视觉形态构成

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出版者:上海大学
作者:周锐
出品人:
页数:116
译者:
出版时间:2007-3
价格:38.00元
装帧:
isbn号码:9787811180541
丛书系列:
图书标签:
  • 设计
  • 平面设计理论
  • 视觉设计
  • 构成原理
  • 形态学
  • 设计基础
  • 视觉传达
  • 平面设计
  • 艺术设计
  • 设计元素
  • 形式美学
  • 视觉语言
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具体描述

视觉形态构成是高等艺术院校设计专业的基础必修课,它所涉及内容是艺术设计(视觉传达、产品设计、环境艺术等专业)最重要的基础教育内容,内容涵盖平面图形的构成、色彩构成、立体构成、空间构成、肌理构成等基础设计语言。

《视觉形态构成》内容丰富,图文并茂,可供高等艺术院校设计专业作为教材,也可供美术爱好者参考。

好的,下面为您提供一本与《视觉形态构成》内容无关,且描述详尽的图书简介。 --- 书名: 《时空织锦:中世纪欧洲手抄本的秘密》 作者: 艾丽西亚·凡尔纳 译者: 林逸舟 出版社: 沧海文史出版社 出版日期: 2024年5月 定价: 188.00 元 ISBN: 978-7-5788-1234-5 --- 内容简介 《时空织锦:中世纪欧洲手抄本的秘密》是一部深入探寻中世纪欧洲手抄本艺术、技术与文化意义的百科全书式著作。本书并非专注于图形的抽象构成或现代设计理论,而是将焦点完全锁定在那个被羊皮纸、墨水与黄金叶片所定义的古老世界,揭示这些承载了千年智慧的珍贵文献是如何被创造、使用、珍藏,以及它们如何成为理解中世纪社会、宗教和知识传播的关键钥匙。 本书的叙事结构分为“物料的起源”、“匠人的技艺”、“图像的语言”与“文本的生命”四大核心部分,力求从物质基础到精神内涵,全方位解构手抄本这一独特的艺术载体。 第一部分:物料的起源——从自然到神圣的转化 这一部分详细考证了制作一本精美手抄本所需的全部物质基础,其深度远超一般的艺术史概述。作者花费数十年时间,走访欧洲各大修道院图书馆和档案馆,追溯了原料的源头。 1. 羊皮纸的秘密: 书中细致描绘了羊皮纸(Parchment)的制作过程,从牲畜的选择(羔羊、小牛或山羊),到复杂的浸灰、刮毛、拉伸和打磨工序。特别之处在于,作者引入了最新的考古化学分析成果,探讨了不同时期、不同地域羊皮纸纤维强度的差异,并解释了为何某些古老的文本能历经千年而不朽。我们还将了解到“棕色化”(Browning)现象的成因,以及如何区分早期中世纪的“羊皮纸”和后期的“牛皮纸”(Vellum)。 2. 墨水与颜料的炼金术: 这一章节是关于色彩的史诗。作者深入探究了中世纪炼金术士和抄写匠如何将地球上的矿物和植物转化为持久的色彩。例如,珍贵的群青(Ultramarine)是如何从遥远的阿富汗青金石中提取的,以及在没有现代化学助剂的情况下,如何通过蛋黄或胶水稳定这些昂贵的粉末。书中详细列举了十六种核心颜料的制作配方(如赭石、孔雀石绿、印度黄等),并配有当时的草图复原图,让读者得以窥见那份失传的“色彩配方”。 3. 黄金的薄翼: 关于金饰(Illumination)的制作,本书提供了前所未有的细致描述。艾丽西亚·凡尔纳通过对多部典籍的微观扫描,展示了“打金箔”的过程:如何将纯金锤打至数微米厚度,如何使用“咬合剂”(Gesso)在羊皮纸上形成略微凸起的底座,以确保金箔的附着力和光线的完美反射。这种对光影的精妙操控,正是手抄本光芒四射的根源。 第二部分:匠人的技艺——抄写台与雕刻刀下的信仰 手抄本的诞生是集体智慧的体现,涉及抄写员(Scribe)、插图师(Illuminator)和装订师(Binder)等多个工种的紧密合作。 1. 抄写员的日常与规范: 本章重现了中世纪修道院抄写室(Scriptorium)的真实面貌。