古画·临摹·实技 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:44

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出版时间:1999-12

价格:30.00元

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isbn号码:9787531423072

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• 绘画
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古画·临摹·实技：探寻中国古典绘画的精髓与传承 《古画·临摹·实技》并非一本仅限于枯燥理论的论述，而是一部深入中国古典绘画宝库，以实践为导向，引导读者亲手触摸历史脉络，领悟大师笔墨神韵的深度探索之作。本书致力于揭示中国古画之所以能够穿越千年，依旧散发着独特魅力的奥秘，并以“临摹”这一古老而有效的学习方式为切入点，回归绘画最本真的技法传承，最终抵达“实技”——即能够融会贯通、自成一家的高超境界。 本书的出发点，是对中国古典绘画的深切敬意与科学审视。我们深知，古画并非陈列在博物馆中的静态遗迹，它们蕴含着时代的精神、哲学思想、生活方式乃至于宇宙观。从龙门石窟的飞天壁画，到唐代阎立本的《步辇图》，再到宋代张择端的《清明上河图》，以及元代黄公望的《富春山居图》，每一幅作品都是一位技艺精湛的匠人、一位饱读诗书的文人、一位洞察世事的智者的心血结晶。然而，这些辉煌的成就，在时间的长河中，如何才得以被理解、被继承、被发扬？“临摹”，正是连接过去与现在，连接观者与创作者的桥梁。 本书并非简单地罗列名作，而是将临摹上升到一种系统性的学术训练与艺术体验。我们首先要打破一些关于临摹的误解。许多人认为临摹只是机械地复制，是对原作的“抄袭”。《古画·临摹·实技》将告诉您，真正的临摹，是一种“以古人为师”的求道过程。它要求临摹者不仅仅是“看”原作，更是要“读”原作，理解原作的构图逻辑、线条运用、色彩关系、皴法变化、笔墨韵味，乃至作者的情感寄托。本书将带领读者，从最基础的笔墨训练入手，如“十八描”等基础线条的掌握，到对不同时代、不同画派代表性作品的深入剖析，再到具体技法的拆解与重组。 本书的结构设计，充分考虑了学习者从入门到精通的循序渐进的过程。 第一部分：古画的审美维度与历史脉络。 在进入具体的技法训练之前，我们有必要对中国古画有一个宏观而深刻的认识。这一部分将梳理中国绘画史的发展脉络，从原始社会的岩画，到各个朝代的绘画高峰。我们不会进行铺天盖地的历史罗列，而是聚焦于那些具有里程碑意义的画作和画家，分析他们在各自时代所代表的审美风尚和艺术追求。例如，我们会探讨魏晋南北朝时期“以形写神”的早期探索，唐代绘画的雄浑壮丽与多元融合，宋代绘画的理性、细腻与意境深远，元代文人画的超脱与写意，以及明清时期程式化与个性化并存的复杂局面。理解了这些历史背景和审美特征，临摹者才能更有方向感，知道自己正在临摹的是怎样的“精神”。 第二部分：临摹的理论基石与实践要领。 这一部分是本书的核心，将详细阐述临摹的理论依据和具体方法。我们将深入探讨“形似”与“神似”的关系，临摹并非只求形似，更重要的是抓住原作的“神”，即作者的精神气质和艺术感染力。本书将引导读者认识到，临摹的最终目的是“化古为我”，而不是成为原作的“影子”。 笔墨的拆解与复原： 笔墨是中国画的灵魂。我们将从最基础的执笔、用墨、用色讲起，逐步分析古画中常见的线条变化，如游丝描、铁线描、钉头鼠尾描等的特点和表现力；对皴法的应用进行细致的讲解，例如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、马牙皴等，分析它们如何模拟山石的不同质感和形态；在用墨方面，我们会探讨浓、淡、干、湿、焦等墨法的变化，以及如何通过墨韵来表现空间和体积。 构图的智慧： 中国古画的构图往往蕴含着深刻的哲学思想，如“计白当黑”、“虚实相生”。我们将分析不同类型的构图，如散点透视、借景入画、移步换景等，并给出临摹时如何理解和把握原作构图的技巧。 色彩的奥秘： 古画的色彩运用，并非追求西画的写实，而是强调色彩的情感表达和象征意义。我们将分析不同时期、不同题材画作的设色特点，如青绿山水的浓烈，淡墨山水的雅致，以及人物画中的服饰色彩所传达的身份和情感。 章法的妙用： “章法”即画面的整体布局和安排。我们将通过对经典作品的分析，揭示古人是如何通过章法来达到气韵生动、意境无穷的效果的。 第三部分：分门别类的临摹实践指导。 这一部分将提供具体的操作指南，以不同类型的古画为蓝本，进行详细的临摹示范与指导。 山水画临摹： 从临摹董源、巨然的“平远法”，到范宽、李唐的“高远法”，再到郭熙、王希孟的“深远法”。我们将选取具有代表性的山水画作品，进行局部技法的拆解，如山石的皴法、树木的画法、云水的处理等，并提供不同风格的山水画临摹练习。 人物画临摹： 聚焦于线描为主的人物画，如顾恺之、阎立本、吴道子、陈洪绶等大师的作品。我们将深入研究人物的造型、衣纹的处理、神情的刻画，以及如何通过线条的变化来表现人物的身份、性格和情感。 花鸟画临摹： 涵盖写意花鸟与工笔花鸟。我们将分析不同花鸟画家的风格，如徐熙、黄筌的写生，宋徽宗的“骨法用笔”，文徵明的写意，以及八大山人的孤绝。重点讲解花、鸟、草、虫等不同对象的画法，以及如何通过笔墨的巧妙运用，表现生命的活力与自然的韵味。 第四部分：从临摹走向实技——融会贯通的升华。 临摹的最终目的，是为“写”而“临”。这一部分将引导读者如何将临摹所得转化为自己的创作能力。 “意临”的境界： “意临”并非随心所欲，而是在理解原作精神的基础上，进行有意识的变形与再创作。我们将分析如何从“形似”向“神似”过渡，如何提取原作的精髓，并将其融入到自己的构思中。 技法的活化： 临摹得来的技法，并非死记硬背，而是要在创作中活化。我们将讲解如何在不同的题材和构思中，灵活运用所学的笔墨、皴法、色彩，使其服务于自己的艺术表达。 个人风格的探索： 创作的最高境界是形成自己的风格。本书将鼓励读者在掌握了足够多的传统技法后，勇于尝试，结合自己的生活体验、审美情趣，逐渐形成独特的艺术语言。这需要不断地实践、思考、总结，甚至是对传统的挑战与突破。 《古画·临摹·实技》是一部充满诚意与实践性的指南。它不仅仅是知识的传授，更是一种艺术精神的传递。本书旨在帮助广大书画爱好者、美术院校学生、以及任何对中国古典绘画怀有热情的人们，找到一条切实可行的学习路径。通过对经典古画的深入临摹，读者将能够： 精进绘画技艺： 掌握中国画最核心的笔墨技巧，理解不同画种的造型特点和表现手法。 提升审美素养： 深刻理解中国古典艺术的审美标准和哲学内涵，培养对美的鉴赏能力。 传承文化基因： 亲身参与到中国传统文化的传承过程中，感受古人的智慧与情怀。 激发创作灵感： 在对经典的学习与转化中，找到属于自己的艺术表达方向。 本书的语言风格力求严谨而不失温度，专业而易于理解。我们避免使用过于晦涩的术语，而是通过大量的图例分析、步骤分解，以及对经典作品的感性解读，让读者能够轻松地进入中国古画的世界。我们深信，每一位热爱艺术的心灵，都能在这部《古画·临摹·实技》中，找到开启自己绘画之旅的金钥匙，并最终在继承传统的基础上，焕发出属于自己的艺术光彩。

