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出版者:上海音乐学院出版社

作者:陈铭志

出品人:

页数:33

译者:

出版时间:2005-5

价格:18.00元

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isbn号码:9787806921258

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乐海拾遗：一段跨越时空的音乐之旅 这是一本关于音乐，关于人类情感，关于那些潜藏在我们内心深处，却又总是悄然流淌、无声触动的旋律的集子。它并非一本严谨的学术专著，也不是一部宏大的音乐史诗，而更像是一位旅人，在岁月的长河中，以音符为舟，拾捡起那些闪耀着独特光芒的片段。 《乐海拾遗》试图邀请你踏上一段别样的音乐之旅。这不是一次对某个特定时期、特定风格或特定作曲家的全面梳理，而是对那些在音乐发展长河中，虽不常被提及，却散发着独特魅力，承载着丰富情感的“遗珠”的挖掘与呈现。想象一下，你正漫步在一个古老的音乐宝库中，这里没有耀眼的金碧辉煌，却处处透露着历史的质感和岁月的沉淀。每当你驻足，都会发现一件精致的艺术品，它们或许曾被遗忘在角落，却依然散发着动人的光彩。 第一章：寂静中的呼吸——键盘上的私语 我们将从键盘乐器出发，那些或古老或新颖的键盘乐器，它们发出的声音，往往最能触及我们内心最私密的情感。在这里，我们不谈巴赫的复调，不谈莫扎特的奏鸣曲，而是去感受那些在沉寂的夜晚，键盘上传来的低语。或许是一位无名作曲家，在孤独中写下的十四行诗般的短篇赋格，它的线条精巧，如同织锦；它的情绪，如同一位老友在月光下轻声诉说往事，带着淡淡的忧伤，却又温暖人心。 我们会探索那些被忽略的室内乐作品，那些为羽管键琴、古钢琴，甚至更早期的键琴谱写的乐章。它们可能篇幅不长，却蕴含着精妙的结构和深刻的情感。想象一下，在壁炉的光晕中，一位年轻的作曲家，将对恋人的思念，对自然的赞叹，或是对人生的哲思，巧妙地融入一个个简短的旋律片段中。这些片段，如同散落在地上的花瓣，虽然零落，却依然芬芳。 这里还会出现一些不那么“主流”的键盘作品，它们或许在技法上不追求炫技，却在旋律的流畅性和情感的表达上，有着令人惊叹的纯粹。比如，那些为家庭演奏而作的简单小品，它们没有华丽的装饰，却有着最真挚的情感流露；那些充满田园气息的短篇即兴曲，仿佛一阵清风吹过，带来了泥土的芬芳和鸟儿的鸣唱。我们将试图还原这些作品诞生的背景，理解它们在那个时代，对于演奏者和听众意味着什么。 第二章：弦上的低吟——非奏鸣曲的叙事 在弦乐的世界里，我们常常被宏大的协奏曲和严谨的奏鸣曲所吸引。然而，在这本集中，我们将目光投向那些不那么“正式”的弦乐作品。想象一下，在某个维也纳的咖啡馆，几位音乐家在休憩间隙，即兴演奏的一段优美旋律，它的线条流畅，情感充沛，仿佛在讲述一个未完待续的故事。 这里会有为弦乐四重奏而作的，但并非奏鸣曲体裁的乐章。它们可能更像是几段独立的歌谣，几幅素描，却以最纯粹的弦乐音色，描绘出丰富的情感图景。我们会关注那些在结构上更加自由，在情感表达上更加直接的作品。比如，某些作曲家为纪念友人，或为某个特定场合而创作的几句弦乐小品，它们没有宏大的篇章，却有着动人的细节，如同精心雕琢的宝石。 我们还会探索一些融合了民族元素的弦乐作品，它们或许借鉴了民歌的旋律，或许采用了独特的演奏技法，却在古典的框架下，展现出别样的风情。