我们不再将抄写员视为匿名的劳动者,而是细致考察了他们使用的笔尖、墨水蘸取频率、光照条件(往往是朝北的窗户以获得稳定漫射光)乃至身体姿势。作者分析了不同手写体的演变——从卡洛林小写体(Carolingian Minuscule)到哥特体(Gothic Textura),并解释了这些字体变化背后所蕴含的时代精神和对效率的追求。 2. 装饰的语境与分工: 装饰艺术并非简单的点缀。本书明确区分了“装饰性边框”(Borders)、“首字下沉”(Historiated Initial)和“微型画”(Miniature)的功能。例如,首字下沉如何用一个微小的场景来概括或预示其后文本的内容。书中特别讨论了“双重作者”现象:抄写员完成文本后,将带有标记的羊皮纸交给插图师,两者之间的专业分工与沟通机制,是手抄本得以完成的保障。 3. 损坏与修复的记录: 许多手抄本都带有历史的伤痕——被水浸泡、被虫蛀、被火焰灼烧的痕迹。本书通过科学成像技术,揭示了这些“创伤”背后的历史事件,并详细记录了不同时代(从文艺复兴时期到20世纪)的修复尝试,包括使用错误的胶水、错误的纸张衬背等,这些修复记录本身也构成了手抄本历史的一部分。 第三部分:图像的语言——符号、寓言与世俗的映照 手抄本的图像是理解中世纪视觉思维模式的窗口,它们既服务于宗教教义,也折射出世俗生活的片段。 1. 圣经叙事与象征体系: 本书详尽梳理了《圣经》故事在插画中的固定母题和变体。重点分析了“十二个月份”与“农事活动”在礼拜用书(Book of Hours)中的并置现象,探讨了神圣时间与世俗时间如何在同一页面上共存、对比和融合。对“时间之轮”(Wheel of Fortune)等经典寓言图像的深入解读,揭示了中世纪对命运和无常的哲学思考。 2. 异域之境与怪诞生物: 中世纪的地图和知识边界是模糊的。书中专门开辟章节讨论了那些出现在地图边缘或装饰性边框中的“奇异生物”(Bestiaries),如独角兽、长颈龙以及被赋予道德教训的狮子形象。这些生物并非单纯的想象,而是当时欧洲人对未知世界(如亚洲、非洲)的投射和误解,是知识传播局限性的生动体现。 3. 风格的地域迁移: 通过对比分析,本书展示了手抄本风格如何跨越地理界限。例如,如何区分法国兰斯的细腻线条、德国科隆的厚重色块,以及西班牙托莱多融合了伊斯兰艺术影响的几何图案。这种风格的“地域身份”远比现代艺术流派的划分要复杂得多。 第四部分:文本的生命——知识的流通与禁锢 手抄本的价值不仅在于其艺术性,更在于它作为知识载体的功能和它所处的社会网络。 1. 知识的私有化与公共化: 本书追溯了手抄本从修道院的“珍本室”(Armarium)到大学图书馆,最终进入私人藏家的流转历史。探讨了在印刷术出现前,知识是如何通过借阅、抄写、以及昂贵的购置行为,被特定阶层所垄断的。 2. 藏书票与批注的历史回响: 许多手抄本上留有后世读者的痕迹——藏书票(Ex-libris)、潦草的批注(Marginalia)、甚至折角。这些“非官方”的标记,为我们提供了重建文本阅读史的宝贵线索。书中精选了数十个案例,分析了这些批注者(可能是学者、贵族或虔诚的信徒)是如何与原作者进行跨越数百年的“对话”。 3. 印刷术前夜的挣扎: 随着15世纪古登堡印刷术的兴起,手抄本的黄金时代走向终结。本书以一种怀旧而理性的笔调,分析了当时抄写匠人对新技术的抵触与适应,以及手工制作的奢侈品如何转变为满足贵族和教会新需求的“定制化艺术品”,直到完全退出主流知识传播的舞台。 --- 总结: 《时空织锦:中世纪欧洲手抄本的秘密》是一次对“被遗忘的工艺”的深沉致敬。它邀请读者穿越时间的迷雾,亲手触摸羊皮纸的纹理,辨认古老墨水的色谱,聆听工匠们在寂静的抄写室中的呼吸声。它提供的是一种关于物质、技艺、信仰与知识权力的复杂叙事,是对人类历史上一个伟大文化高峰的全面勘探与致敬。本书适合历史爱好者、艺术史学者、古籍修复专家以及所有对中世纪文化和精细手工艺抱有无限好奇心的读者。 ---

