古佛画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋

作者:黄泽

出品人:

页数:161

译者:

出版时间:2007-11

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787500310020

丛书系列:

图书标签:

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《古佛画谱》简介 《古佛画谱》是一部旨在系统梳理、解读与传承中国古代佛教绘画艺术的画谱。本书并非对某一特定时期、某一特定画派或某一特定佛陀造像的简单收录，而是力图从宏观与微观相结合的角度，展现中国佛教绘画数千年来的发展脉络、艺术风格演变、造像仪轨与图像学内涵，为研究者、艺术家、艺术爱好者提供一个全面而深入的参考。 本书的出发点，在于认识到佛教传入中国后，如何与本土文化艺术深度融合，并最终孕育出独具东方魅力的佛教绘画体系。这种融合既体现在图像元素的吸收与本土化改造，也体现在创作技法的演变与地域风格的形成。从最早期的石窟壁画，到历代寺院彩绘、绢本、纸本佛像，再到民间佛像绘制，每一个阶段都留下了宝贵的艺术遗产。《古佛画谱》将对这些遗产进行细致的梳理与分析。 第一部分：佛教绘画的起源与早期发展（汉魏至南北朝） 此部分将追溯佛教艺术传入中国的源头，重点介绍早期石窟艺术的勃兴。敦煌莫高窟、龙门石窟、云冈石窟等是中国佛教绘画的摇篮，本书将选取其中具有代表性的壁画实例，分析其早期佛教图像的特征，如西域风格的明显影响、简练的线条、古朴的色彩等。同时，也将探讨佛教教义如何初步融入图像叙事，以及佛教绘画在传播佛法中的初步作用。这一时期的佛教绘画，虽然在技法上可能相对粗犷，但在精神表达和图像的象征意义上，已为后世奠定了基础。我们将重点关注图像的叙事性，例如“本生故事”、“佛传故事”的早期表现形式，以及早期佛陀、菩萨形象的定型过程。 第二部分：佛教绘画的成熟与高峰（隋唐五代） 隋唐时期是中国历史上国力强盛、文化繁荣的时代，佛教艺术也随之进入鼎盛。这一时期，佛教绘画在技法、构图、色彩、人物造型等方面都达到了极高的水准。本书将深入探讨此时期佛教绘画的艺术特色，如庄重典雅的风格、精湛的线条勾勒、丰富鲜艳的色彩运用、写实与浪漫主义相结合的人物塑造等。我们将重点分析唐代壁画艺术的辉煌，特别是敦煌莫高窟唐代壁画的艺术成就，包括其精美的细节描绘、复杂而有序的构图、以及佛教题材的丰富性。同时，也会关注唐代绢本、纸本佛画的发展，例如吴道子、阎立本等名家对佛教绘画的贡献，以及密宗图像在这一时期的兴起与传播。我们将深入剖析不同时期、不同地域（如长安、洛阳、敦煌）的绘画风格差异，以及贵族、寺院 patronage 对佛教绘画发展的影响。 第三部分：佛教绘画的地域化与多样化（宋辽金元） 宋代是中国艺术的又一高峰，佛教绘画在继承唐代传统的基础上，更加注重写实性、文人化与世俗化的融合。本书将分析宋代佛教绘画的艺术特点，例如对人物心理的细腻刻画、山水背景的引入、以及更加生活化的场景表现。我们还将探讨宋代佛教绘画在题材上的拓展，如罗汉画、水陆画等的兴盛。 进入辽、金、元时期，佛教绘画呈现出更加鲜明的地域特色和民族融合的特点。辽代佛教绘画受唐代影响，并融入了契丹民族的艺术元素。