新世纪卡通漫画技法3.角色篇 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国青年出版社

作者:塚本博义

出品人:

页数:216

译者:丁莲

出版时间:2010-4

价格:34.00元

装帧:

isbn号码:9787500667865

丛书系列:新世纪卡通漫画技法

图书标签:

• 漫画技法
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• 角色设计
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《新世纪卡通漫画技法3：角色篇》内容提要（不含本书内容） 本书系一套深入探讨卡通与漫画创作核心技法的专业教程系列中的第三卷，专注于构建引人入胜、富有生命力的角色。鉴于本书《新世纪卡通漫画技法3：角色篇》的特定主题，以下将围绕其可能涵盖的领域进行详尽的、侧重于“角色塑造”之外的辅助性、背景性或工具性知识的推测性介绍，以确保内容既充实又避开直接描述“角色篇”的具体教学内容。 --- 第一部分：基础视觉语言与构图原理的拓展视野 虽然角色是叙事的核心，但角色的呈现离不开坚实的技术基础。本部分将侧重于那些为角色服务，但本身并非角色绘制步骤的知识体系。 1. 现代媒体环境下的视觉信息处理 在探讨角色如何被“画”出来之前，理解角色在现代媒介（从印刷品到数字屏幕）中如何被“阅读”至关重要。本部分将探讨： 色彩科学与情绪传达的关联性研究： 深入分析不同色域、色相饱和度对观众心理影响的经典案例与现代实验数据。讨论在不同显示设备（LCD, OLED, 打印介质）上，色彩信息保真度对角色辨识度的影响。这包括对“屏幕色”（RGB）与“印刷色”（CMYK）之间转换误差的校正策略，确保角色设计稿的视觉冲击力在最终媒介上得以保留。 光影的物理学基础与风格化应用： 摒弃基础的明暗交界线教学，转而探讨复杂光源环境下的光线追踪原理的简化模型在二维平面上的应用。例如，如何模拟单一强光源（如霓虹灯）或散射光源（如雾天）对角色轮廓和材质（如金属、皮肤、布料）的影响，从而提升场景的真实感或特定的艺术风格（如赛璐珞光感或电影光感）。 视线引导与叙事节奏的建立： 侧重于画面整体的构图，如何通过环境元素（而非角色自身姿态）来引导读者的目光流向。这包括对“黄金分割”、“三分法”在连续画面中的动态应用，以及如何运用前景、中景、背景的层次关系来确立角色在空间中的位置感和故事的重要性级别。 2. 漫画分镜的效率与流程管理 高效的角色设计和绘制需要与生产流程紧密结合。本部分将关注效率提升的工具和方法论： 数字化工作流程的优化： 介绍行业领先的图层管理标准、命名规范和文件结构的最佳实践。探讨如何利用图层特效（如混合模式、蒙版）来快速迭代角色的服装、发型或环境光效，而无需重复绘制基础线稿。 笔刷工具的深度定制与材质模拟： 深入研究不同数位笔刷的参数设置（形状动态、传递、纹理）如何模拟传统工具（如墨水、炭笔、水彩）的笔触，从而赋予角色独一无二的“手感”。这部分将侧重于笔刷库的构建哲学而非具体笔触的描绘技巧。 三维辅助工具在二维制图中的集成应用： 探讨如何使用简单的3D模型软件（如SketchUp或基础建模插件）来快速建立角色的骨架或复杂透视场景，然后将其导入2D软件中作为辅助线稿或参考，极大地提高复杂体型或多角度镜头的准确性。 --- 第二部分：世界观构建与风格学的历史溯源 角色的成功往往根植于其所属的世界观和艺术风格的历史演变。本部分旨在提供一个广阔的背景知识框架。 3. 艺术史中“原型”的提炼与解构 本章节将追溯影响现代卡通和漫画风格的视觉原型，帮助创作者理解当前风格的“为什么”而非仅仅“怎么做”。 古典雕塑与人体动态的抽象化： 分析古希腊雕塑、中世纪壁画中对人体比例的早期处理方式，及其如何被早期动画师（如迪士尼早期的设计团队）进行高度概括和简化，从而形成我们今天所熟知的“卡通化”比例。这侧重于比例的“减法”过程。 装饰艺术（Art Deco）与未来主义对线条的影响： 研究20世纪初的装饰艺术运动中对几何化、流线型设计的偏爱，如何影响了科幻和奇幻漫画中角色服装和机械造型的设计语言，强调线条的韵律感和结构性。 民间艺术与地域性特征的借鉴： 探讨不同地域的民间剪纸、木刻或面具艺术中对手、眼、面部特征的夸张手法，及其如何被亚洲漫画风格吸收，用以强化角色的情感表达力。 4. 叙事符号学在角色设计中的潜意识应用 角色不仅是图像，更是信息载体。本部分探讨角色视觉元素如何向观众传递预设信息。 服装与配饰的符号学解读： 分析特定颜色、材质、徽章、武器轮廓等非言语元素在不同文化背景下对角色身份、阶级、动机的暗示作用。例如，特定类型的铠甲或流苏的运用，其潜在的文化指代意义。 面部“微表情”的跨文化差异研究： 对比不同地域（如东亚、欧美）在表现“惊讶”、“愤怒”、“悲伤”时，面部肌肉群最关键的激活点和简化方式。强调在国际化发行背景下，如何设计出普适性强而又不失独特性的面部表情系统。 道具的“功能性叙事”设计： 探讨如何设计一个角色随身携带的道具（如特殊的背包、工具、宠物），使其设计本身就能反向解释角色的职业、生活习惯或核心能力，而非简单作为装饰。 --- 第三部分：制作环境与后期处理的工具箱扩展 成功的角色最终需要被清晰、专业地呈现出来。本部分关注的是超越绘制本身的技术环节。 5. 材质与纹理的数字化模拟与应用 高质量的最终输出，往往取决于对材质表现的逼真度或风格化处理。 高级纹理贴图的创建与管理： 介绍如何从现实照片中提取、处理和规范化（如PBR流程中的基础）纹理贴图，并将其应用于角色的皮肤、皮革、金属表面，以达到更具深度的视觉效果。 布料褶皱的物理模拟与风格化： 探讨基于重力、张力等基础物理学原理，如何快速预测布料在角色不同姿态下产生的关键褶皱线，并对比不同画风（如写实与Q版）下对这些褶皱的简化程度。 细节的层次化处理（从高频到低频）： 讨论在角色完成线稿和基础铺色后，如何分层叠加高频细节（如皮肤毛孔、纤维、划痕）和低频细节（如整体光影体积），确保视觉焦点集中且信息密度合理。 6. 角色在不同载体上的适配与规范 一个经过精心设计的角色，必须适应多平台、多尺寸的输出要求。 角色模型表的标准化文档结构： 介绍业界用于指导后续不同岗位（如动画师、周边设计师、3D建模师）参考的“模型表”（Model Sheet）应包含哪些必要的视图、尺寸标注和错误示范，以保证角色视觉形象的统一性。 动画与动态捕捉预备： 探讨如何为角色的动态设计预留“运动裕度”，例如在关节处和服装边缘增加必要的结构冗余，以便在后续的动画制作中，角色形变不会轻易“穿模”或变形过度。 角色周边商品化的视觉转化： 分析从2D插画到立体模型（手办、盲盒）转换过程中，哪些视觉元素需要被强化（如强调轮廓线、简化复杂的背部结构），哪些元素需要被牺牲，以保证IP形象在三维世界的忠诚度。 --- 总结： 本书系前三卷的积累，旨在为创作者提供一个从宏观的视觉原理、历史背景，到微观的数字化工具应用的全方位技术支持系统。第三卷《角色篇》的成功，将建立在读者对扎实技术基础、深刻的文化理解以及高效工作流程的全面掌握之上。