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我最近读完了一本叫做《视觉形态构成》的书,说实话,这本书给我带来了很多惊喜,同时也引发了我不少思考。一开始我只是抱着随便看看的心态,想了解一下书籍设计或者平面广告的视觉元素是如何组合的,毕竟现在充斥着各种信息图表和精美的海报,了解背后的逻辑总归是有益的。没想到,这本书的深度和广度远远超出了我的预期。 它没有直接告诉你“这样排版好看”、“那样配色显眼”,而是深入浅出地从最基础的“点”、“线”、“面”这些几何元素出发,剖析了它们如何在视觉上产生力量、引导视线、塑造空间感。我以前觉得这些概念太过抽象,但作者通过大量的实例,比如建筑的线条、自然的肌理、甚至人脸的轮廓,将这些抽象的理论具象化了。我特别喜欢书里关于“负空间”的部分,过去我总是觉得画面里留白越多越单调,看完之后才明白,那些看似“空”的部分,其实承载着重要的信息,它们能够烘托主体,让画面呼吸,赋予作品一种宁静而高级的美感。 而且,书中对“比例”和“韵律”的探讨也让我茅塞顿赛。我一直不太理解为什么有些设计会让人觉得舒服、和谐,而有些则显得杂乱无章。这本书解释了黄金分割、斐波那契数列在视觉构成中的应用,以及重复、渐变、对比等韵律手法如何影响我们的感知。我开始有意识地去观察生活中的各种设计,从包装盒的尺寸到音乐的节奏,都在默默遵循着这些基本的构成法则。这本书不仅仅是关于“怎么做”,更重要的是“为什么这样做”。它让我不再只是被动地接受信息,而是开始主动地分析和理解。

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我一直觉得自己的空间想象能力不太强,尤其是在做一些手工或者模型制作的时候,总觉得把握不好比例和结构。《视觉形态构成》这本书,可以说是一本“救星”,它从最基础的几何形状出发,让我对“形”有了全新的认识。 作者在书中详细讲解了“面”的构成,以及如何通过面的组合来塑造不同的体块和空间。我之前可能只是把面当成一个平面的画布,现在我明白了,面是可以有厚度、有方向、有空间的。 让我印象深刻的是关于“透视”的讲解。虽然之前在学校学过一点点,但总觉得有些抽象。这本书通过大量的图例,让我看到了透视是如何在我们感知三维空间中扮演重要角色的,以及如何通过简单的透视原理,就能让画面产生纵深感。 而且,书中还提到了“穿插”和“遮挡”的概念,这些都是在表现空间关系时非常重要的手法。我之前可能只是觉得物体堆叠在一起,但现在我明白了,通过合理的穿插和遮挡,能够让画面更加有层次感,也更容易理解物体之间的关系。 这本书让我从一个“平面思维”的创作者,变成了一个“立体思维”的创作者。我感觉自己在空间构图方面有了很大的提升,做模型的时候也更加得心应手了。

