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☆☆☆☆☆

出版者:Thames & Hudson

作者:Michael Rush

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:2003-11-24

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780500237984

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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• 表达形式
• 视觉文化
• 实验艺术
• 艺术史
• 数字媒体
• 艺术实践

《光影的疆域：当代影像叙事的探索与重构》 内容简介 本书并非聚焦于某一特定媒介或技术形式的汇编，而是深入剖析了自20世纪中叶以来，随着技术革新与文化思潮演变，叙事结构如何在新兴的视觉语言中被彻底颠覆、延展与重构的过程。我们探讨的核心议题是：当叙事不再局限于线性和文本的范畴，而是溢出到时间、空间、感知与物质性的维度时，主体经验与意义构建会发生何种根本性的转变？ 本书将当代视觉艺术的复杂生态视为一个广阔的“场域”，在这个场域中，传统电影的语法遭遇了来自实验性探索、档案挖掘、数字交互以及身体介入的强烈冲击。全书分为五个主要部分，层层递进地解析了这一重构过程的内在逻辑与外在表现。 --- 第一部分：媒介的嬗变与感知的重塑 (The Metamorphosis of Medium and the Reframing of Perception) 本部分首先追溯了“时间性艺术”（Art as Time-Based Medium）的理论根基，但避开了对传统电影史的叙述，转而关注那些从早期录像技术中萌芽的，挑战“观看”这一行为的实践。我们研究的是，当影像不再是“窗户”而是“物质”本身时，观众如何从被动接收者转变为主动的感知参与者。 重点考察对象包括：空间性叙事的构建——艺术家如何利用持续的时间流和物理空间的回响，取代情节驱动，转而聚焦于“在场感”的营造。我们分析了如何通过非线性剪辑与循环结构来瓦解因果律，从而揭示潜藏在日常经验之下的、更深层次的时间肌理。这里探讨的不是记录，而是“痕迹”与“残影”的并置，以及这种并置如何唤醒观者的“内在身体记忆”，而非外部认知逻辑。 此外，本部分深入讨论了“感知经济学”的批判视角。在信息过载的时代，纯粹的视觉刺激往往退化为背景噪音。因此，我们关注那些故意制造“观看的困难”或“感知的摩擦”的创作策略，迫使观众重新校准他们对视觉信息的处理模式，从对“内容”的追逐转向对“媒介本身属性”的体察。 --- 第二部分：档案、记忆与历史的碎裂 (Archive, Memory, and the Fracturing of History) 本部分的核心关切在于：在数字时代，历史的“文本”和“影像档案”的可靠性受到了怎样的质疑？我们探讨的并非是对既有历史的简单重述，而是如何利用、挪用和解构现成的档案材料，来揭示历史书写背后的意识形态偏见和权力结构。 我们分析了“档案的幽灵”——那些被主流叙事排除、被遗忘或被压抑的影像片段。通过精密的拼贴与编辑，艺术家将这些碎片化的证据重新组织，构建出“反历史”的叙事。这是一种对“全景式历史”的抵制，主张历史应由无数个不完整、相互矛盾的局部叙事所构成。 研究还将拓展到个人记忆与集体记忆的交汇点。通过分析那些结合了家庭录像、口述历史与公共影像的创作，我们审视了记忆如何作为一种不稳定的、易受污染的“媒介”运作。记忆的“失真”和“重影”被视为一种生产性的力量，而非叙事上的缺陷。 --- 第三部分：身体、界面与物质性转向 (The Body, The Interface, and The Material Turn) 随着技术媒介的普及，身体与屏幕之间的关系经历了剧烈的演变。本部分将焦点从纯粹的“影像观看”转向“身体在场”与“媒介物质性”的交织。 我们分析了身体作为活的载体如何介入到叙事生成中。这包括对表演性、耐力挑战以及身体对环境反应的直接记录，这些实践挑战了传统的“屏幕凝视”。身体不再是主题，而是成为了一种抵抗观看机制的“媒介界面”。 更进一步，本部分深入探讨了数字界面的内在物质性。在诸如虚拟现实（VR）和沉浸式装置的语境下，叙事不再依赖于“故事线”，而是依赖于空间布局、交互机制和数据流。我们考察了数据、代码和算法本身如何成为新的叙事主体，以及人类主体如何在这些“非人”的结构中寻找意义锚点。这里的“叙事”转化为一种“在体验中生成”的过程。 --- 第四部分：循环与失语的诗学 (The Poetics of Recursion and Aphasia) 在对线性逻辑的彻底背离之后，许多当代探索转向了一种更具内省性和沉思性的诗学实践。本部分聚焦于那些刻意制造叙事中断、语义阻塞和无尽循环的艺术手法。 我们研究了“失语症美学”——当语言和符号系统失效或被抽离时，观众的注意力被迫转向影像的原始要素：光线、纹理、运动的节奏。这种美学实践是对过度阐释的文化惯性的反叛，它邀请观众进入一种“无意义”的状态，从而有可能产生非理性的、纯粹感官的连接。 循环结构（Looping）在此处被视为一种抵抗线性时间压力的政治姿态。它不是回到起点，而是通过不断的微小变异，揭示出“变化中的不变”——一种关于存在本身的冥想。这种诗学追求的是“存在的声音”，而非“事件的描述”。 --- 第五部分：情境化、关系性与场域构建 (Contextualization, Relationality, and Field Construction) 本书的收束部分超越了单一作品的分析，转而关注视觉作品如何在特定“场域”内运作，以及其关系性叙事的力量。 我们探讨了“情境艺术”的理念——影像作品的意义在多大程度上是由其展示的空间（美术馆、公共场所、网络平台）及其与观众的物理互动所决定的。叙事不再是封闭的文本，而是开放的、依赖于现场条件的“事件”。 最后，本部分讨论了关系性美学的视觉转向。这涉及到如何利用影像来构建临时的、非固化的社群连接或对谈空间。作品的目标不再是传达一个固定的信息，而是催化一系列“在观看中发生的连接”。这些视觉实践构成了对当前社会、政治和技术环境的复杂、多声部的批判性回应，它们是正在进行中的对话，而非已完成的陈述。 总结而言，《光影的疆域》旨在提供一个分析工具集，用以理解当叙事从“讲述故事”转向“构建经验场域”时，视觉艺术如何成为我们重新认识时间、记忆、身体与物质世界的主要途径。