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我是一位在海外学习现代艺术设计多年的学生，一直想将中国传统元素融入我的毕业设计中，但苦于对传统绘画的“范式”了解不足，总感觉自己的理解停留在表层符号的堆砌上。直到我接触到《古画·临摹·实技》，才发现原来艺术的传承绝非简单的复制，而是一种深刻的“在场”体验。这本书的论述角度非常新颖，它没有局限于单一的朝代或画种，而是横向对比了唐、宋、元、明不同时期在“用笔”上的核心差异。比如，它对比分析了唐代李思训的“金碧山水”与宋代米芾的“水墨不着笔痕”在创作心境上的分野，这种跨越时空的对话让我对中国绘画的演变脉络有了宏观的把握。更让我受益匪浅的是，它关于“临摹”的哲学探讨。作者强调，临摹不是简单的“描红”，而是通过手的复制，达到“心追手摹”的境界，甚至提出要“悟”古人所悟之“道”。这种将技法与哲学思辨相结合的写法，非常对我的胃口。它不再把古画视为僵死的文物，而是视为活生生的对话者。书中关于“残损与补全”的讨论，也让我学会了如何在现代设计中取舍与创新，理解了艺术的“不完美”也是一种美学表达。这本书对我而言，更像是一部艺术史的导读，而非单纯的绘画教材。