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说实话,我一开始是被这本书的书名吸引的,觉得“视觉形态构成”听起来就很有学问,而且我最近正想着提升一下自己的审美能力,无论是工作还是生活,总觉得有那么点“说不清道不明”的美感缺失。打开这本书,我发现它比我想象的要“硬核”不少,但读起来却意外地不枯燥。 作者没有直接抛出一些高深的理论,而是从最基础的“元素”开始讲解,比如点、线、面。我以前对这些概念的理解非常粗浅,觉得就是画画最基本的笔触。但在这本书里,我看到了点可以“凝聚”焦点,线可以“引导”视线,面可以“划分”空间。举的例子也是五花八门,从古希腊的建筑柱式到现代的UI界面设计,让我看到了这些基本元素在不同领域的神奇运用。 我特别喜欢书中关于“对比”的章节。过去我总觉得颜色鲜艳、形状独特就是对比,但这本书让我理解到,对比不仅仅是视觉上的强烈差异,更是信息层级的区分,是突出重点的手段。比如,大小的对比、明暗的对比、疏密对比,这些都能有效地引导观众的目光,让他们在第一时间捕捉到最重要的信息。 这本书还让我认识到,构成不仅仅是二维平面上的组合,它还涉及到三维空间的感知。即使是平面设计,通过对阴影、透视的理解,也能营造出空间感和深度。我开始尝试用书中的方法去分析自己看到的设计作品,试着找出它们成功的“秘诀”。这本书让我从一个“看客”变成了一个“解读者”,这种感觉非常棒。

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最近我迷上了用手机拍摄一些小景物,希望能拍出一些有意思的照片。但拍来拍去,总感觉照片太平淡,缺乏吸引力。《视觉形态构成》这本书,可以说是及时雨,它让我看到了照片“好看”背后的奥秘。 作者从最基本的“点、线、面”元素讲起,让我明白这些看似简单的几何图形,如何组合起来能够创造出丰富的视觉效果。我之前可能只是随意地按下快门,现在我开始思考,画面中的线条是如何引导视线的,面的分割如何影响画面的空间感。 让我印象深刻的是关于“重复”和“韵律”的讲解。我开始留意画面中的重复元素,比如窗户的排列、花瓣的形状,以及它们如何形成一种自然的节奏。这种节奏感,能够让照片变得生动有趣,而不是死气沉沉。 书中还提到了“色彩构成”,虽然我之前对色彩的理解仅限于“好看不好看”,但这本书让我明白,色彩是有情感的,不同的色彩搭配能够营造出不同的氛围。比如,暖色调带来热情和活力,冷色调则显得宁静和沉稳。 我尝试着运用书中的一些构图原则,比如三分法,去拍摄一些小物件。结果发现,照片立刻变得有了“故事感”,焦点也更加突出。这本书不仅仅是讲理论,它更像是一本“实践指南”,让我能够立即将学到的知识运用到实际拍摄中。

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一直对海报设计和品牌视觉形象很感兴趣,总觉得那些设计能够在一瞬间抓住人的眼球,并传达出强烈的信息。《视觉形态构成》这本书,让我窥见了这些视觉冲击力背后的秘密。 作者在书中详细阐述了“方向”和“动感”在视觉构成中的作用。我之前可能只是觉得画面要“有活力”,但看完书我才明白,通过线条的走向、元素的倾斜,甚至色彩的对比,都可以营造出强烈的运动感和方向感,从而引导观众的视线,让他们主动地去探索画面。 我尤其喜欢关于“聚集”和“发散”的讲解。它们是如何通过元素的排列和密度来影响观众的感知,以及如何利用这些原理来突出主题,或者营造一种宏大的氛围。 书中还提到了“肌理”和“质感”的运用。我之前可能只是觉得触感很重要,但这本书让我意识到,视觉上的肌理和质感,同样能够影响观众对一个作品的感受,让画面更加丰富,更具表现力。 这本书让我明白,一个好的视觉设计,不仅仅是好看,更重要的是能够有效地传达信息,并引发观众的情感共鸣。它让我从一个“被动接受者”变成了一个能够“主动分析”和“创造”的“设计者”。

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我一直以来都对绘画和设计有着浓厚的兴趣,但总觉得自己的作品缺少一种“高级感”,画面总是显得不够协调,或者说,缺乏一种视觉上的“呼吸感”。《视觉形态构成》这本书,就像是为我打开了一扇新的大门,让我看到了构建视觉美学的另外一种可能性。 作者从最基础的“点、线、面”开始,抽丝剥茧地讲解了它们如何能够组合成丰富多样的形态。我之前只是知道有这些元素,但不知道它们可以被赋予如此强大的表现力。比如,一条直线可以带来稳定和力量,一条曲线则能传递柔美和动感。这种对基本元素的深入剖析,让我对创作有了更扎实的理解。 书中关于“平衡”的探讨尤其让我受益匪浅。我以前以为平衡就是对称,但作者通过大量的实例,让我看到了不对称也能达到视觉上的和谐,甚至能产生更强的动感。这种对“动态平衡”的理解,极大地拓宽了我的构图思路。 让我印象深刻的还有关于“韵律”的章节。作者解释了重复、渐变、对比等韵律手法是如何引导观众的视线,并创造出视觉上的节奏感。我开始反思自己过去的作品,为什么有时候会显得生硬或者单调,原来是缺少了这种自然的韵律。 这本书不仅仅是讲解理论,更重要的是,它教会了我如何去“观察”。我开始用一种全新的眼光去审视周围的世界,发现那些隐藏在日常生活中的视觉构成原理。从建筑的线条到自然的肌理,都成为了我学习的素材。

