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出版者:中国广播电视出版社

作者:付龙

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:2006-5

价格:37.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787504348241

丛书系列:

图书标签:

• 声音
• 影视声音创作与数字制作技术
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好的，这是一份关于一本名为《光影叙事：电影音乐与声音设计深度解析》的图书简介，其内容不涉及《影视声音创作与数字制作技术》的具体主题，并尽可能详细地展开，力求自然流畅： --- 书籍名称：光影叙事：电影音乐与声音设计深度解析 简介： 《光影叙事：电影音乐与声音设计深度解析》 并非一部关于具体软件操作或数字音频工作站（DAW）流程的技术手册，而是深入探讨电影声音艺术哲学、美学构建及其在叙事中核心作用的理论与实践交织之作。本书旨在为电影制作人、声音设计师、作曲家以及影视艺术爱好者提供一个广阔的视角，理解声音如何在潜意识层面塑造观众体验、驱动情感共鸣，并最终定义一部影片的叙事完整性。 第一部分：声音的电影本体论——从耳听到心觉 本书的开篇聚焦于声音在电影媒介中的本体地位。我们探讨了从默片时代到有声电影诞生初期，声音如何被视为一种革命性的叙事工具，而非仅仅是对画面的附属。 第一章：失语到回响：有声电影的早期困境与机遇。 详细分析了梅里爱、格里菲斯等先驱者对声音的试探性运用，以及诸如《爵士乐之歌》如何确立了音乐与对白在听觉空间中的地位。重点剖及声音如何从单纯的记录媒介，转变为主动的叙事者。 第二章：听觉景观与心理空间。 引入“听觉景观”（Soundscape）的概念，分析米歇尔·希翁的理论，区分现场声（Diegetic Sound）与非现场声（Non-Diegetic Sound），并探讨如何通过声音的层次、混响与空间感，构建出角色的内心世界和影片的特定环境氛围。例如，一个空旷大厅中微弱的回音，如何比清晰的对白更能体现角色的孤独感。 第三章：情绪的隐形指挥家：音乐在叙事结构中的功能。 这一章将音乐视为情感的放大器和结构性的锚点。我们解析了不同音乐体裁（古典、爵士、电子乐）如何被电影化处理，以及主题旋律（Leitmotif）在引导观众预期和揭示人物转变中的精妙运用，例如，如何在不使用对白的情况下，仅凭配乐的调性变化，预示一场即将到来的灾难或情感爆发。 第二部分：声音设计的审美构建——从原子到宇宙 本书的第二部分着重于声音设计作为一种艺术形式的本体论构建，关注声音素材的选择、处理和编排，如何服务于影片的整体美学目标。 第四章：拟真与超验：声音的真实性边界。 探讨声音设计师在记录真实环境声（Foley）与创造虚构声响之间的平衡。解析声音如何在保持观众对物理世界的感知真实性的同时，又能通过风格化的处理，将影片带入超现实或寓言的层面。例如，科幻片中人造机械的运作声，其设计目的往往超越了单纯的模仿。 第五章：空白的重量：寂静的艺术。 专门分析“沉默”在电影中的极端重要性。寂静并非声音的缺失，而是精心设计的听觉留白，是给予观众消化信息、进行内部反射的关键时机。书中将通过经典案例，剖析寂静如何被用于制造悬念、强调角色的内心挣扎，或作为高潮后压倒性的余韵。 第六章：声音的层次与混音的哲学。 深入讨论混音（Mixing）过程中的哲学选择。声音的相对响度、频率分布和空间定位，构成了听众接收信息的“视觉焦点”。本书不探讨混音的具体技术参数，而是分析混音师如何通过动态范围的控制，引导观众的注意力，确保关键信息（如私语或爆炸声）在复杂的声场中脱颖而出，而不只是“听起来很大声”。 第三部分：跨文化与时代的声音回响 最后一部分将研究声音设计在不同电影类型和文化背景下的特殊表现，以及技术变迁对声音美学的影响。 第七章：类型片的声音签名。 分析不同电影类型（如黑色电影、恐怖片、史诗片）如何形成其独特的声音“签名”。恐怖片如何依赖低频震动和突兀的冲击音来触发生理反应；西部片如何利用广袤环境声和枪械的干脆回响来定义其空间感。 第八章：声音的全球化与在地化。 探讨在跨国合拍和文化交流日益频繁的背景下，声音设计如何平衡普适的情感表达和特定文化的听觉习惯。特定乐器、方言腔调的处理，以及对不同文化中“可接受的噪音水平”的理解，是构建跨文化叙事成功的关键。 第九章：未被书写的未来：技术迭代下的声音想象。 展望声音技术（如沉浸式音频格式）如何改变电影制作的未来，但核心讨论仍是：无论技术如何发展，声音作为情感媒介和叙事驱动力的核心功能是永恒的。它关注的是声音设计如何保持其艺术的纯粹性，不被工具的炫耀所异化。 --- 本书旨在提供一套全面的理论框架，帮助读者超越“声音是画面的补充”这一传统认知，将其提升到与影像同等重要的叙事层次进行审视和实践。它强调声音设计与作曲并非技术执行环节，而是早期故事板阶段就应介入的、至关重要的光影叙事工程。读者将学到如何“聆听”电影，而非仅仅“听见”声音。