评分☆☆☆☆☆

看过这本的英文版和法文版了, Michael Rush 一直是我敬重的媒体艺术研究者, 写的好多书都成了经典 作为一个艺术史性的概要的书籍, 作者比较清晰地将科技革命以来的视频艺术的演进讲述出来.

评分☆☆☆☆☆

I have came in contact with video art through multiple venues during the past several years. At first, it didn't interest me at all because of its ‘lack of materiality’, or so I believed. However, as my experience with this genre increased, I have not onl...  

评分☆☆☆☆☆

看过这本的英文版和法文版了, Michael Rush 一直是我敬重的媒体艺术研究者, 写的好多书都成了经典 作为一个艺术史性的概要的书籍, 作者比较清晰地将科技革命以来的视频艺术的演进讲述出来.

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

看过这本的英文版和法文版了, Michael Rush 一直是我敬重的媒体艺术研究者, 写的好多书都成了经典 作为一个艺术史性的概要的书籍, 作者比较清晰地将科技革命以来的视频艺术的演进讲述出来.

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构逻辑存在着明显的断裂感，段落间的衔接显得生硬且跳跃。有时候，前一页还在深入探讨某个特定艺术家的早期创作意图，下一页突然就跳跃到了对整个艺术赞助体系的批判，两者之间的关联性需要读者耗费极大的心力去自行构建。这种叙事上的不连贯，让本就复杂的理论阐释雪上加霜。更让我感到不适应的是，书中对于“视觉愉悦”或“情感共鸣”的价值几乎持否定态度，似乎一切都必须服务于某种先验的批判目标。我渴望在阅读中找到一些可以激发我自身创作灵感的火花，或者至少是一些能够触动我感官的描述，但这本书提供的大多是理性的解剖刀，而非充满激情的引导。它成功地解构了影像，却也无意中抽离了影像的生命力。对于希望通过阅读获得艺术感召力的读者而言，这无疑是一种遗憾。

