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出版者:辽宁科学技术出版社

作者:百濑寿 七六 高沼美雪 俞鸟 伯劳等

出品人:

页数:152

译者:赵焜

出版时间:2011-12

价格:39.80元

装帧:平装

isbn号码:9787538171426

丛书系列:漫画人物CG技巧提升版

图书标签:

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艺术家的视觉炼金术：从构想到精修的数字绘画实战指南 一部深度剖析数字艺术创作流程，涵盖基础理论、进阶技法与专业工作流的综合性教程。本书旨在为有志于提升数字绘画水平的创作者提供一套系统、可操作的实践框架，聚焦于如何将脑海中的创意转化为具有震撼力的视觉作品。 --- 第一部分：奠定基石——数字艺术的底层逻辑与材料认知 本部分将带领读者深入理解数字绘画环境的核心要素，摒弃浮于表面的工具介绍，转而探讨如何将传统艺术原理有效迁移至数字媒介。 一、色彩的物理与心理学：光影的数字化重构 我们首先探讨色彩理论在数字环境中的特殊性。深入解析RGB与CMYK的底层差异，以及如何在屏幕上精确模拟真实世界的光照条件。内容涵盖： 色相、明度、饱和度的感官解析： 针对不同情绪和场景，如何运用色彩关系烘托氛围。 数字光照的模拟： 重点讲解环境光、自发光、反光和穿透光在CG中的表现手法。不再是简单地涂抹高光，而是理解光线如何与不同材质表面发生作用。 色彩和谐与冲突的构建： 学习如何使用互补色、邻近色、三元色等高级色彩搭配，以及如何通过色温对比（冷暖对比）来增强画面的立体感和焦点引导。 二、形态的解构与重塑：透视、结构与动态捕捉 本章聚焦于三维空间感在二维平面上的准确表达。我们将跳脱出基础的一点透视，进入更复杂的空间处理： 多点透视的精确计算与应用： 适用于宏大场景和复杂建筑群的设计，确保画面的空间逻辑自洽。 人体骨骼与肌肉的解剖学基础（侧重运动表现）： 介绍如何简化复杂的解剖结构，用“块面”而非“线条”来表现体积感。重点解析主要运动关节的受力点和形变规律，为后续的动态姿态打下坚实基础。 物体材质的质感表现： 详细讲解如何通过笔触的控制、边缘的锐化程度以及高光形状的差异，来区分金属、皮革、布料、皮肤等不同材质的视觉特性。 --- 第二部分：创作流程的精细化管理——从草图到线稿的效率革命 成功的数字作品往往依赖于高效且逻辑清晰的创作流程。本部分着重于如何优化前期工作，将创作瓶颈前移至规划阶段。 三、概念驱动的草图阶段：信息密度与叙事性 草图不只是确定构图，更是信息的初次提炼。 构图的黄金法则与打破： 深入研究三分法、负空间运用、对角线引导等经典构图法，并探讨在叙事性作品中如何故意打破平衡以制造紧张感。 “信息层级”的规划： 学习如何通过大小、清晰度、对比度来预先设定观者目光的移动路径。确定主次关系，避免画面信息量平均化。 速写与动态捕捉技巧： 讲解如何在短时间内捕捉人物或场景的“神韵”，而不是纠结于细节，从而保持创意的活力。 四、线稿的“隐形”艺术：线条的心理暗示与结构支撑 线稿在现代数字绘画中往往需要承担结构支撑和视觉引导的双重任务，而不是简单的轮廓描边。 线条粗细与压感的精妙运用： 如何根据物体的前后关系、材质的硬度来动态调整线条的粗细和墨色的深浅。 结构线与细节线的区分： 确保支撑画面的主要结构线（如骨架线）清晰稳定，而表现表面细节的辅助线则应更加灵活和暗示性。 线条的笔触纹理化： 探讨如何通过自定义笔刷或后处理，使线稿融入整体风格，避免出现“打印稿”的僵硬感。 --- 第三部分：数字光影的深度雕刻——体积、氛围与情感的渲染 本部分是本书的核心，专注于如何利用数字工具实现对光影的精准控制，这是提升画面“高级感”的关键。 五、光影的体积感塑造：明暗交界线与环境反射的控制 这一章节将彻底解构传统绘画中的素描概念，并将其高效地应用于数字上色。 五大调子（高光、亮部、中间调、暗部、反光）的精确处理： 重点在于区分“环境光照亮的部分”与“自身材质颜色”。 明暗交界线的控制哲学： 探讨在光滑、粗糙、半透明材质上，明暗交界线应如何处理。平滑过渡还是突兀断层，直接影响材质的物理感受。 环境光遮蔽（AO）与全局光照的数字模拟： 学习如何模拟光线被遮挡产生的阴影效果（如关节凹陷处），以及环境色如何微妙地反射到物体暗部，增加画面的真实层次。 六、氛围的构建者：雾效、体积光与景深处理 优秀的画面需要一个能包裹住主角的环境。 体积光（God Rays）的绘制技巧： 讲解如何在不同的颗粒度介质中（如尘埃、薄雾）绘制出清晰可见的光束，并控制其衰减。 大气透视与颜色偏移： 如何根据空气中的湿度和距离来调整远景的对比度和色相，实现自然而然的景深效果。 柔焦与锐化： 利用焦点控制视觉引导，通过后期对焦点的锐化和背景的柔化，模拟专业镜头下的景深效果，突出主体。 --- 第四部分：风格化与工作流的整合——效率、优化与跨媒介思维 最后一部分将视野从单个图像扩展到完整的创作管线，关注如何形成个人风格并保持高效率。 七、笔刷的定制与“画风”的形成 笔刷是数字画家的“手感”，而非简单的工具预设。 从零开始构建自定义笔刷系统： 针对特定需求（如水彩、油画、颗粒感、硬边效果）设计笔刷，而非仅仅依赖标准配置。 纹理叠加与混合模式的魔力： 探索如何利用图层混合模式（如叠加、柔光、排除）快速增加画面的复杂度和随机性，以避免数字绘画的“光滑感”。 风格的提炼： 分析不同艺术流派（如赛璐珞、美式漫画、写实派）在线条、光影和色彩处理上的核心差异，并指导创作者提炼出属于自己的视觉语言。 八、高效的工作流管理与项目收尾 面向专业项目，时间管理和文件优化至关重要。 图层分组与命名规范： 建立清晰的图层结构，确保团队协作或未来修改的便捷性。 色彩校正与输出标准： 讲解从sRGB到更广色域的转换，以及如何进行最终的色彩匹配，确保作品在不同显示设备上的观看体验一致。 后期处理的精修： 探讨色彩平衡、曲线调整、锐化/降噪在最后一步的作用，将画面推向最终的完成度。 --- 本书不是关于某一款特定软件的按键指南，而是关于“如何像一位经验丰富的艺术家那样思考”。它提供的是一套面向所有主流数字绘画软件（如Photoshop, Clip Studio Paint, Procreate等）通用的、基于艺术原理的思维框架，帮助创作者实现技术与创意的深度融合。