想象一下，一位身处异乡的作曲家，用弦乐的共鸣，唤起对家乡的回忆；或者，一位对民间音乐充满热情的作曲家，将那些朴实动人的旋律，用古典的笔触加以润色。这些作品，就像是跨越地域的音乐问候，带着地域的印记，却触动了人类共通的情感。 第三章：风中的呢喃——管乐的色彩与独白 管乐器，以其多样的音色和丰富的表现力，为音乐增添了无数色彩。在这部分，我们将关注那些不那么“管弦乐队式”的管乐作品。不再是宏伟的进行曲，不再是磅礴的交响乐段落，而是那些更适合独奏或小型合奏的作品。 想象一下，一位作曲家，在静谧的午后，为一支单簧管谱写一段低沉而忧伤的旋律，它如同在诉说一段深刻的哲思；或者，一位作曲家，为一支长笛创作了一段轻盈跳跃的乐章，它如同在描绘夏日午后，阳光穿过树叶的斑驳景象。我们会关注那些为特定管乐器量身定做的独奏曲，它们充分展现了该乐器的音色特质和情感表现力。 这里还会出现一些小型室内乐作品，它们可能由几种管乐器组成，或者管乐与少量弦乐器结合。它们在织体上可能不如大型乐队那样复杂，却在音色的交融和对话中，产生了独特的艺术效果。比如，一段木管五重奏，它们的旋律相互缠绕，色彩斑斓，如同在描绘一幅生动的画面；或者，一段铜管与弦乐的简单对话，在力量与柔情之间，产生了奇妙的化学反应。 第四章：人声的低语——无合唱的歌唱 人声，是音乐中最古老、最直接的表达方式。在这本集中，我们暂且将目光从宏大的合唱作品中移开，去倾听那些更具个性和亲密感的人声作品。 我们会探索一些不属于歌剧或清唱剧范畴的声乐小品。比如，一些作曲家为纪念亲人，或为表达对某个特定事物的赞美而创作的独唱歌曲。它们可能旋律优美，情感真挚，如同在耳边轻声的倾诉。我们还将关注那些在形式上不那么规范的声乐作品，它们可能没有明确的起承转合，却在情感的流淌中，展现出独特的魅力。 这里还会出现一些为声乐与小型器乐伴奏而作的作品。比如，一首简单的艺术歌曲，钢琴的伴奏如同温柔的臂膀，将人声的情感烘托得淋漓尽致；或者，一首为声乐与弦乐四重奏而作的乐章，它在音色上的融合，营造出一种深邃而动人的氛围。我们将试图理解这些作品诞生的语境，它们是如何在某个特定的时刻，触动了作曲家的灵感，并最终以音乐的形式得以呈现。 第五章：结构之外的自由——即兴与变奏的遐想 音乐的魅力，不仅在于其严谨的结构，更在于其自由的灵魂。在本章，我们将触及那些在结构上相对自由，或者以变奏为基础，却展现出丰富想象力的作品。 我们会关注一些具有即兴色彩的作品。这些作品可能在形式上不那么固定，在情感表达上更加直接，如同作曲家在音乐创作过程中，一次又一次的自我对话与探索。想象一下，一位作曲家，在灵感涌动之时，将脑海中闪现的旋律与和声，不加修饰地记录下来，它们或许粗犷，或许细腻，却都充满了生命力。 同时，我们也会探讨一些以变奏为基础，却跳脱出常规模式的作品。它们可能在变奏的手法上，不拘泥于传统的和声或节奏变化，而是从旋律、音色、织体等多个角度，进行大胆而富有创意的探索。比如，一段对简单民歌旋律的无穷变奏，每一段都像是在为这首民歌，穿上不同的华丽服饰，展现出它不同的韵味。 《乐海拾遗》并非一本提供标准答案的书，它更像是一个邀请，邀请你一同走进音乐的幽深之处，去发现那些被忽略的美丽，去感受那些触动心灵的旋律。在这里，没有所谓“伟大”或“渺小”的区分，只有音乐本身所承载的丰富情感与独特艺术价值。希望通过这本书，你能重新认识音乐，发现那些潜藏在你我生命中的，更加细腻、更加真实的音乐痕迹。