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这本《古画·临摹·实技》简直是为我这种对中国传统绘画心生向往，却又不知从何下手的“小白”量身定做的宝典。我之前尝试过几本所谓的入门书籍，但它们要么过于晦涩难懂，充斥着生僻的术语和玄之又玄的理论，读起来像在啃一本古代的哲学著作；要么就是简单粗暴地罗列步骤，缺乏对“神韵”的深入剖析，临摹出来的东西总觉得少了点精气神。而这本书的厉害之处就在于它的**“实战派”风格**。它没有一上来就要求你画出宋元大师的巅峰之作，而是非常耐心地从最基础的笔法——比如勾线、皴法、点苔的力度和角度——讲起，每一步都有高清的图例对比，甚至细致到笔尖蘸墨的深浅程度都能找到对应的讲解。我尤其欣赏它对“气韵生动”的拆解，不再是空洞的口号，而是通过对古画中线条抑扬顿挫的分析，让你明白为什么同样是画一棵树，古人能画出生命力，而我只能画出植物的骨架。读完关于“墨分五色”的那一章节，我才真正理解了“焦、浓、重、淡、清”在不同层次上的运用，这对于我后来尝试临摹《富春山居图》局部时，在表现山石的层次感上起到了决定性的作用。这本书没有急于求成，而是循序渐进地打磨你的基本功，让你在模仿中理解创造，这才是学习传统艺术的正确路径。

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我是一个退休后开始学习书画的老先生，比起年轻人对新潮技法的追求，我更看重传统的“规矩”和“法度”。我特别看重这本书在“结构”和“章法”上的论述。许多临摹指南只教你如何把单个元素画好，比如一枝竹子、一块石头，但当你试图把它们组织成一幅完整的山水画时，往往会发现布局散乱、主次不分。这本书的第三部分几乎完全致力于“整体构建”。它引入了“虚实相生”在空间布局中的应用，通过对历代名作留白的处理方式的分类讲解，让我理解了“计白当黑”并非只是一个简单的技巧，而是一种经营画面的思维方式。作者还详细讲解了“S”形结构和“Z”形结构的运用，这些都是传统构图的精髓。通过对这些章法布局的系统学习，我开始学会给自己画的作品设立一个明确的视觉焦点，并将辅助元素巧妙地引导到焦点周围，使画面有了呼吸感和流动性。这本书真正教我如何从“画物件”升级到“造境界”，这种对宏观结构的强调，对于巩固传统绘画的根基至关重要。

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说实话，市面上大部分的“实技”书籍都给人一种“纸上谈兵”的感觉，图是印得挺漂亮，但拿到画板前却束手无策。这本《古画·临摹·实技》则展现出一种近乎工匠般的严谨和对工具的尊重。我最感兴趣的部分是它对“笔墨载体”的深入解析。它不仅仅告诉你该用什么笔，而是详细分析了不同毫毛（狼毫、兼毫、羊毫）在吸墨量、弹性恢复和出锋尖锐度上的差异，并据此推荐在临摹界画、树干或人物衣纹时应如何选择。这种细致入微的讨论，体现了作者深厚的实践经验。例如，在讲解“点染”技巧时，书中插图展示了同一张纸上，因铺纸湿度不同而产生的晕染效果，并配有文字解释这种变化对画面气氛的影响。这种对材料特性的把握，是任何理论书籍都无法替代的。我按照书中的建议，调整了自己磨墨的习惯和对宣纸“润墨”的处理，效果立竿见影。我的画作不再是平板的墨迹堆砌，而是有了湿润感和空气感。这本书的价值在于，它让你像一个真正的作坊学徒一样，去尊重和理解你手中的每一支毛笔和每一张纸。

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我对古代的工笔重彩画特别着迷，但市面上关于工笔的资料往往过于侧重于“上色”的步骤，对底层“白描”的要求却语焉不详。这本《古画·临摹·实技》在白描部分的处理上，展现了令人惊叹的深度和广度。作者并非将白描视为“上色的前奏”，而是将其本身视为一种独立的、极具表现力的艺术形式。书中对线条的“骨力”进行了详尽的阐述，尤其是在临摹人物和花鸟时，对“铁线描”、“兰叶描”等不同线条的力度控制，提供了非常详尽的图解示范。我过去总是在勾线时犹豫不决，怕下笔太重，又怕太轻而无力，导致线条软弱无骨。这本书通过对古人勾勒瞬间速度和压力变化的分析，帮助我找到了那种一气呵成的自信。此外，它还涉及了古代颜料的制作与使用，比如石青、石绿的研磨、浸泡和调和，这对于想深入研究“青绿山水”的爱好者来说，是极其宝贵的资料。它让我明白，真正的“重彩”，是建立在扎实且富有生命力的线条基础之上的，色彩只是线条的升华，而非掩盖。

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我觉得这套书最好了,临摹技术到家,讲得还好,最主要是有大线描.更主要的一点,一板一眼临摹古画的书,尤其工笔人物实在太少.

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