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**第四段评价：** 读完这本书，我最大的感受是它对“环境”的强调。我猜测它一定花费了大量的篇幅来区分“声景”（Soundscape）与“音效”（Sound Effect）的本质区别，并探讨了如何构建一个既真实又具有象征意义的声音环境。它可能没有详细介绍如何使用高保真麦克风阵列来捕捉复杂的城市噪音，但很可能深入分析了波德莱尔或卢西安·费弗尔笔下的城市声音景观对现代影视听觉设计的影响。这种处理方式非常文学化，也极具挑战性。它似乎在告诫我们，优秀的声音设计不是噪音的堆砌，而是对信息流的精确控制和引导。对于那些习惯于在后期数字音频工作站（DAW）中“贴标签”式地添加音效的人来说，这本书可能提供了急需的纠偏。它要求我们将耳朵从屏幕前拉开，重新回到真实世界中去倾听，去体验声音是如何与我们的身体和记忆发生联系的。

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**第二段评价：** 说实话，我原本期待这本书能提供一些关于最新的沉浸式音频技术，比如杜比全景声（Dolby Atmos）在后期制作中的具体工作流程或者空间音频的渲染技巧。毕竟“数字制作技术”这个词汇带着强烈的时效性。但阅读下来，我发现它似乎对这些前沿技术点墨不多，或者说，它只是轻描淡写地带过，并没有将其作为核心内容展开。相反，它花了非常多的篇幅去追溯声音在早期电影史上的地位演变，以及不同文化背景下听觉习惯的差异。这种历史的纵深感是许多技术手册所缺乏的。我感觉作者更像是一位人类学家或电影史学家，而非单纯的录音师。这种叙事方式的好处是能让读者建立起坚实的声音美学基础，避免陷入追逐最新硬件和插件的泥潭。但对于急于上手操作特定软件（比如Pro Tools或Nuendo）的初学者来说，这本书可能显得有些“形而上”，不够“解渴”。它要求读者具备一定的耐心和跨学科的视野，才能真正领会其精髓。

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**第五段评价：** 从书名来看，“影视声音创作与数字制作技术”似乎承诺了对两者平衡的探讨。但如果我完全根据这种感觉来推测内容，我猜想它最终的落脚点一定是在“创作”的维度，而非“技术”的层面。数字制作技术可能只是被视为实现创意的工具箱，而非学科本身。我推测它可能有一章专门讨论声音在不同类型影片（比如恐怖片、科幻片、纪录片）中的叙事功能异同，并且会引用大量的经典电影案例进行细致的听觉分析。例如，它可能会对比《2001太空漫游》中近乎寂静的太空处理与某个现代动作片中爆炸声的动态范围设计，来阐述不同美学选择背后的文化意图。如果真是这样，那么这本书的价值就不在于教会我们如何操作软件，而在于培养我们对声音作品的批判性鉴赏能力，使我们能够从一个更成熟的、更具有艺术洞察力的角度去审视和参与声音的构建过程。

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**第一段评价：** 这部书的封面设计着实吸引人，那种深沉的蓝与跳跃的橙色光影交织在一起，让人立刻联想到影院里那种沉浸式的体验。我原以为它会是一本关于声学原理或者某个特定软件操作的入门指南，毕竟市面上同类书籍太多了。然而，当我翻开目录，我发现它涉及的领域远比我想象的要宽泛和深入。它似乎没有直接深入讲解具体的混音技术细节，反而更像是在构建一个宏大的叙事框架，探讨声音设计在叙事中的哲学地位。书中的引言部分花了大量篇幅讨论“声音的意图性”，这让我这个侧重于视觉艺术背景的人耳目一新。它没有直接给出“如何做”的步骤，而是更多地引导读者去思考“为什么这么做”，这种对创作思维的启发，远比单纯的技术手册来得宝贵。它似乎在试图打通从抽象的剧本意图到具体的声音实现的鸿沟，让我开始重新审视那些我过去习以为常的音效库选择和环境声铺陈。这本书更像是给一个有志于从事声音艺术创作的人，提供了一张通往更高维度思考的地图，而不是一条铺设好的轨道。

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**第三段评价：** 这本书的排版设计简直是一场视觉上的享受。纸张的质感很厚实，墨水的颜色也很正，那些插图和图表——如果它们真的有的话——应该会非常清晰。我猜想，作者在组织内容时，可能非常注重逻辑的递进和概念的清晰度。我推测它内部一定包含了大量关于声音感知心理学的论述，比如人耳对频率、动态范围和混响时间的反应机制，而不是仅仅停留在设备参数的罗列。我设想它在讨论“空间感”时，不会直接给出“混响时间设为多少毫秒”的答案，而是会先探讨在特定场景下，我们的大脑是如何构建一个三维声场的，然后才是如何用技术手段去模拟这种心理体验。如果这本书真的如此，那么它对那些希望创作出具有强烈情感穿透力的声音作品的作者来说，将是极大的助力。它似乎在传授一种“倾听的艺术”，而非“录音的技巧”，这对我个人的审美提升非常有帮助。

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