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出版者:辽宁科学技术出版社

作者:徐立群

出品人:

页数:483

译者:

出版时间:1992

价格:28.00

装帧:32k

isbn号码:9787538114287

丛书系列:

图书标签:

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《镜头里的故事：探索视觉叙事的无穷可能》 你是否曾被银幕上一帧帧震撼人心的画面所吸引，好奇那些光影的魔术师是如何将无声的画面赋予灵魂，让故事跃然纸上？《镜头里的故事》并非一本枯燥的技术手册，而是一场关于视觉语言与情感传达的深度探索。它将带领你走进电影、纪录片、乃至广告制作的核心，揭示那些让画面“说话”的秘密。 本书将为你展现如何通过构图、光影、色彩和运动，细腻地捕捉并放大人物的情感，构建引人入胜的场景，并最终将观众带入一个全新的世界。我们将从基础的镜头运动开始，深入解析推、拉、摇、移等基本手法如何服务于叙事，如何引导观众的视线，制造悬念，或是渲染情绪。你将学会如何利用广角镜头的沉浸感来展现宏大的场景，或是通过特写镜头聚焦人物内心最细微的波动。 更进一步，《镜头里的故事》将带你领略摄影机运动的艺术。无论是平稳如斯的轨道镜头，还是充满生命力的手持跟拍，亦或是令人眩晕的航拍视角，每一种运动都承载着不同的叙事意图。本书将深入剖析这些运动如何在不发出任何声音的情况下，增强画面的动感、节奏感和观众的代入感，让每一个镜头都成为推动情节发展的关键。 色彩，作为视觉语言中最直接的表达方式之一，在本书中也占有举足轻重的地位。我们将探讨色彩心理学在电影中的应用，如何利用冷暖色调来营造氛围，如何通过特定色彩的反复出现来象征某种主题或情感，以及如何通过色彩的对比与和谐来塑造独特的视觉风格。从《辛德勒的名单》中那抹经典的红色，到《布达佩斯大饭店》令人目眩神迷的粉色和紫色，《镜头里的故事》将为你解析这些色彩选择背后蕴含的深刻意义。 本书更将引导你思考“如何讲好一个故事”。它不局限于单一的拍摄技巧，而是将所有技术手段都置于服务于叙事的大框架下。你将学习如何通过镜头的长短、景别的变化、以及画面的调度来构建叙事的节奏，如何运用蒙太奇手法，将看似独立的画面片段串联起来，形成连贯而有力的叙事链条。例如，交叉剪辑如何制造紧张感，平行剪辑如何展现不同事件的同时发生，又如何通过视觉元素的呼应与对比来深化主题。 《镜头里的故事》还关注那些隐藏在镜头背后的创作理念。我们将探讨导演与摄影指导之间的协作，以及他们如何共同构思每一个画面的意图。你将了解到，一个优秀的镜头不仅仅是技术上的完美，更是思想与情感的结晶。本书鼓励读者跳出纯粹的技术层面，去理解每一个镜头创作背后的“为什么”，以及它对整体叙事所产生的微妙影响。 此外，本书还将触及一些更具前瞻性的视觉表现形式。你将了解到延时摄影如何捕捉时间的流逝，定格动画如何赋予物体生命，以及如何利用自然光与人造光相结合，创造出富有层次感和戏剧性的视觉效果。无论是描绘黄昏时分的静谧，还是城市夜晚的喧嚣，本书都将为你提供丰富的灵感和实用的方法。 《镜头里的故事》是一本为所有热爱电影、热爱视觉艺术的你而准备的书。它将帮助你更深入地理解电影语言的魅力，提升你对画面细节的感知能力，甚至激发你用镜头去讲述自己故事的勇气。翻开本书，你将不仅仅是观看者，更将成为一个能够读懂、甚至创造视觉故事的思考者。准备好迎接一场关于影像的奇妙旅程了吗？

