工笔画线描人物画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津杨柳青画社

作者:温书强

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2006-6

价格:12.00元

装帧:

isbn号码:9787807380597

丛书系列:

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《工笔画线描人物画谱》—— 笔墨之间，勾勒神韵 引言 在中国传统绘画的浩瀚星河中，工笔画以其精谨的笔法、细腻的色彩和写实的风格，独树一帜，承载着深厚的文化底蕴与审美追求。而在线描人物画这一领域，更是将工笔画的严谨精神与人物的生命张力完美融合，达到了一种极高的艺术境界。本书《工笔画线描人物画谱》，正是为有志于深入探索和掌握工笔画人物线描艺术的读者而精心编撰。它并非简单罗列图谱，而是希望通过系统性的讲解与示范，引导读者领略线描人物画的精髓，掌握其创作要领，进而挥洒自如，创作出属于自己的传神之作。 第一章：工笔画线描人物的艺术魅力与传承 在正式进入技法学习之前，我们有必要深入理解工笔画线描人物画的独特魅力及其在中国美术史上的重要地位。 线条的生命力： 线条是中国画的灵魂。在工笔画人物画中，线条的运用尤为关键。它不仅仅是轮廓的勾勒，更是人物情感、动态、神韵的直接载体。一根细微的弧线，可以勾勒出人物温柔的眼神；一道有力的顿笔，可以表现出人物刚毅的骨骼。本书将深入剖析不同线条的质感、力度与表现力，引导读者学会“以线传神”。 写实与写意的情感交织： 工笔画强调“形似”，但优秀的工笔画人物画绝非照片式的复刻，而是在逼真的造型基础上，融入创作者的情感与理解，达到“神似”的境界。线描作为工笔画的基础，更是对这种写实与写意情感交织的直接体现。我们将探讨如何在严谨的结构中注入人物的内在情绪，如何通过线条的变化传递 subtle 的情感信息。 历史的印记与现代的创新： 从古代壁画、人物画卷到近现代名家之作，工笔画线描人物画有着悠久的传承。我们将在本书中回顾这一艺术形式的发展脉络，学习前人的宝贵经验，同时也会探讨如何在继承传统的基础上，融入现代审美观念和表现手法，为古老的艺术注入新的活力。 学习的价值与意义： 学习工笔画线描人物画，不仅是掌握一项绘画技能，更是对中华传统文化的传承与弘扬，是对个体审美情趣的陶冶，是对观察力、表现力和创造力的全面提升。它能帮助我们更深入地理解人物的形态与神韵，从而在绘画创作中获得更大的自由与乐趣。 第二章：工笔画线描人物的基础技法——笔墨的修炼 万丈高楼平地起，精湛的线描技艺离不开扎实的基础训练。本章将聚焦于工笔画线描人物最核心的笔墨功夫。 执笔与运腕： 笔法是线条的灵魂，而执笔与运腕是笔法的关键。我们将详细讲解正确的执笔姿势，包括“指实掌虚”的原则，以及如何通过腕部的灵活转动来控制线条的走向、粗细和力度。通过反复练习，让读者养成稳定、流畅、富有表现力的运笔习惯。 基本线条的训练： 直线与曲线： 练习不同角度、不同长度的直线，要求线条挺拔、干净利落；练习各种形态的曲线，要求圆润、流畅、富有弹性和韵律。 粗细与虚实： 探索如何通过调整笔触的轻重、墨色的浓淡来表现线条的粗细变化，以及如何通过行笔的速度和压力来控制线条的虚实（如飞白、积墨等），赋予线条以生命感。 顿挫与转折： 学习如何在线条的转折处运用顿笔、提笔等技巧，使线条更具力量感和立体感。例如，表现衣物的褶皱、骨骼的转折等。 勾勒、皴擦、点染的融合： 虽然本书重点在于线描，但理解勾勒、皴擦、点染这些基础工笔技法与线描的关系至关重要。勾勒是轮廓的塑造，皴擦是体积和质感的表现，点染则用于丰富细节。本章将初步探讨如何将这些技法融入线描的训练中，为后续的深入学习打下基础。 墨色的运用： 即使是单纯的线描，墨色也并非只有一种“黑”。