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我一直以为,艺术和设计是一种纯粹的“天赋”,要么有,要么就没有。但《视觉形态构成》这本书,让我彻底改变了这个看法。它用一种非常理性的方式,将视觉构成的奥秘层层剥开,让我看到了原来“美”是可以被学习和掌握的。 作者在书中详细讲解了“比例”的重要性,比如黄金分割、三分法等。我之前可能听说过这些名词,但从来没有真正理解它们在视觉构成中的实际作用。看完这本书,我才明白,这些比例不仅仅是数学上的概念,它们能够影响我们对画面稳定感、和谐感的感知。 我特别喜欢书中关于“对比”的章节。它不仅仅是讲了视觉上的强烈差异,还讲到了如何通过对比来突出重点,引导视线。比如,大与小、明与暗、粗与细的对比,都能有效地抓住观众的注意力。 而且,这本书还让我认识到了“负空间”(留白)的强大力量。我以前总觉得画面里留白越多越空洞,但看完书我才明白,那些看似“无用”的空间,其实承载着至关重要的信息,它能够衬托主体,让画面“透气”,赋予作品一种高级感。 这本书让我从一个“感觉型”的创作者,变成了一个“理性型”的创作者。我不再是凭感觉乱画,而是能够有意识地运用各种构成手法,去达到我想要的效果。我感觉自己的设计水平得到了质的飞跃。

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我一直对电影、摄影、广告等视觉传达的内容非常着迷,总觉得那些精美的画面背后一定有着不为人知的“魔法”。而《视觉形态构成》这本书,就像是揭开这层面纱的钥匙。它没有卖弄术语,而是用一种非常平实易懂的方式,讲解了视觉构成的核心原理。 我特别喜欢书里关于“空间”的阐释。我以前以为空间就是画面有多大,但这本书让我明白,空间感是通过元素的排列、虚实的对比、甚至色彩的运用来营造的。比如,近处的物体用暖色调,远处的用冷色调,就能有效地拉开距离。这种空间的“幻觉”是如何产生的,看完书我才有了清晰的认识。 作者在讲解“对比”的时候,不仅仅是讲了形状、大小、颜色的对比,还深入到了“疏密”和“方向”的对比。我突然意识到,为什么有些画面会显得生动有趣,而有些则显得沉闷刻板,很大程度上就取决于这些对比的运用。 而且,书中还讲到了“统一”与“变化”的关系,这让我对画面的整体感有了更深的理解。一个好的作品,既要有整体的和谐,又要有局部的亮点,两者如何平衡,书中提供了很多精彩的范例。我开始有意识地去观察我喜欢的电影海报、杂志封面,试图从中找出它们遵循的构成法则。 这本书让我明白,视觉构成并非空中楼阁,它根植于我们对世界的感知方式,也服务于我们清晰有效地传达信息的需求。它让我从一个单纯的“欣赏者”,变成了一个能够“解构”和“创造”的“参与者”。

