具体描述
aRt&D: Research and Development in Art lays open a new investigative field of art that emerged in the last few decades as a result of media and technology influences. aRt&D introduces the diversity of this new art domain to a broader audience. It is the first book that is entirely dedicated to artistic research and development.
In the past decades a new international trend has emerged within the arts, usually referred to as 'electronic', 'digital', or 'interactive' art. In the 1980s, artists mainly worked with radio and video, where in the last fifteen years digital media and network technologies have emerged as their instruments of choice. This new art domain is characterized by collaboration between artists, designers, engineers and scientists, who join forces in researching and experimenting with new opportunities for using technology for artistic ends.
aRt&D: Research and Development in Art not only provides a unique insight in the art practice through essays in which artists write about their personal experiences, it also develops a theoretical framework for these projects. The book contains contributions by the award-winning performance group Blast Theory, media artist Thecla Schiphorst, art critics Josephine Bosma and Rudolf Frieling, media theorist Andy Cameron, curators Mark Hansen and Inke Arns, philosopher Andrew Benjamin, and many others. Timothy Druckrey, expert in this field, evaluates the importance of artistic research and development so far. aRt&D positions itself as a pioneering work: it is the first book ever published that focuses in depth on interdisciplinary research and development from an artistic perspective.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本书简直是令人耳目一新，它以一种近乎颠覆性的视角探讨了我们习以为常的那些艺术与设计现象。作者的笔触细腻而犀利，尤其是在剖析那些表面光鲜的当代艺术品背后的权力结构和市场运作时，展现出了惊人的洞察力。我印象最深的是其中关于“原创性”的章节，它没有陷入陈词滥调的赞美，反而将“原创性”拆解成一系列社会建构和资本推动的混合物，读完后，我看向那些博物馆里的标志性作品时，总会不自觉地多想一层——这真的是作者的灵光乍现，还是策展人精心布局的结果？书中引用了大量晦涩难懂的理论家观点，但令人称奇的是，作者总能用最平实的语言将这些复杂的思想阐释得清晰有力，没有丝毫晦涩感。它强迫读者跳出对“美学”的盲目崇拜，转而关注艺术在社会肌理中实际扮演的角色，是社会学、哲学与艺术史的一次精彩的交汇。这本书的阅读过程，与其说是在吸收知识，不如说是在进行一场精神上的“清扫”，把那些积灰已久的固有认知统统扫出门外。
评分坦白说，这本书的阅读体验更像是一场与作者的智力角力，它不是那种能让你轻松翻完的消遣读物，更像是一部需要反复咀嚼、时常停下来对着空气沉思的深度文本。我花了比预期长一倍的时间才读完第一部分，因为它不断地抛出挑战性的论点，迫使我必须对照自己的生活经验去检验这些理论框架是否站得住脚。特别是在探讨数字媒介如何重塑观众的感知边界时，作者搭建了一个极其精密的逻辑链条，从早期媒介理论一直追溯到最新的VR体验，论证逻辑严密到令人感到一丝寒意。它的语言风格偏向于学术论文的严谨，但又夹杂着一种近乎诗意的哲思，比如他对“观看行为”的定义，用了一种非常古典的修辞手法，对比之下，使得整本书在厚重的理论外壳下，依然保有某种艺术的温度。我感觉作者像是位高明的建筑师，他不是在描述一座已建成的建筑，而是在绘制蓝图，邀请读者一同参与到对未来“形式”的想象与批判之中。
评分这本书的排版和设计本身就透露出一种强烈的反叛意味，黑白分明的版式，偶尔出现的错位印刷效果，似乎都在无声地宣告着对传统出版美学的挑战。内容上，作者的叙事是高度碎片化和非线性的，这不是一本按时间顺序讲述发展史的教科书，而更像是一个艺术史的“侧写”，聚焦于那些被主流叙事遗漏的边缘人物和被忽视的瞬间。我特别欣赏作者处理“失败”和“停滞”时的态度，他没有将它们视为负面事件，反而认为这些停顿和断裂恰恰是创作者寻求突破的真正温床。书中对于某个特定时期（我记得是二十世纪中叶某个低潮期）的描述，简直是神来之笔，通过对少数几位无名艺术家的档案挖掘，揭示了集体沉默下个体精神的顽强生命力。读罢此书，我感觉自己对“成功”的定义也变得宽容了许多，它教会我们，真正的价值往往不在聚光灯下，而在那些被时间掩盖的角落里静静发酵。
评分我必须承认，这本书的门槛相当高，如果抱着寻找“如何画出漂亮风景画”的心态去翻阅，大概率会感到失望甚至被冒犯。它更像是给那些已经身处行业内部、对既有范式感到厌倦的专业人士准备的一剂强心针。作者的语气带着一种毫不妥协的批判精神，特别是对那些过度商业化、脱离了社会责任的艺术形式，给予了毫不留情的鞭挞。书中有一段关于“公共空间中的符号植入”的分析，直接联系到了我们城市里随处可见的那些大型装置艺术，让我瞬间对那些原本以为很“宏大”的作品产生了强烈的怀疑。这种将宏大叙事拉到微观个体经验层面进行解构的能力，是这本书最大的魅力所在。它不是在提供答案，而是在教导读者如何提出更尖锐、更有穿透力的疑问。读完后，我发现自己对身边任何形式的视觉信息都变得异常警觉，仿佛被赋予了一副新的透视眼镜，能看到信息背后潜藏的意图。
评分与其说这是一本关于“艺术与设计”的书，不如说它是一部关于“感知经济学”的深度报告。作者极其擅长运用跨学科的案例来佐证自己的观点，从早期的符号学研究，跳跃到神经科学对色彩的反应模型，再到后现代的解构主义哲学，所有看似不相干的领域，在作者的笔下被编织成一张天衣无缝的知识之网。这本书的结构是极其考验读者的，它没有传统意义上的章节划分，而是通过一系列主题性的“片段”来推进论点，每个片段都像是一个独立的微型论文，但整体又环环相扣，形成一个宏大的理论体系。我个人非常喜欢这种“拼图式”的阅读体验，它鼓励读者跳跃式思考，而不是被动接受线性的信息流。总而言之，这本书的价值不在于它总结了什么，而在于它如何彻底地打乱了我们对“创造力”和“审美”的传统认知框架，是一次思想上的彻底洗礼，推荐给所有不满足于现状的探索者。
评分很新颖的编排, 前两章和最后的论述非常有启发~ 惊诧荷兰的历史悠久的媒体艺术, 广泛的关注度, 与公众,建筑,设计等的深入接合
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