本章将讲解不同浓度、不同饱和度的墨色如何影响线条的表现力，以及如何通过墨色的变化来营造画面的层次感和空间感。例如，用淡墨勾勒背景，用浓墨勾勒主体人物。 临摹的智慧： 临摹是学习传统技法最有效的方式之一。本章将指导读者如何进行有效的临摹，从哪些经典作品入手，如何抓住原作的精髓，如何分析线条的运用，以及如何在临摹中加入自己的思考与体会。 第三章：人体结构的深入解析与表现 人物画的根基在于对人体结构的精准把握。本章将从解剖学的角度出发，结合艺术表现，详细解析人体骨骼、肌肉的形态，以及如何在线描中将其准确而艺术地表现出来。 人体骨骼结构： 头部的结构： 颅骨、五官的比例与位置关系，不同角度下的头部形态变化。 躯干的结构： 胸廓、脊柱、盆骨的形态与连接，躯干的动态与平衡。 四肢的结构： 肩关节、肘关节、腕关节、髋关节、膝关节、踝关节的运动范围与运动规律，手部和脚部的精细结构。 重点与难点： 针对人体比例、透视关系、骨骼在不同姿态下的变形等学习重点和难点进行逐一剖析。 人体肌肉形态与运动： 主要肌群的形态： 讲解主要的肌肉群（如胸肌、腹肌、背肌、大腿肌、小腿肌等）的起止点、形态特征。 肌肉的运动与张力： 分析肌肉在不同运动状态下的收缩、舒张变化，以及如何通过肌肉的起伏来表现人物的动态、力量和情感。 体表的骨骼与肌肉的暗示： 学习如何通过外在的轮廓和阴影来暗示内在的骨骼和肌肉结构，做到“形随骨转，形随肉起”。 不同年龄、性别、体型的差异表现： 儿童与成人： 讲解儿童与成人身体比例、骨骼发育、肌肉形态的显著差异。 男性与女性： 分析男女身体在骨骼构造、肌肉发达程度、体型曲线上的区别，以及如何在绘画中加以体现。 不同体型： 胖瘦、高矮等体型差异的表现技巧，如何通过线条来塑造不同的身体轮廓。 动态的捕捉与表现： 人体姿态的分类： 站、坐、行、卧、跑、跳等基本姿态的分解与组合。 动态的规律与透视： 讲解人体在运动和变化中的透视规律，以及如何运用线条来表现身体的扭转、伸展、收缩等动态。 情绪与动态的关联： 分析不同的情绪如何影响身体的姿态，以及如何通过动态的描绘来传递人物的情感。 第四章：人物五官的精微刻画 眼睛是心灵的窗户，五官的生动描绘是人物画传神的关键。本章将聚焦于对人物五官的精细刻画，让笔下的角色拥有灵魂。 眼睛的塑造： 眼球的结构与比例： 讲解眼球的球状结构，眼睑的层次，瞳孔、虹膜、巩膜的描绘。 眼神的传达： 通过眉、眼、睫毛的配合，描绘喜、怒、哀、乐、惊、疑等不同眼神。 光影在眼睛中的运用： 如何通过点睛之笔来表现眼神的灵动与神采。 眉毛的形态与情感： 眉毛的走向与类型： 柳叶眉、剑眉、八字眉等不同眉形。 眉毛的运动： 讲解眉毛在表达情感时的细微变化，如上挑、下压、舒展等。 眉毛的毛发感： 如何用简洁的线条表现眉毛的质感和方向。 鼻子的结构与鼻梁的立体感： 鼻子的基本结构： 鼻骨、鼻梁、鼻尖、鼻翼、鼻孔的比例与形态。 鼻子的立体表现： 如何通过线条的明暗对比来塑造鼻子的立体感。 不同鼻形的描绘： 高鼻梁、塌鼻梁、鹰钩鼻等。 嘴唇的形态与表情： 嘴唇的结构与厚薄： 上唇、下唇的比例，嘴角的位置。 唇部表情的描绘： 微笑、沉思、说话、呐喊等不同表情的唇部变化。 嘴唇的丰满感： 如何用流畅的线条勾勒出嘴唇的饱满与湿润感。 耳朵的描绘： 耳朵的结构： 廓、耳轮、耳垂等部位。 不同角度下的耳朵： 如何在不同姿态下准确描绘耳朵。 耳朵的细节： 偶尔露出的耳饰或耳垂的刻画。 发型与发丝的描绘： 发型的整体造型： 盘发、披发、短发等不同发型的整体轮廓。 发丝的质感与走向： 如何用流畅的线条表现发丝的光泽、轻盈和方向感。 不同发质的表现： 卷发、直发、粗发、细发的区别。 第五章：衣纹的表现与服饰的描绘 衣纹是人物画的重要组成部分，它不仅能反映人物的体态，更能增强画面的空间感和艺术感染力。服饰的细节描绘更是彰显人物身份、性格和时代背景的重要手段。 衣纹的基本原理： 衣纹的来源： 讲解衣纹是由于人体结构、肢体运动、衣物自身的材质、重力以及外力（如风吹）等因素造成的。 