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我是一名CG绘画初学者，之前也看过一些入门级的教程，但总是觉得不够系统。《漫画人物CG技巧提升版4》给了我一种从零开始，但又能快速掌握核心要领的感觉。它并没有上来就讲特别高深的理论，而是从非常基础的线条、形状开始，逐步引导读者理解人体比例和结构。我尤其喜欢它讲解“人物动态”的部分，通过一些简单的示意图，就把人物身体的重心、力量的传递讲得明明白白，让我在画人物时不再显得僵硬。而且，书里提供的练习方法也很实用，不会让人觉得枯燥。比如，它鼓励读者多观察生活中的人物姿态，然后尝试用书中学到的技巧去概括和绘制，这种“学以致用”的方式，让我觉得进步很快。虽然我目前还不能完全理解书中的所有高级技巧，但仅仅是基础部分的扎实讲解，就已经让我受益匪浅，为我今后的学习打下了坚实的基础。

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《漫画人物CG技巧提升版4》这本书，对我而言，更像是一次对CG绘画“灵魂”的探索。它所探讨的，不仅仅是技法本身，更是如何将技法融入到人物的塑造中，赋予角色生命力。我非常欣赏书中对于“叙事性构图”的讲解，它不只是教你如何摆放人物，而是教你如何通过画面中的每一个元素，每一个眼神，去讲述一个故事，去吸引观者的注意力。书中的案例，无论是人物的表情细节，还是场景的氛围营造，都充满了故事感。我尝试着去模仿其中的一些构图思路，发现在构思自己的作品时，能够更加自如地运用视角和景深来烘托气氛。而且，书中关于“情感表达”的分析也相当到位，它不仅仅是告诉你如何画出微笑或哭泣，而是深入剖析了不同情绪下，人物的面部肌肉变化、眼神光的变化，以及如何通过这些细微之处来打动人心。这本书，让我看到了CG绘画的更多可能性。