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从音乐史的角度来看，这部作品集提供了一个非常独特的切入点，它仿佛是架设在文艺复兴晚期和巴洛克初期之间的一座隐形桥梁。我注意到作者大量使用了严格的模仿手法，但其旋律的倾向性却隐隐带有浪漫主义时期的抒情色彩，这形成了一种迷人的张力。例如，在处理卡农的结构时，它并没有完全遵从传统的调性模指法，而是在关键转调处，加入了那一瞬间的、不和谐的“犹豫”，这种犹豫不是错误，而是一种对听觉习惯的巧妙挑战。对于音乐分析专业的学生来说，这本书简直是一个活生生的案例库。它展示了如何在一个既定的框架内，注入个性和情感。我花了很长时间去分析其中一首中速的三声部赋格，仅仅通过观察声部进入的时机和终止式的处理，就能大致推断出作者的音乐哲学观——那种对秩序的敬畏与对自由的向往的微妙平衡。我个人觉得，这本书的价值远超一本普通的“曲集”，它更像是一份对西方音乐结构美学的现代注解。

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坦率地说，我最初是对“格律”这个词有些抗拒的，总觉得它意味着束缚和僵化。然而，这本集子的精妙之处恰恰在于，它将那些看似严苛的规则，运用得炉火纯青，却又让人感觉不到丝毫的“格律”痕迹。我尝试演奏了其中几首快板，比如那首标注为“变奏十六度”的小品，它在严格的对位限制下，展现出了惊人的灵活性和跳跃感。与其说它是在遵守规则，不如说它是将规则当作了攀登的阶梯，每一步都踩得精准有力，但最终达到的高度却远超预期。我注意到作者在和声运用上非常克制，多采用三度、六度和八度的组合，这使得整体音响非常干净透明，没有多余的“杂音”干扰。这对于想要深入理解古典复调写作的学生来说，简直是如获至宝。它不是让你去模仿巴赫，而是让你学会如何用最简洁的工具，搭建起最坚固的音乐建筑。读完这些曲子，我开始反思自己以往创作中那些不必要的装饰音和炫技片段，真正的好音乐，往往是那些能直抵人心的纯粹结构。

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这部作品集，光是捧在手里，那厚实的纸张和典雅的装帧就让人感受到一种沉静的力量。我本以为会是那种刻板、学院派的曲集，但翻开目录那一刻，心中涌起的是一种惊喜。它没有那些故作高深的标题，而是用非常直白的词语来描述每首乐曲的情绪和场景，比如“晨曦中的细语”、“风过松林的沉思”之类。我特别喜欢其中一首名为《檐下雨滴的节奏》，作者对不同速度和强弱的雨滴声的捕捉简直是神来之笔。你仿佛能真的听见那“嘀嗒”、“嗒嗒”的声响，如何在不同的音区和节奏型中交织、对话。整部作品的逻辑性非常强，虽然声部不多，但彼此之间互相牵制、互相支持，构建出一种既独立又和谐的声场。这绝不是那种为了追求复杂而堆砌技巧的作品，而是真正用心去雕琢每一个音符间隙的呼吸感。演奏起来，即便是对复调结构不太熟悉的演奏者，也能轻易找到旋律线索，不会迷失在声部的迷宫里。它更像是一本音乐的“修行手册”，教你如何聆听和构建一个微观的、完整的美学世界。

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说实话，我更倾向于在夜晚，点着一盏暖黄色的台灯，伴随着一杯热茶来阅读和演奏这套曲集。它的氛围感非常强，尤其适合在需要高度集中精神，但又不想被过于激烈的情绪所打扰的时候。我特别喜欢其中那几首速度较慢、情绪内敛的作品，它们的织体往往非常稀疏，像水墨画一样，留白很多，但正是这留白，让听者的大脑有了足够的空间去想象。我尝试用大提琴和中提琴分别来演奏其中两首二声部练习曲，发现它的声部线条非常适合弦乐的表达，因为对弓法的控制要求，恰恰对应了对气息控制的要求。每个声部都需要有自己的“呼吸”，不能有任何一个声部成为背景的依附品。这种对声部平等的尊重，是很多现代作品所缺乏的。整套书给我的感觉是——它不喧哗，不张扬，但一旦你沉浸其中，就会发现它内部蕴含着一个无比广阔、精确而又充满人性温度的宇宙。它就像一位沉默的导师，用最清晰的语言，教你如何倾听世界的和谐。

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我是一个业余的钢琴爱好者，对于那些动辄需要八级以上程度才能触碰的练习曲通常敬而远之。所以，我这次翻阅这部《小型复调格律乐曲集》时，心理预期是偏低的，觉得大概率会是那种只能仰望却无法企及的“圣经”。但我的判断失误得非常彻底。这部集的编排逻辑非常“读者友好”。它从最简单的两声部模仿开始，难度梯度平稳得如同一个精心设计的斜坡。初学者可以先从那些节奏型极其规整的作品入手，重点在于保持两个声部的清晰独立和平衡。我用了大概一周的时间，把前五首曲子都用不同的指法练习了一遍，发现它们在技术层面上对指法独立性、触键的均匀度有极高的要求，但对跨度、八度跳跃等体力要求却不高。这使得我可以专注于音乐性本身，而不是被体力耗尽。更让我欣慰的是，即便是最简单的曲子，其旋律线条也充满了歌唱性，绝非那种枯燥的“技术练习条”。它让你在“练功”的同时，也能享受音乐的美好。

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