评分☆☆☆☆☆

这本书教了大家怎么创造各种各样的角色，讲解了一般的规律。首先教怎么把人物话得不同，这是第一步，现实中人与人本身就长得不同，但画画不一样，如果不是写生，一个训练有素画家很容易就把东西画成一个模样的了。所以要有意识地去改变才行，通过各种方法（发型、面形、着装、...  

评分☆☆☆☆☆

偶是喜欢塚本博义这个人的画风，冲着他来买的~~嘻嘻，是一本新手用的书，想学的朋友，又没有基础的，或者想临摹的就可以买，如果用来更进一步提高技能就不推荐~

评分☆☆☆☆☆

这本书教了大家怎么创造各种各样的角色，讲解了一般的规律。首先教怎么把人物话得不同，这是第一步，现实中人与人本身就长得不同，但画画不一样，如果不是写生，一个训练有素画家很容易就把东西画成一个模样的了。所以要有意识地去改变才行，通过各种方法（发型、面形、着装、...  

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评分☆☆☆☆☆

这本书教了大家怎么创造各种各样的角色，讲解了一般的规律。首先教怎么把人物话得不同，这是第一步，现实中人与人本身就长得不同，但画画不一样，如果不是写生，一个训练有素画家很容易就把东西画成一个模样的了。所以要有意识地去改变才行，通过各种方法（发型、面形、着装、...  

评分☆☆☆☆☆

我一直是个对角色表情特别敏感的人，看到一个表情就能脑补出一堆故事。这本书在这方面真是给了我巨大的满足感。它没有简单地罗列各种表情，而是深入剖析了“为什么”这个表情会产生，以及在不同文化、不同情境下，同一个表情可能蕴含的不同含义。书中关于“微表情”的讲解尤其令我印象深刻，它告诉我们，有时候一个极细微的眼神变化，或者嘴角一丝不易察觉的抽动，就能瞬间改变人物给人的感觉。我之前画角色的时候，总觉得表情不够生动，有时候用力过猛，反而显得做作。这本书就像侦探小说一样，一步步引导我解开表情背后的心理密码。它还提到了很多关于“符号化表情”的运用，比如在卡通漫画中，如何用更简洁、更有代表性的方式去表现情绪，而不是拘泥于写实。我学到了很多关于如何用线条的粗细、形状的变化来区分人物的性格，比如一个圆润的嘴角可能代表天真，而一个略带棱角的嘴唇则可能隐藏着坚韧。读完这部分，我感觉自己对人物的内心世界有了更敏锐的洞察力，也更有信心去捕捉那些微妙的情感瞬间，并将它们转化为富有表现力的面部表情。

