处理上。 爵士和声的魅力在于其深度、复杂性以及为即兴创作提供的无限可能。它是一种邀请，邀请人们去倾听，去感受，去跟随旋律的每一次跳跃。 第三章：交汇的火花——爵士拉丁钢琴的独特魅力 当拉丁节奏的动感遇上爵士和声的深邃，便催生了“爵士拉丁钢琴”这一迷人的音乐风格。这是一种能够同时触动身体的律动与灵魂的感知的音乐。 节奏的碰撞与融合： 爵士拉丁钢琴巧妙地将拉丁音乐中标志性的节奏型，如 Salsa（萨尔萨）的 Montuno（蒙图诺）、Rumba（伦巴）的Guaguancó（瓜瓜科）等，融入到钢琴的演奏中。左手常常承担起节奏的基石作用，模仿打击乐器的音色和律动，制造出丰富的节奏层次。右手则在拉丁节奏的框架下，展开爵士化的旋律线条和和声。例如，左手可以演奏一个典型的Tumbao节奏，右手则在此基础上进行爵士和声的即兴演奏，运用降九、升十一等和弦，创造出独特的色彩。 和声的色彩与爵士的灵魂： 爵士和声为拉丁音乐注入了新的生命力。传统的拉丁音乐常常使用相对简单的和声进行，而爵士和声则带来了更丰富的色彩和更复杂的结构。例如，一个原本简单的C大调和弦，在爵士拉丁钢琴的演奏中，可能会变成Cmaj711（C大七和弦的升十一音）或者Cm9b5（C小九和弦的降五音），这些和弦的运用，极大地丰富了音乐的听觉体验，使其更具现代感和深度。 旋律的创造力： 爵士拉丁钢琴的旋律既保留了拉丁音乐的抒情与热烈，又吸收了爵士乐的即兴与灵动。乐手们在遵循拉丁音乐旋律风格的基础上，运用爵士化的音阶、琶音和节奏，创作出既有地域特色又充满个人风格的旋律。例如，演奏者可以在一个典型的Bossa Nova旋律中，加入一些爵士乐中常见的Blue Notes（蓝调音符），或者运用一些即兴的乐句来发展主题，使得旋律更加引人入胜。 即兴的对话： 在爵士拉丁钢琴的演奏中，即兴是不可或缺的一部分。钢琴手们不仅在和声上进行即兴，更在节奏和旋律上进行自由的创作。他们可以模仿打击乐器的音色，用钢琴模拟Congas（康加鼓）的敲击感；也可以用右手演奏出快速的琶音，模仿拉丁歌曲中常用的Guitar Licks（吉他片段）。这种即兴的对话，使得每一场演奏都独一无二，充满了惊喜。 风格的融合与再创造： 爵士拉丁钢琴不仅仅是两种风格的简单叠加，更是一种深刻的理解和再创造。它吸收了Salsa的活力、Bossa Nova的慵懒、Afro-Cuban Jazz的精巧，以及各种爵士乐流派的元素，最终形成了一种具有独特个性的音乐语言。例如，一位钢琴手可以将Salsa的强劲节奏与Bebop（比波普）的和声语言相结合，创造出一种既有舞曲的动感，又不失爵士乐的深刻性的音乐。 第四章：演奏的技巧与表现力 要演奏好爵士拉丁钢琴，需要掌握一系列特定的演奏技巧，并具备出色的表现力。 左手的节奏支撑： 左手在爵士拉丁钢琴的演奏中至关重要。需要熟练掌握各种拉丁节奏型，并将其转化为钢琴的弹奏。这包括对音色、力度和断奏的精妙控制，以模拟打击乐器的质感。例如，演奏Montuno时，需要运用切分音和重音的配合，营造出一种持续推进的律动。 右手的旋律与和声： 右手是旋律和和声表现的主要载体。需要能够流畅地演奏爵士化的旋律，并对和声进行精巧的变化和即兴。这包括对各种爵士和弦的熟悉，以及对不同调式音阶的运用。例如，在即兴一段旋律时，可以运用Mixolydian（混合利底亚调式）来增添一种拉丁的色彩，或者运用Dorian（多利亚调式）来营造一种爵士的律动感。 对位与织体的构建： 爵士拉丁钢琴常常涉及到多声部织体的构建。演奏者需要在左手节奏的基础上，用右手演奏旋律、和弦或对位声部，形成丰富而立体的音乐画面。这需要演奏者拥有良好的手指独立性和对乐谱的整体把握能力。 音色的运用与情感表达： 钢琴的音色在爵士拉丁钢琴的演奏中也扮演着重要角色。演奏者可以通过触键的轻重、踏板的使用等方式，创造出不同的音色效果，以增强音乐的表现力。无论是热烈奔放的Salsa，还是慵懒抒情的Bossa Nova，都需要演奏者将情感注入音符之中。 学习与实践： 掌握爵士拉丁钢琴的演奏并非一蹴而就。需要大量的学习和实践，包括聆听经典作品、分析乐曲结构、模仿大师演奏、以及不断进行即兴练习。 结语 《旋律的织锦：拉丁节奏与爵士和声的深度对话》并非一本关于“爵士拉丁钢琴”的书籍，但它深入剖析了构成这种音乐风格的两个核心元素——拉丁节奏与爵士和声。通过对这些元素的细致解读，我们可以窥见音乐融合的无限可能，理解不同文化如何在音符间产生奇妙的化学反应，最终形成令人耳目一新的艺术形式。这种音乐的魅力在于其包容性与创造力，它邀请我们去探索，去感受，去沉醉在音乐的无穷魅力之中。