评分☆☆☆☆☆

我本以为这是一本可以帮助我理解如何欣赏和解读那些看似“无意义”或“反传统”的动态影像作品的实用指南。毕竟，“Video Art”这个标题听起来就带着一种面向实践的意味。然而，书中的论述方式更像是古典音乐评论的范本，充满了对“内在结构”的苛刻分析，却很少触及技术革新对艺术表达的解放作用。书中关于数字技术早期介入艺术创作的讨论浅尝辄止，对网络艺术或互动装置的探讨更是寥寥无几，这让我感到十分诧异，因为在我看来，这些正是当代影像艺术发展中至关重要的一环。整本书的基调显得有些怀旧，仿佛停留在上世纪八九十年代的学院派讨论中，对于进入新千年后影像媒介的爆炸式发展和观众参与度的提升，几乎没有给予足够的关注。读完后，我感觉自己像是被带回了一个非常特定、非常理论化的沙龙，而不是站在了当代艺术展览的现场。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧质量非常高，纸张手感厚实，印刷色彩精准，这无疑提升了阅读的物质体验。但内容上，它似乎陷入了一种对“时间性”和“空间性”进行无休止拆解的怪圈。作者似乎痴迷于将影像的每一个瞬间都进行哲学的解构，试图揭示其背后的权力结构与凝视问题。这种对细节的过度聚焦，导致整体叙事的推进显得极其缓慢。我期待读到的是关于早期磁带实验、录像装置的突破，或是特定艺术家的创作心路历程，但得到的更多是关于“观看”这一行为本身被异化的长篇论述。读到一半，我开始怀疑这本书是否真的涵盖了“视频艺术”这个广阔领域内足够多的实践案例。它更像是一部聚焦于特定时期、特定学派，并将其理论化到极致的专著，对于那些寻求更广泛的、跨文化、跨媒介实践的读者来说，信息量显得相对狭窄和偏颇。我合上书本时，脑海中浮现的不是那些令人震撼的影像画面，而是密密麻麻的脚注和引文。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的学术严谨性毋庸置疑，参考文献列表详实得令人敬佩，它无疑是某个特定阶段艺术理论研究的一个重要缩影。但从读者的角度来看，它过分强调了“批判性”和“疏离感”，以至于完全牺牲了可读性。书中充斥着大量的长难句，每一个句子都试图塞入多重从句和复杂的限定语，使得理解核心观点变成了一场持续的脑力竞赛。我不得不承认，我对其中约三分之一的内容仅仅停留在“看过”的层面，而未能真正“吸收”——不是因为我缺乏相关的艺术背景，而是因为作者的表达方式过于精英化和内向化。它似乎在向一个已经完全理解其理论体系的圈内人士讲话，而对于那些希望入门或寻求更广阔视野的普通求知者来说，这本书更像是一堵难以逾越的知识高墙，让人望而生畏，难以亲近。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的封面设计着实引人注目，那种强烈的视觉冲击力，让人一眼就能感受到其中蕴含的某种实验精神与对传统美学的挑战。然而，真正翻开书页，我发现内容似乎更偏向于对某种特定艺术流派的历史梳理和理论构建，而非我原先期待的那种直观、充满影像实验的案例展示。书中大量的篇幅被用来探讨媒介的本质、符号学的解读以及后结构主义思潮对图像生产的影响。对于一个希望快速了解“影像艺术”多样性与实践脉络的读者来说，这种深度挖掘虽然学术价值不俗，但阅读起来颇有些枯燥和晦涩。我尝试去理解作者试图建立的那个宏大理论框架，但总觉得它像是一座空中楼阁，与屏幕上那些鲜活、跳跃的、常常是反叙事的影像作品之间，隔着一层难以逾越的理论迷雾。它更像是一本为艺术史学者准备的教科书，而不是为初涉此领域的爱好者量身定制的导览图。我甚至花了相当时间去查阅那些反复出现的哲学名词，这无疑打断了阅读的流畅性，也让我对如何将这些理论应用于具体作品分析感到困惑。

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媒体艺术前史

评分☆☆☆☆☆

用来在youtube上按图索骥还好，写得真是太一般

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