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出版者:上海文艺出版社

作者:上海文艺音像出版社

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页数:0

译者:

出版时间:2006-01-01

价格:49.00元

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isbn号码:9787888493889

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环球经典名曲导读14：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章 本书导读范围： 探讨自巴洛克鼎盛时期（约1685年）至浪漫主义晚期（约1900年）之间，西方古典音乐史上最具代表性的作曲家、曲式演变、风格特征及其核心作品的深度解析。重点关注巴赫、亨德尔、维瓦尔第、海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特、肖邦、李斯特、瓦格纳、勃拉姆斯等巨匠的艺术成就与历史地位。 第一部分：巴洛克的遗韵与巅峰（1685-1750） 本部分聚焦于音乐史上一个结构严谨、情感深邃的时代。巴洛克音乐以其精妙的复调技巧、强烈的装饰性以及清晰的织体结构而著称。我们将深入剖析这一时期音乐的灵魂所在——对位法和数字低音的运用。 1. 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫：对位艺术的集大成者 巴赫无疑是巴洛克音乐的最高峰。他不仅继承了前人的所有技艺，更将其推向了前所未有的复杂与精妙。 《平均律键盘曲集》的结构与哲学： 本部分将详细解读《平均律》（Well-Tempered Clavier）的前奏曲与赋格的结构逻辑。分析巴赫如何利用十二个大小调，展示了调性系统在实践中的无限可能性。重点解析赋格的呈示部、发展部中的模仿、倒影、增值与减值等技巧，揭示其数学般精确的美学。 协奏曲的宏大叙事： 以《勃兰登堡协奏曲》为例，探讨巴赫如何处理独奏乐器组（Concertino）与乐队（Ripieno）之间的对话与抗衡。分析其多乐章的结构安排，以及如何通过节奏的律动来构建宏大的音乐场景。 晚期神圣音乐的崇高： 探讨《马太受难曲》或《约翰受难曲》中，合唱与宣叙调的戏剧张力。解析“宣叙调”（Recitative）如何推动叙事，“咏叹调”（Aria）如何深化人物的宗教情感与哲学反思。 2. 格奥尔格·弗里德里希·亨德尔：歌剧的国王与清唱剧的巨匠 亨德尔代表了巴洛克音乐在公共领域和戏剧表现上的辉煌成就。 意大利歌剧的鼎盛与转型： 考察亨德尔在伦敦创作的意大利正歌剧（Opera Seria），分析“唱段-宣叙调-咏叹调”的标准结构。探讨其对“英雄咏叹调”（Heroic Aria）的塑造，以及如何通过华丽的声乐炫技来展现人物的尊严与冲突。 清唱剧的民族化： 重点分析《弥赛亚》（Messiah）。解析清唱剧（Oratorio）如何取代歌剧成为英国重要的音乐形式。深入研究著名的“哈利路亚”合唱，探讨其如何通过简单的动机（Motif）和强烈的节奏，营造出不可抗拒的宗教狂喜感。 3. 维瓦尔第与协奏曲的成熟： 对维瓦尔第《四季》的分析不再停留在描绘自然景象，而是深入研究其“快-慢-快”三乐章结构的范式化，以及对小提琴技巧的拓展如何影响了后世协奏曲的写作手法。 第二部分：古典主义的理性与平衡（1750-1820） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向追求清晰、平衡、结构清晰和旋律的自然流畅。这一时期是奏鸣曲式确立并达到巅峰的黄金时代。 1. 维也纳古典乐派的奠基人： 我们将区分海顿（Haydn）与莫扎特（Mozart）在确立古典主义风格中的不同贡献。 