金代佛教绘画则在宋代基础上，逐渐显露出独特的风格。元代，随着藏传佛教的兴盛，密宗图像在汉地得到更广泛的传播，同时也出现了汉传佛教与藏传佛教绘画风格的融合。本书将对这些时期的佛教绘画进行详细的比较研究，分析其各自的艺术成就和文化背景。例如，我们将关注宋代院体画风格对佛教绘画的影响，以及文人画思潮在佛教绘画中的体现。对于辽、金、元时期的绘画，我们将重点梳理其与游牧民族文化、藏传佛教的互动，分析其图像的象征意义和艺术语言的创新。 第四部分：佛教绘画的仪轨与图像学解析 除了艺术风格的梳理，《古佛画谱》还将特别注重佛教绘画的“仪轨”与“图像学”内涵。佛教绘画并非单纯的艺术创作，而是承载着深刻的宗教教义与修行法门。本书将深入解析不同佛陀、菩萨、罗汉、护法神等形象的绘制规范与象征意义。 造像仪轨： 许多佛陀、菩萨的形象并非随意创作，而是遵循着严格的仪轨，如“三十二相八十随形好”、“六度”、“四十二手眼”等。本书将选取代表性的图像，详细解释其在仪轨上的依据，如佛陀的面相、发髻、衣饰、手印、坐姿、所持法器等，都具有特定的象征意义。我们将结合相关的佛教经典，阐释这些图像背后所蕴含的教义，帮助读者理解绘画与宗教信仰之间的紧密联系。 图像学解析： 佛教图像是理解佛教教义的重要途径。本书将对常见的佛教图像进行深入的图像学解析，例如： 佛陀图像： 释迦牟尼佛、阿弥陀佛、药师佛、弥勒佛等主要佛陀的辨识要点，及其在不同造像中的含义。 菩萨图像： 观音菩萨（不同化身）、文殊菩萨、普贤菩萨、地藏菩萨等主要菩萨的身份、象征、以及其在佛教体系中的地位。 罗汉图像： 十六罗汉、十八罗汉、五百罗汉等，及其背后所代表的修行境界与故事。 护法神图像： 密迹金刚、韦陀菩萨、四大天王等，以及其在佛教寺院中的位置与职能。 经变画： 如《维摩诘经变》、《法华经变》、《阿弥陀经变》等，分析其叙事结构、人物布局、以及所要传达的佛法思想。 我们将力图通过严谨的图像学分析，揭示中国古代佛教绘画中蕴含的丰富信息，不仅是艺术欣赏，更是对佛教智慧的理解。 第五部分：佛教绘画的技法与材料 本书还将对中国古代佛教绘画的技法与材料进行系统性的介绍。 绘画材料： 早期使用矿物颜料、植物颜料，如石青、石绿、朱砂、赭石、藤黄、墨等。介绍了不同颜料的特性、调色方法以及在壁画、彩绘中的应用。 绘画技法： 包括线条勾勒（如游丝描、铁线描）、晕染（如墨晕、色晕）、设色（如青绿设色、金碧设色、淡彩）、沥粉、贴金等技法。我们将通过实例分析，展示这些技法的运用效果。 构图布局： 分析不同题材绘画的构图原则，如疏密有致、主次分明、虚实结合等，以及如何通过构图来表现佛教的庄严、神秘与和谐。 结语：传承与创新 《古佛画谱》的最后，将对中国古代佛教绘画的价值进行总结，并探讨其在当代艺术创作中的意义与启示。佛教绘画作为中华文明的重要组成部分，不仅具有极高的艺术价值，更承载着深厚的文化底蕴与精神内涵。本书希望通过对历史的回顾与对经典的解读，能够激发当代艺术家对佛教绘画的兴趣，并为佛教艺术的传承与创新提供有益的借鉴。 本书并非简单的图录，而是一次系统性的学术梳理与艺术解读。我们力求在每一个章节、每一个图像的呈现上，都做到有据可依，深入浅出，让读者在欣赏精美画作的同时，也能深入了解其背后的文化、历史与宗教意涵。本书旨在成为一部集学术性、艺术性、实用性于一体的佛教绘画参考著作。