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一直以来，我对二次元人物的绘制都充满了热情，也尝试过不少教程和书籍。这本《漫画人物CG技巧提升版4》是我近期入手的一本，虽然还没完全看完，但已经能感受到它在构图和色彩运用方面的独特之处。书中的案例非常丰富，从基础的骨骼搭建到复杂的服装褶皱处理，都进行了详细的讲解。我特别喜欢其中关于动态透视的部分，以前总觉得人物的肢体语言不够生动，看了这部分内容后，我学会了如何通过调整透视来增强画面的冲击力。而且，书中的色彩搭配建议也给了我很大的启发，我过去总是习惯用一些比较保守的颜色，但书里提供的那些大胆而和谐的配色方案，让我的作品一下子鲜活了起来。虽然我暂时还没有实践书中的所有技巧，但光是理解这些理论，就觉得收获良多。尤其是一些小细节的提示，比如如何处理光影的层次感，如何让人物的面部表情更加饱满，这些都是我之前容易忽略的，而这本书都帮我一一指了出来。总的来说，这本书更像是一位经验丰富的导师，在你迷茫时为你指点迷津，让你在CG绘画的道路上少走弯路。

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作为一个有着几年绘画经验的CG爱好者，我一直在寻找能够突破瓶颈的教材。《漫画人物CG技巧提升版4》可以说满足了我不少期待。它并没有停留在最基础的描摹阶段，而是深入到了更具挑战性的领域，比如如何塑造更有深度的人物情感，以及如何通过光影和材质表现来提升画面的真实感和感染力。书中对于不同材质的表现手法，例如金属的光泽、布料的垂坠感、皮肤的质感等，都有非常细致的讲解和图例，这对于我这样一个追求画面细节的画师来说，简直是福音。我尤其对其中关于“情绪色彩”的应用印象深刻，学会了如何根据人物的心情和故事背景来选择和运用色彩，让画面不仅仅是好看，更能传递出丰富的情感信息。虽然我个人的画风与书中的案例风格不尽相同，但我认为这些通用性的技巧对于任何风格的CG绘画都具有极高的参考价值。我正在尝试将书中学到的材质表现技巧运用到我的原创角色设计中，相信会有显著的提升。

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我是一位业余的CG插画爱好者，平时工作之余会自己摸索学习。《漫画人物CG技巧提升版4》的出现，无疑是我近期绘画生涯中的一剂强心针。这本书最大的特点在于它的“实战性”和“前沿性”。它并没有过多地停留在理论层面，而是直接切入实际创作中经常遇到的问题，并给出有效的解决方案。我特别喜欢书中关于“光影与氛围”的篇章，它不只是讲解基础的光源方向，更深入探讨了不同色温的光线如何影响画面的整体情绪，以及如何利用环境光来塑造人物的立体感和空间感。我一直觉得自己的画面缺乏“通透感”，看了这本书后，我才明白问题出在哪里。此外，书中还介绍了一些当前非常流行的CG绘画风格和表现手法，这让我能够及时跟上行业的发展趋势。虽然我需要花费不少时间去消化和练习书中的内容，但我深信，这本《漫画人物CG技巧提升版4》将极大地提升我的作品质量和表现力，让我朝着更专业的方向迈进。

评分☆☆☆☆☆

4 30 大概5个例子 每个例子各是一个艺术家来分享 part3 光滑表面老母鸡那个处理反射的方式有启发 part4和part5 前者是机甲 后者是氛围概设 感觉讲的细致度超出之前看过的这类书留下的印象了 （机甲部分和那段时间另一本书上看到的讲太空船表面切分时一样都重点强调了 “零部件分割细致度”这个重点） 其中一些点和最近看的HowtoRender里的一些知识点以及其他书的一些设计要点都能呼应上。 另，同系列人物角色那本也蛮不错 http://book.douban.com/subject/19961334/

评分☆☆☆☆☆

这套书比较实用

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4 30 大概5个例子 每个例子各是一个艺术家来分享 part3 光滑表面老母鸡那个处理反射的方式有启发 part4和part5 前者是机甲 后者是氛围概设 感觉讲的细致度超出之前看过的这类书留下的印象了 （机甲部分和那段时间另一本书上看到的讲太空船表面切分时一样都重点强调了 “零部件分割细致度”这个重点） 其中一些点和最近看的HowtoRender里的一些知识点以及其他书的一些设计要点都能呼应上。 另，同系列人物角色那本也蛮不错 http://book.douban.com/subject/19961334/

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这套书比较实用

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