衣纹与人体结构的相互关系： 衣纹如何顺应人体结构，表现身体的起伏、转折。 衣纹的疏密、虚实、强弱： 学习如何根据不同部位、不同状态来处理衣纹的疏密、虚实和力度。 不同材质衣物的表现： 丝绸的柔滑： 用流畅、富有弹性的线条表现丝绸的飘逸与垂坠感。 棉麻的粗糙： 用带有顿挫、粗糙感的线条表现棉麻的质感。 毛发的厚重： 用堆叠、厚实的线条表现毛发的体积感。 皮革的坚韧： 用硬朗、简洁的线条表现皮革的质感。 常见衣纹的技法： 褶皱的描绘： 学习如何描绘自然、生动的褶皱，包括深褶、浅褶、荷叶边等。 衣物的垂坠感： 如何通过线条的表现来营造衣物的重量感和空间感。 衣纹的虚实处理： 在衣纹的描绘中，适当的虚化可以增强画面的空气感和层次感。 服饰的细节描绘： 领、袖、襟、摆的形态： 准确描绘不同款式的领口、袖口、衣襟和下摆。 装饰物的描绘： 如纽扣、绣花、佩饰、腰带等，用精细的线条表现其质感和工艺。 纹样的绘制： 学习如何根据服饰风格绘制合适的纹样，如龙纹、凤纹、花草纹等。 古代服饰与现代服饰的区别： 了解不同历史时期服饰的特点，及其在线描中的表现差异。 第六章：构图与场景的营造 优秀的构图是画面的骨架，它能够引导观众的视线，突出主题，并营造出特定的氛围。本章将探讨工笔画线描人物画的构图原则和场景营造技巧。 构图的基本原则： 黄金分割与对称： 讲解如何运用黄金分割点、黄金分割线来安排人物主体，以及对称构图在特定场景下的应用。 疏密与虚实： 如何通过画面元素的疏密安排，营造画面的节奏感和呼吸感。 主次分明： 如何突出主体人物，避免画面杂乱。 平衡与稳定： 确保画面的视觉重心稳定，给人以和谐之感。 人物的动态构图： 单个人物构图： 如何表现人物的静态美和动态美。 多人组合构图： 讲解多人之间的呼应、顾盼、互动关系，以及如何安排人物的远近、大小。 场景的营造： 环境与人物的关系： 室内、室外，自然风光、建筑景物等，如何通过背景的描绘来烘托人物。 氛围的烘托： 如通过树木、花草、云雾、水波等元素的描绘，来营造宁静、祥和、萧瑟、欢快等不同氛围。 景物的简化与提炼： 在线描人物画中，背景的描绘应以衬托人物为主，避免过于繁琐。学习如何进行景物的简化与提炼。 透视在构图中的运用： 一点透视、两点透视： 讲解基础的透视原理，如何在画面中运用透视来表现空间感。 仰视、俯视、平视： 不同视角的构图变化，及其对画面情感的影响。 留白与画眼： 讲解留白的艺术处理，以及如何在画面中设置“画眼”，吸引观众的目光。 第七章：创作实践与风格探索 理论学习最终要落实到实践。本章将指导读者将所学技法应用于创作，并鼓励读者探索属于自己的艺术风格。 创作的选题与构思： 从生活出发： 观察生活中的人物，捕捉动人的瞬间。 从历史文化中汲取灵感： 借鉴古典文学、历史故事、神话传说等。 从内心出发： 表达个人情感、思想和对世界的认知。 起稿与打磨： 草图的绘制： 构图、人物动态、比例关系的初步确定。 细化稿的绘制： 对人物五官、服饰、细节进行细致描绘。 修改与完善： 在创作过程中不断审视、修改，直至满意。 技法的熟练运用： 线条的反复锤炼： 在创作中不断巩固和提升线条的表现力。 墨色的灵活运用： 尝试运用不同的墨色组合来丰富画面。 对衣纹和细节的深入刻画： 做到精益求精。 风格的形成与发展： 博采众长： 学习不同大师的优点，但要避免照搬。 强化个性： 找到自己最擅长、最喜欢的表现方式。 勇于尝试： 不断尝试新的技法、新的题材，形成独特的艺术语言。 作品的赏析与自我评价： 理解优秀作品的特质： 通过分析他人的作品，反思自己的创作。 客观评价自己的作品： 找出优点与不足，为下次创作积累经验。 结语 《工笔画线描人物画谱》的完成，是理论与实践的交汇，是传承与创新的融合。希望本书能够成为您在工笔画线描人物艺术道路上的一盏明灯，为您指引方向，提供助力。绘画是一场永无止境的修行，愿您在笔墨的世界里，不断探索，不断超越，最终画出心中最美的风景，最动人的人物。