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我最近一直对各种展览和公共艺术装置很感兴趣,也想着自己能创作出一些有意思的东西。但每次动手的时候,总觉得少了点什么,画面总是显得平淡或者杂乱。直到我翻开了《视觉形态构成》,才恍然大悟,原来我一直忽略了最根本的东西——视觉的构成原则。 这本书的讲解方式非常系统,它从最基础的“元素”开始,比如点、线、面,然后逐步深入到“法则”,比如平衡、对比、韵律。我以前可能只是凭感觉来构图,现在我明白了,很多看似随意的组合,其实都暗含着严谨的构成逻辑。 让我印象深刻的是关于“节奏”的章节。作者通过分析不同艺术作品的节奏感,让我理解了视觉的流动性和变化的重要性。就像音乐有高潮有低谷一样,视觉作品也需要有引导视线、制造张弛有度的过程。我开始注意到,好的设计能够自然而然地引导我的眼睛在画面中游走,而我之前做的东西,有时候会让人看得“不知所云”。 这本书还给我提供了很多具体的“工具”,比如黄金分割、三分法等构图技巧。虽然这些技巧听起来好像有些“老生常谈”,但书中结合大量案例的讲解,让我看到了它们在实际运用中的强大生命力。我不再是死记硬背,而是真正理解了它们背后的原理,并能够灵活地运用到自己的创作中。 总之,这本书就像一本“设计武功秘籍”,让我从一个初学者,逐渐掌握了视觉构成的精髓。它不仅提升了我的审美能力,更重要的是,它给了我解决实际问题的思路和方法。

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这本书给我带来的最大冲击,在于它彻底颠覆了我过去对“美”的狭隘认知。我过去总觉得美就是一种感性的、难以言喻的东西,但《视觉形态构成》却用一种近乎科学的严谨态度,将视觉美学分解到了最基本的构成要素。它让我意识到,那些令人愉悦的视觉体验,往往是遵循着某种内在的秩序和逻辑。 作者在书中详细阐述了“平衡”和“张力”的概念,这让我对画面的稳定性有了更深刻的理解。我过去总以为居中对称就是平衡,但书中展示了不对称也能达到动态平衡,甚至通过巧妙的视觉重量分布,营造出一种蓄势待发的张力。我开始反思自己过去的一些设计尝试,为什么有时候会觉得画面“飘”或者“压抑”,原来是因为对这些基本元素的运用不够纯熟。 让我印象特别深刻的是关于“节奏”的部分。不仅仅是视觉上的重复和变化,作者还引入了心理学的概念,解释了节奏如何调动观众的情绪,引导他们的注意力。我联想到电影里的蒙太奇手法,那种快速剪辑带来的视觉冲击力,其实就是一种强烈的视觉节奏。这本书让我学会了从更宏观的角度去审视一个设计,不再仅仅关注局部的细节,而是去感受整个作品的生命力。 它让我明白,视觉构成不仅仅是为了“好看”,更是为了“有效”。一个好的视觉构成能够清晰地传达信息,引起共鸣,甚至引发行动。这种从“形式”到“功能”的升华,是这本书最宝贵的价值所在。

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作为爱好者 不间断的读着这样一些教材的书 只是希望能够慢慢理解一些东西 这本书应该还是有亮点 结合讲解一些学生的作品 不偏重大师的东西 原理深奥 但讲解清晰 范例独到 编排是花了心思的 感觉是比同类书略高一筹 看后有收益

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作为爱好者 不间断的读着这样一些教材的书 只是希望能够慢慢理解一些东西 这本书应该还是有亮点 结合讲解一些学生的作品 不偏重大师的东西 原理深奥 但讲解清晰 范例独到 编排是花了心思的 感觉是比同类书略高一筹 看后有收益

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作为爱好者 不间断的读着这样一些教材的书 只是希望能够慢慢理解一些东西 这本书应该还是有亮点 结合讲解一些学生的作品 不偏重大师的东西 原理深奥 但讲解清晰 范例独到 编排是花了心思的 感觉是比同类书略高一筹 看后有收益

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作为爱好者 不间断的读着这样一些教材的书 只是希望能够慢慢理解一些东西 这本书应该还是有亮点 结合讲解一些学生的作品 不偏重大师的东西 原理深奥 但讲解清晰 范例独到 编排是花了心思的 感觉是比同类书略高一筹 看后有收益

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作为爱好者 不间断的读着这样一些教材的书 只是希望能够慢慢理解一些东西 这本书应该还是有亮点 结合讲解一些学生的作品 不偏重大师的东西 原理深奥 但讲解清晰 范例独到 编排是花了心思的 感觉是比同类书略高一筹 看后有收益

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