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这本《爵士拉丁钢琴》的书籍，从我翻开第一页开始，就被它那充满活力的封面设计深深吸引住了。我本来以为这会是一本偏学术的教材，毕竟“爵士”和“拉丁”这两个词汇听起来就带着一丝严谨性，但事实远超我的预期。这本书的讲解方式极其生动，简直就像是有一位经验丰富的老乐手坐在你旁边，手把手地教你如何把那些看似复杂的和弦进行变得如行云流水般自然。特别是它对Rumba和Bossa Nova节奏型的拆解部分，作者用非常直观的图示和大量的范例，把原本需要长时间摸索才能领悟的律动感，清晰地呈现在眼前。我特别喜欢其中关于“和弦色彩”那一章，它没有仅仅停留在理论层面，而是深入探讨了如何在即兴演奏中，运用降九音、升五音这些“坏”音符，去营造出那种烟雾缭绕的、迷离的爵士氛围，以及如何快速切换到充满阳光气息的拉丁调式。对于我这种长期在古典音乐的框架里打转的钢琴学习者来说，这本书无异于打开了一扇通往自由和即兴世界的窗户。它不仅教你“怎么弹”，更重要的是教你“为什么这么弹”，那种背后的音乐哲学，才是最令人着迷的部分。

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对于我这个业余爱好者而言，学习过程中最头疼的就是“如何将不同音乐语汇自然地缝合起来”。爵士乐的复杂和声与拉丁音乐的强烈节奏感，常常在我手中变成两股互不相让的力量。而《爵士拉丁钢琴》这本书，巧妙地扮演了“翻译官”的角色。它有一整章专门讨论了“节奏的弹性”，这不是我们通常理解的节拍器概念，而是探讨了如何在严格的四四拍下，让你的左手伴奏带有一种微妙的、前后摇摆的“推拉感”（push and pull），这是拉丁爵士的精髓所在。我尤其欣赏作者在讲解“转调”和“和弦替代”时所采用的视角——他不是教你死记硬背规则，而是让你体会到特定和声选择带来的情绪变化。比如，当一个D7和弦需要解决到G小调时，书中展示了十几种不同的过渡方式，每一种都对应着一种截然不同的情绪色彩，从慵懒到紧张，从暗示到坦白。这种细腻入微的引导，让我开始明白，音乐中的每一个音符选择都是一次情感的声明。这本书的排版也很舒服，大量的五线谱和指法提示清晰可见，即便在较暗的光线下阅读，也不会感到吃力。