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坦白讲，市面上的线描画谱，很多不过是印刷精美的“填色书”，缺乏作者的个人思考和技法总结。然而，这本《工笔画线描人物画谱》给我的感觉更像是一本“技法笔记”的公开分享。在每组范例的旁边，作者总会附带一些非常精炼的批注，这些批注往往是点睛之笔，直指核心问题。例如，在处理人物的面部表情时，它强调了“神态”高于“五官的精确堆砌”，指出如何通过眉毛的微小上扬或嘴角的一点弧度，来赋予人物瞬间的生命力。这些经验之谈，远比冷冰冰的步骤图更有价值。而且，全书在处理线稿的“清晰度”与“氛围感”之间找到了一个绝佳的平衡点，它既保留了工笔画对细节的苛求，又避免了线条过于僵硬板结的问题。这本画谱的价值在于，它教会的不仅是如何画得像，更是如何画得有“味道”和“立场”，对于追求个人风格的进阶学习者来说，无疑是一份值得反复研读的宝藏。

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我作为一个长期致力于传统绘画的爱好者，对于各种技法书籍的筛选标准相当苛刻，很多市售画谱在内容上总是浮于表面，或者过于偏重某一特定朝代的风格，缺乏普适性和技法拆解的深度。然而，这本《工笔画线描人物画谱》的价值在于它提供了一种“结构化”的学习路径。它没有将“工笔”仅仅局限于色彩的敷染，而是将重点前置到了“线描”的根基上，这正是我所期盼的。它似乎更倾向于探讨“造型的准确性”和“线条的语言性”这两个核心命题。例如，书中对于“五官”的刻画部分，不仅仅是教你画出眼睛的形状，更是细致地分析了眼窝的凹陷、眼睑的起伏以及瞳孔周围的结构关系，用的是一种近乎解剖学的严谨态度去描绘艺术形象。这种将科学观察融入艺术表达的做法，极大地拓宽了我的绘画思维，让我明白，精准的线条来源于对客观世界的深刻洞察。我感觉自己不再是单纯的“描摹”，而是在用线条“书写”人物的内在形态，这是一种质的飞跃。