海顿：交响曲之父的幽默与结构实验： 分析海顿如何将四乐章交响曲的结构固定下来。重点研究其晚期“伦敦交响曲”中，在严谨的奏鸣曲式框架下，如何巧妙地运用“谐谑曲”（Scherzo，或快速的第三乐章）来注入诙谐的元素。探讨其对弦乐四重奏的贡献，如何使室内乐对话达到前所未有的平等与精妙。 莫扎特：旋律的天才与戏剧的融合： 考察莫扎特在协奏曲（尤其是钢琴协奏曲）中的成就。分析其如何将独奏乐器与乐队的关系处理得更为融洽，达到“对话的完美”。深入剖析歌剧，特别是《费加罗的婚礼》和《唐璜》，解析其如何通过音乐的色彩和织体变化，刻画出复杂多面的人物心理，超越了传统“好人唱咏叹调，坏人唱宣叙调”的刻板印象。 2. 路德维希·范·贝多芬：古典的终结与浪漫的序曲 贝多芬是连接两个时代的桥梁。他的作品保留了古典主义的结构，却注入了前所未有的个人意志、英雄主义和戏剧性冲突。 奏鸣曲式的革命： 分析《“热情”奏鸣曲》或《“月光”奏鸣曲》如何打破古典时期对呈示部和再现部的限制。重点研究发展部的长度、冲突的激烈程度，以及如何通过动机的不断变形来构建史诗般的叙事。 交响曲的“意志力”展现： 重点解析《第三号“英雄”交响曲》和《第五号“命运”交响曲》。探讨“命运”动机（短-短-短-长）如何在全曲中发展、转化并最终取得胜利的过程。解析其如何将交响曲从纯粹的娱乐提升到哲学宣言的高度。 晚期作品的沉思： 探讨贝多芬晚期弦乐四重奏中，对曲式结构的极度自由化处理，如对位法的回归与精神性的探索，预示了浪漫主义晚期的趋势。 第三部分：浪漫主义的抒情与狂想（1820-1900） 随着个人情感、民族主义和对超自然世界探索的兴起，音乐摆脱了对严格形式的依赖，转而追求情感的极致表达和音色的丰富性。 1. 德奥浪漫主义的歌唱性与内心世界： 弗朗茨·舒伯特：艺术歌曲（Lied）的典范： 舒伯特是“艺术歌曲之王”。本部分将聚焦于舒伯特的歌曲周期，如《冬之旅》或《美丽的磨坊少女》。分析钢琴伴奏如何在其中扮演“第二主角”的角色，如何通过和声色彩和特定的节奏型，描绘诗歌的场景和人物的内心独白（如水流、脚步声的象征意义）。 罗伯特·舒曼：钢琴诗人的絮语： 探讨舒曼如何通过标题性的小品集（如《童年情景》）来表达其丰富的文学想象力和内心矛盾。解析“再现性技巧”——即使用固定的音乐主题来代表小说或诗歌中的特定人物或情感（如弗洛雷斯坦与欧塞比乌斯）。 弗雷德里克·肖邦：波兰的灵魂与钢琴的极致： 肖邦是纯粹的钢琴诗人。分析他如何将民族舞曲（如玛祖卡、波兰舞曲）融入高度精致的音乐形式。重点分析其夜曲（Nocturne）的即兴性处理、自由的节奏（Tempo Rubato）的运用，以及如何通过和声的色彩变化来营造梦幻般的氛围。 2. 狂想曲与炫技的时代： 弗朗茨·李斯特：交响诗的开创与钢琴魔术师： 分析李斯特如何发明了“交响诗”（Symphonic Poem），一种单乐章、以文学或绘画为基础的管弦乐作品。探讨其“主题变形法”（Thematic Transformation）如何使音乐叙事具有内在的连贯性。同时，审视其为炫技而生的钢琴作品，如何极大地拓展了演奏的可能性。 3. 晚期浪漫主义的宏大与冲突： 理查德·瓦格纳：音乐戏剧的综合艺术： 瓦格纳的目标是创造“乐剧”（Gesamtkunstwerk）。我们将详细解析其“主导动机”（Leitmotif）系统，即如何用特定的音乐片段来代表人物、情感或概念，并在乐队中进行复杂的交织与发展，取代传统的咏叹调结构。 约翰内斯·勃拉姆斯：古典形式的浪漫主义继承者： 勃拉姆斯代表了对古典传统（尤其是贝多芬的严谨性）的坚守。分析他如何在坚持奏鸣曲式和奏鸣曲结构的同时，融入了丰富、厚重的和声语言和对位技巧，达到结构与情感的完美平衡。重点解析他的室内乐与四部交响曲中，那种深沉、内省的德奥精神。 总结与展望： 本书通过对不同时代、不同体裁作品的细致剖析，旨在提供一套清晰的音乐史脉络，使读者能够识别不同作曲家在和声、对位、曲式结构及情感表达上的独特印记，从而更好地理解西方音乐从理性秩序迈向个体情感表达的壮阔旅程。