评分☆☆☆☆☆

这本书在“角色动态与姿态”方面的讲解，简直是将静态的画面赋予了生命力。我一直觉得漫画角色的站姿、坐姿、走路的姿态，如果处理不好，就会显得僵硬，缺乏活力。但这本书通过非常细致的图例和讲解，让我看到了动态线在其中扮演的至关重要的角色。它不仅讲解了如何画出流畅的身体线条，更重要的是，它引导我去理解身体的重心转移，肌肉的拉伸与收缩，以及如何在各种极限的动作中保持角色的辨识度和美感。我学到了很多关于如何通过一个简单的侧影，就能表现出角色的沉稳或者轻佻；如何通过一个微妙的肩部倾斜，就能暗示角色的犹豫或者决心。而且，它还提到了很多关于“韵律感”的运用，不仅仅是身体的肢体动作，还包括人物在画面中的排布，如何通过不同姿态的角色形成一种视觉上的和谐或者冲突。读完这部分，我感觉自己画出来的角色仿佛真的动了起来，甚至能听到他们呼吸的声音，感受到他们每一次动作中的力量和情感。

评分☆☆☆☆☆

关于书中对“服装设计与角色性格的融合”，我只能说，这简直是打开了我新世界的大门！我之前画人物，总觉得服装就是一层皮，随便穿件衣服就好，从来没想过衣服的设计能直接反映角色的内心世界和成长经历。书里举了好多例子，从一个角色的袖口剪裁，到衣服上的配饰，甚至是用色上的细微差别，都可能在无形中透露出角色的职业、阶层、甚至过去的创伤。我最喜欢的是关于“时间痕迹”的处理，比如一件衣服上破旧的痕迹，并不是随意画上去的，而是要结合角色的经历，可能是在某场战斗中留下的，也可能是因为常年的辛勤劳作而磨损。这本书让我明白，服装不仅仅是遮蔽身体的布料，更是角色故事的一部分，是他们身份和经历的视觉化表达。我开始注意到，很多优秀的漫画作品中，角色的服装都经过了精心的设计，它们不仅仅是为了好看，更是为了服务于角色本身。这本书给了我很多灵感，让我开始思考如何通过服装来为我的角色“说故事”，让他们更加立体，更加令人信服。

评分☆☆☆☆☆

哇，拿到这本《新世纪卡通漫画技法3.角色篇》真是太惊喜了！本来只是抱着试试看的心态，没想到它完全颠覆了我对角色设计的一些刻板印象。书中对人物比例的讲解，不是那种生硬的骨骼肌肉图，而是通过非常生活化的例子，比如漫画中常见的夸张和变形，是怎么在不失辨识度的前提下，给角色注入灵魂的。我特别喜欢它关于“动态线”的运用，本来以为只是简单的一两条线，结果它能详细剖析一条细微的曲线是如何表现人物情绪的起伏，从微小的紧张到奔放的喜悦，甚至连角色内心的纠结都能通过这些线条传达出来。而且，书中并没有直接告诉你“怎么画”，而是引导你去思考“为什么这么画”，让你在欣赏优秀作品时，也能自己提炼出设计的逻辑。它好像在教我如何“看懂”角色，而不是仅仅“画出”角色。这一点对我这个一直在角色塑造上感觉瓶颈的人来说，简直是醍醐灌顶！我甚至开始重新审视我自己的作品，发现很多时候我只是在机械地重复，而忽略了角色内在的生命力。这本书就像一位耐心的老师，用一种非常启发式的方式，让我看到了角色设计更深层次的奥秘。它不只是一本技巧书，更像是一本关于“如何赋予角色生命”的心灵指南。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都在努力让我的角色拥有独特的“记忆点”，让人看一眼就能记住，但总是觉得差那么一点意思。这本书在“风格化与辨识度”的章节，简直是为我量身定做的。它并没有给我一个固定的模板，而是通过分析大量不同风格的漫画作品，揭示了那些让角色脱颖而出的关键元素。比如，它讲到了如何通过夸张面部特征来突出角色的个性，但同时又强调了这种夸张要遵循一定的逻辑，不能随意为之。我学到了很多关于如何运用“负空间”来塑造角色的轮廓，让他们的形象更加简洁有力。而且，书中还探讨了“角色系列化”的概念，即如何在一个系列作品中，让不同角色的风格既有统一性，又能各自独立。我最欣赏的是它关于“设计思维”的引入，让我明白角色设计不仅仅是画画，更是一个思考和探索的过程。它鼓励我去挖掘角色背后的故事，去理解他们为什么会是现在的样子，然后将这些内在的特质通过外在的形象表现出来。读完这部分，我感觉自己看待角色设计的角度发生了根本性的改变，不再是简单的“画好看”，而是更加注重角色的“灵魂”和“生命力”。

评分☆☆☆☆☆

这本书很好

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一套非常实用的书！我觉得

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不错的学漫画的书

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这本书很好

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这本书很好