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从艺术教育的角度来看，这本书的编排逻辑无疑是经过深思熟虑的。它并非零散地堆砌图例，而是构建了一个从“点、线、面”到“局部”再到“整体”的清晰递进体系。开篇的“基本笔法训练”部分，虽然看似枯燥，却是功力的基石。作者用极其克制的笔墨，展示了“平、圆、留、别”等基础笔法的细微差别及其在人物不同部位（如发丝、胡须、衣料）上的应用效果。这迫使我放慢速度，重新审视自己以往习以为常的运笔习惯。通过大量的重复练习，我开始体会到线条的“力度”与“情感”是如何通过指尖传导到笔尖的。此外，书中对“虚实”的处理也颇有见地，它指导读者如何在工笔的精细要求下，依然保持画面的呼吸感，哪些地方需要收紧，哪些地方可以放开，这种分寸感的把握，正是区分匠气与灵气的重要标准，对我的审美提升起到了潜移默化的作用。

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这本画谱的装帧设计着实令人眼前一亮，封面那深邃的墨色与烫金的纹样相互映衬，透着一股古典的韵味。初拿到手里，就能感觉到纸张的厚实与细腻，触感温润，完全不同于市面上那些略显粗糙的印刷品。迫不及待地翻开内页，首先映入眼帘的是那排版布局，疏密有致，留白恰到好处，使得每一幅范例都能独立呼吸，不显得拥挤。尤其欣赏的是它对“起稿”这一环节的处理，图文并茂地展示了从草稿到精勾的每一步推敲过程，而非仅仅呈现最终的成品。对于初学者而言，这种循序渐进的引导至关重要，它清晰地揭示了大师们是如何将心中的意象转化为精准的线条的。特别是对于人物的动态捕捉，作者似乎对人体结构有着深刻的理解，即便是最复杂的扭转和遮挡，都能通过简练的几笔线条勾勒出内在的骨骼感和外在的张力，这种对“骨法用笔”的实践应用，比空泛的理论说教要来得实在得多。我已经在尝试临摹其中几例衣褶的处理，发现它对线条的粗细变化和提按顿挫的把控有着明确的示范作用，对于提升个人线条的“生命力”很有帮助。

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这本书的选材角度非常新颖，它没有陷入传统仕女图或佛像的窠臼，而是挑选了一些更具生活气息和时代特征的人物形象作为范例。从古装剧照中走出的侠客英姿，到市井生活中劳作的场景，这些题材的跨度使得读者在学习基础技巧的同时，也能接触到不同情境下人体姿态的处理方法。更值得称赞的是，作者在解析某些高难度动作时，例如“持物”或“动态平衡”的瞬间，提供了多角度的透视参考图，这对我们自学成材的人来说，简直是宝贵的资源。我过去常常在处理双手和复杂动态交叉的部位时感到力不从心，而这本书的拆解图，如同一个耐心的高手导师，一点点地指导我如何“分解”和“重构”这些视觉难题。特别是在手臂转折处的线条处理上，它强调了肌肉群的体积感，而非平面化的轮廓勾勒，这一点在其他同类书籍中是很少见的，极大地提升了线条的表现张力。

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书籍图文结合，粗略描绘仕女画绘制步骤，一律分五部分，勾线上色晕染细致描画，其中没有说明的机关实在难为了我这类门外汉，但是罗列的各类仕女画成品很是养眼，尤其为衬出仕女曼妙的身材线条，或应腰间系带紧勒线条，或用内敛飘拂的罗群，线条劲放生动，繁简有致。还有云鬟雾鬓，在平面青丝整齐排列中有疏紧变化，以称立体感，足见中西技法结合的奥妙。

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