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这本书最让我惊喜的地方在于，它提供了一种全新的、充满探索性的音乐鉴赏视角。我习惯于在听音乐时，仅仅关注旋律的起伏、和声的变化，以及情感的表达。而这本书却鼓励我“看见”音乐，去想象音乐背后的画面，去感受音乐所传递的意境。它用非常形象的比喻和生动的语言，引导读者去体会每一部作品的情感张力。例如，在讲述柴可夫斯基的《天鹅湖》时，作者没有简单地描述天鹅的优美，而是将音乐的情感变化与奥杰塔公主内心的挣扎、爱情的甜蜜与忧伤，甚至是对邪恶魔法的恐惧，巧妙地结合起来，让我仿佛置身于那个童话般的舞台，亲历着角色的喜怒哀乐。又如，在品味德彪西的《月光》时，作者描绘的画面更是如诗如画，仿佛真的能感受到月光洒在湖面上的粼粼波光，听到夜风拂过树梢的低语。这种“文学化”的音乐解读方式，对于像我这样，虽然热爱音乐，但缺乏专业乐理知识的读者来说，无疑是打开了一扇通往更深层音乐世界的大门。它让我意识到，音乐不仅仅是耳朵的享受，更是心灵的对话，是想象力的飞翔。

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这本书最打动我的，是它传递出的那种对音乐真挚而深沉的热爱，以及鼓励读者用心去感受音乐的态度。在阅读的过程中，我能感受到作者并非只是在陈述事实，而是在与我们分享他对这些伟大作品的感动和体悟。他用充满诗意的语言，描绘出音乐带给人的心灵震撼，以及那些旋律所能激发的无限想象。例如，在介绍舒伯特的《鳟鱼》时，作者不仅仅分析了旋律的轻快和跳跃，更描绘了在阳光下，小鱼在水中自由嬉戏的画面，以及那种纯真、快乐的心情。这种描绘，让我感觉自己仿佛也置身于那宁静的河边，感受到了音乐带来的纯粹的喜悦。又如，在品味巴赫的赋格曲时，作者并没有陷入枯燥的技术分析，而是将赋格的结构比喻为精密的建筑，层层递进，环环相扣，最终形成宏伟的艺术殿堂，让我感受到音乐中蕴含的理性之美和精神力量。这本书让我明白，欣赏音乐，最重要的不是懂多少理论，而是愿意敞开心扉去感受，去让音乐触动内心的柔软之处。它让我重新找回了对音乐最初的那份纯粹的喜爱。

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翻开这本书，最先吸引我的，并非那些耳熟能详的旋律，而是作者对音乐史背景细致入微的描绘。我一直对古典音乐情有独钟，但很多时候，仅仅停留在旋律的欣赏层面，对于其诞生的时代、社会背景、作曲家的人生经历，总感觉隔了一层纱。这本书恰恰填补了我的这一空白。它没有枯燥乏味的学术说教，而是用一种非常生动、故事化的语言，将那些伟大的音乐作品置于它们所处的历史语境中。比如，在介绍贝多芬的《命运交响曲》时，作者不仅仅分析了乐曲本身的结构和情感表达，更是深入探讨了那个时代欧洲动荡的政治局势，以及贝多芬本人与命运抗争的精神，这些信息让我在聆听这首乐曲时，脑海中不再只是抽象的音符，而是鲜活的人物和跌宕的时代画卷。再比如，莫扎特的音乐，常常被冠以“天才”的标签，但作者通过梳理他童年的成长经历，以及他所处的贵族社会与新兴市民阶层之间的微妙关系，让我看到了这位音乐神童背后，也有着不为人知的挣扎和对艺术的极致追求。这种“知其然，更知其所以然”的阅读体验，极大地提升了我对古典音乐的理解深度，也让我更加敬佩这些伟大的音乐家们。

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这本书的特别之处，在于它将音乐作品与更广泛的艺术形式和文化思潮联系起来，提供了一种跨领域的视角。我一直认为，伟大的艺术作品并非孤立存在，它们总是与同时代的其他艺术形式、哲学思想、社会变革相互影响、相互启迪。这本书恰恰深刻地展现了这一点。在介绍瓦格纳的歌剧时，作者不仅仅分析了音乐的磅礴气势，更是将其与当时欧洲浪漫主义思潮、神话传说、甚至哲学家的思想联系起来，让我看到一部歌剧背后所蕴含的深刻文化内涵。又如，在欣赏肖邦的钢琴作品时，书中还穿插了对波兰民族精神的描绘，以及当时欧洲浪漫主义文学的兴起，这些背景信息让肖邦的音乐不再仅仅是优美的旋律，更增添了深沉的家国情怀和民族的忧伤。这种将音乐置于更广阔的文化图景中进行解读的方式，让我对每一部作品都有了全新的认识，也极大地拓展了我对艺术的理解边界。我不再只是孤立地欣赏一首曲子，而是看到了它在整个艺术史和人类文明长河中所扮演的角色。

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对于我这样一个音乐“小白”来说，这本书的价值在于它化繁为简，将那些宏大而复杂的音乐理论，用一种极其易懂、有趣的方式呈现出来。我曾经因为对乐理一窍不通，而对一些深奥的乐曲望而却步，感觉自己与真正欣赏音乐之间隔着一道无形的墙。而这本书，就像是一位耐心的向导，一步步地带领我穿越这道墙。它不会强迫我去记忆那些晦涩的术语，而是通过列举大量经典作品中的具体例子，来解释音乐的构成元素。例如，在讲到“动机”时，作者并没有直接给出定义，而是以勃拉姆斯的《第五号交响曲》中那个著名的“命运的敲门声”为例，生动地展示了一个音乐动机是如何贯穿整部作品，并赋予其强大的生命力的。又如，在介绍“奏鸣曲式”时，书中将之比喻为一场精彩的戏剧，有“呈示部”的铺垫，有“展开部”的冲突，有“再现部”的解决，这种通俗易懂的比喻，让我瞬间就理解了其核心的逻辑。阅读这本书，感觉就像在参加一场生动有趣的音乐公开课，让我不再惧怕音乐，反而激起了我进一步探索的兴趣。

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