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从技术层面上讲，《爵士拉丁钢琴》的编排简直是教科书级别的典范。它对左右手分工的探讨，达到了近乎解剖学的精确度。左手伴奏部分的讲解尤其详尽，书中用大量的篇幅来区分不同拉丁风格（Salsa, Cha-Cha, Afro-Cuban Jazz）中，左手低音线条（Bass Line）的细微差别，以及如何利用切分音和休止符来制造出那种让人忍不住想摇摆的律动感。更绝妙的是，作者在讲解复杂技巧时，总会附带一个“简化练习法”，这对于那些时间有限，但又渴望掌握核心感觉的学习者来说，简直是雪中送炭。我个人最喜欢书中最后附录的几首“综合练习曲”，它们像是一个小型音乐会，将之前所学的所有技巧——从复杂的爵士和声到精准的拉丁节奏——融合在一起，迫使你必须全面调动，进行一场酣畅淋漓的音乐实践。这本书的价值，不在于它教授了多少技巧，而在于它成功地激活了我作为演奏者潜藏的创造力，让我对钢琴音乐的未来充满了期待。

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说实话，我当初购买《爵士拉丁钢琴》是带着一丝将信将疑的态度，因为市面上关于跨风格融合的乐谱和教程汗牛充栋，真正能做到深入浅出、兼顾广度与深度的凤毛麟角。然而，这本书的作者展现出了惊人的驾驭能力。他似乎对古巴的Son音乐有着百科全书般的了解，同时又对现代爵士乐的和声演进了如指掌。最让我印象深刻的是关于“Montuno”伴奏模式的讲解，这是拉丁钢琴的灵魂所在。作者没有简单地复制粘贴现有的乐谱，而是从最基础的两个音模开始，一步步引导读者如何在不让低音区显得拥挤的前提下，逐渐增加和弦的复杂度和织体的密度。这种循序渐进的教学法，极大地降低了学习曲线。更难能可贵的是，书中穿插了许多历史上著名乐手的演奏片段分析，比如对Tito Puente和Chick Corea在特定曲目中的处理方式进行剖析，这使得理论不再是冰冷的符号，而是带着温度的历史回响。读这本书的过程中，我常常需要停下来，去聆听那些被引用的音乐录音，那感觉就像是给我的手指装上了一个全新的“听觉处理器”，让我对音乐的感知维度瞬间拓宽了。

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我必须承认，我之前尝试过几本声称教授“拉丁风情”的钢琴书，它们大多是机械地罗列了一些固定套路，一旦脱离了书上的例句，我的即兴演奏就会立刻“露馅”，听起来非常僵硬。而《爵士拉丁钢琴》则完全不同，它致力于培养的是一种“思维模式”。书中有一个章节专门针对“如何用爵士和声来重构传统的曼波（Mambo）旋律”，这个挑战性极高，但结果却令人振奋。它教会我如何将原本简单的三和弦进行，通过加入色彩和弦和不协和音程，立刻提升到一种现代俱乐部酒吧的氛围。这本书的深度在于，它不仅告诉你如何模仿，更重要的是让你学会如何“解构”和“重建”。作者在行文中流露出的那种对音乐的热爱和尊重，使得阅读过程本身也成为一种享受。这不是一本放在书架上蒙尘的参考书，而是那种需要放在琴边，随时可以翻开、随时可以获得灵感的伙伴。它真正让我体会到了，掌握了这些技巧后，钢琴不再是一个只会演奏既定旋律的乐器，而是一个可以和世界对话的平台。

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