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这本画册初捧在手，便觉沉甸甸的，不是单纯的重量，而是它所蕴含的那份厚重历史感。装帧设计相当考究，那种深沉的墨绿色调，配上烫金的书名，透露出一种内敛的尊贵。我尤其欣赏它在纸张选择上的用心，那种略带纹理的哑光纸张，使得每一次翻阅都像是在进行一场庄重的仪式。内页的印刷清晰度令人赞叹，即便是那些年代久远的摹本，那些细微的笔触和颜料的层次感，也被忠实地再现出来，仿佛能透过纸面触摸到古代画师们创作时的心境。内容上，虽然我尚未深入研究每一个细节，但从目录的排布和章节的划分来看，它似乎构建了一个宏大而系统的梳理脉络，横跨了不同朝代和地域的佛教艺术高峰。对于一个对传统艺术抱有敬意的学习者而言，这不仅仅是一本工具书，更像是一部可供参悟的古代智慧结晶，每一次驻足细看，都能从中汲取新的养分，让人对“古”之韵味产生更深的敬畏。

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第一次翻阅时，我被它展现的细节丰富度所震撼。那些细节的呈现，已经达到了近乎“显微镜”的级别，那些佛陀面部微妙的慈悲之态，衣褶的流畅线条，甚至是最细微的斑驳痕迹，都被清晰地捕捉了下来。这对于任何希望在自己的创作中融入古典韵味的艺术家来说，都是一座取之不尽的宝库。它没有提供那种快速、肤浅的“复制”指南，而是提供了一种深入“理解”的视角。我感觉自己不是在看一本画册，而是在研读一套极其珍贵的、已经失传的技法档案。这种严谨和对原貌的尊重，使得这本书的学术价值和实践指导价值都达到了一个很高的水准，值得反复摩挲品味。

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坦白说，这本书的排版风格显得有些“古板”，但这恰恰是我认为它最大的优点所在。它没有迎合现代设计中那些花哨的留白或跳跃的色彩，而是采用了非常传统、严谨的对开或单页展示形式，将每一幅作品都给予了足够的尊重和展示空间。这种沉稳的布局，让观者在面对那些神圣的佛像或壁画局部时，能够自然地沉浸其中，减少外界的干扰。我注意到它在注释方面做得非常细致，对于那些特定的手印、法器乃至色彩的象征意义，都有深入浅出的解读，这对于提升非专业人士的鉴赏水平非常有帮助。它强迫你慢下来，去理解图像背后的哲学体系，而不是走马观花地欣赏表面的美学。那种需要付出时间和专注力去解读的体验，让人感觉这份投资是物超所值的。

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这本书带给我最大的感受，是一种强烈的“静心”体验。在如今这个信息碎片化、视觉疲劳的时代，能够拥有一本需要你全神贯注去感受、去体悟的实体书，是件难得的幸事。它的重量感、纸张的质感，以及内容本身的肃穆感，共同营造了一种仪式性的阅读氛围。我发现自己会不自觉地放慢呼吸，去揣摩那些线条是如何在宣纸上凝固成永恒的庄严。它没有冗余的现代解读，而是让作品本身说话，让读者自己去寻找与古老艺术的连接点。这对于寻求内心平静和艺术灵感的人来说，无疑是一剂良药，它提供了一个通往古典精神世界的安静入口，让人在纷扰中找到一处安放灵魂的角落。

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这本书的收藏价值，在我看来，远远超过了其作为纯粹的技法参考书的定位。从装帧的精良度到内页选材的考究，无不体现了出版方对“古”这个概念的理解和致敬。我特别喜欢其中对于不同时期造像风格演变的对比章节，那些并置的图像，让历史的脉络清晰可见，如同跨越时空与那些伟大的匠人进行了一次无声的对话。这种对比的呈现方式，极大地拓宽了我的视野，让我认识到艺术的传承并非一成不变，而是在不同历史阶段进行着微妙的张力与平衡。虽然我不是专业的艺术史学家，但仅仅是浏览这些精心挑选的范例，就能感受到那种跨越千年的审美共振，让人由衷地感慨中华文化的深厚底蕴。

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好看，但自己倒谈不上鉴赏，比较喜欢的是兰叶描和竹叶描这两种画法，铁线描和撅头描不太喜欢，觉得过于用力了，有点版画的感觉，蚯蚓描也不太喜欢，太绕。图谱最后的观音像觉得很好看，他的题字也写得特别好，羡慕啊。

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