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这本书的阅读体验，最让我感到惊喜的是它对“故障美学”和“非常规应用”的探讨。在充斥着标准答案和最佳实践的摄影书籍中，这本书居然用整整一个章节的篇幅来讨论“如何故意拍坏它”。作者不仅探讨了故意过曝、欠曝、使用老旧镜头带来的光学瑕疵如何能增强特定的戏剧张力，还深入研究了如何利用非专业设备，比如利用廉价LED灯具或自制的反光板，来创造出具有强烈风格化的低成本影像。这种“反教条”的精神非常激励人。我特别喜欢其中关于“替代性视角捕捉”的讨论，比如如何使用内窥镜镜头来模仿动物的视角，或者如何通过特殊的滤镜组合来模拟出特定年代的胶片颗粒感，这些内容在其他更偏向商业制作的书籍中是极少涉及的。它鼓励读者打破思维定势，将摄影机视为一个充满可能性的玩具，而不是一个冰冷的工具。这本书的结尾，作者留下了一句意味深长的话：“最好的镜头，是你镜头下故事的延伸，而非技术本身的炫耀。”这使得整本书的基调从“如何做”升华到了“为什么做”的高度。

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这本书的排版和视觉呈现简直是教科书级别的典范，这在技术类书籍中是难能可贵的。它大量运用了对比图和流程图，使得原本复杂的概念变得直观易懂。比如，在讲解景深控制时，书中不仅有景深表，更有三维透视图清晰地标示出焦点面、前景和背景的相对位置，再配合不同光圈值的实际拍摄效果对比，即便是初学者也能立刻明白“光圈大小如何影响画面层次”这一核心概念。再者，作者在阐述色彩科学的部分表现出了惊人的严谨性，他对不同色彩空间（如Rec. 709到DCI-P3）的转换过程进行了细致的数学模型描述，但同时又用生动的比喻，确保非专业人士也能把握其精髓。我个人对其中关于“镜头畸变与校正”的探讨尤为感兴趣，作者不仅解释了广角镜头的桶形畸变，还提供了几种后期软件中常用的曲线调整方法，甚至附带了几个可以导入软件的预设文件（虽然我没找到下载链接，但想法很棒）。这本书的细节处理到了令人发指的地步，仿佛作者是强迫症患者，但正是这份执着，成就了它极高的阅读体验。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种深沉的蓝与鲜明的橙色碰撞出的视觉冲击力，很符合当下审美，拿在手里沉甸甸的，显然是下了不少功夫的。我原本以为这会是一本晦涩难懂的技术手册，毕竟涉及到“工程”二字，但翻开目录才发现，它对内容的划分极其清晰，章节之间的逻辑过渡也相当自然流畅。尤其让我欣赏的是，作者在开篇花了大量的篇幅去探讨“光线与情绪”的关系，这已经超越了单纯的技术参数讲解，上升到了艺术创作的层面。书中对不同场景下用光的案例分析非常详尽，比如如何模拟清晨的薄雾感，或者如何营造深夜访谈的压迫气氛，每种光线配置都配有详细的图示和参数参考，这对我这个业余爱好者来说，简直是宝藏。我记得其中一章详细对比了两种主流的数字电影摄影机在处理高动态范围（HDR）场景时的细微差别，那种深入到像素层面的探讨，让我对设备的选择有了更理性的认识，而不是盲目追求参数的数字大小。总而言之，它不只是一本工具书，更像是一位资深导师在你身边，用极富条理和洞察力的语言，为你揭示影像背后的奥秘，让人读完后立刻就想拿起机器去实践一番。

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我注意到这本书在理论构建上采用了非常独特的“历史溯源”方法，这极大地拓宽了我的视野。它并非直接跳入当代数字技术，而是花了好几章的篇幅，回顾了从默片时代开始，不同电影先驱们如何通过光影和构图来叙事。例如，作者详细分析了卡尔·德雷尔在早期黑白片中是如何利用窗户光来雕刻人物面部轮廓的，这种对经典电影语言的解构，为理解现代摄影机的各种“模拟模式”提供了深刻的背景知识。这让我意识到，许多我们今天使用的“炫酷”效果，其实早有深厚的艺术根基。更令人称道的是，作者并未沉湎于历史，而是巧妙地将这些古典理论与最新的计算摄影技术结合起来。比如，在讨论曝光宽容度时，作者对比了胶片时代的颗粒感与现代CMOS传感器在噪点控制上的技术路线差异，并提出了一个极富启发性的观点：技术进步的最终目的，是更有效地服务于导演的意图，而非反过来。这本书的视野开阔，格局宏大，读起来很有“史诗感”，让你觉得你正在学习的不仅仅是操作指南，而是一门视觉艺术的完整学问。

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初读这本书时，最大的感受就是作者的“实战”精神，几乎没有冗长空泛的理论铺陈，而是直击痛点，解决实际拍摄中遇到的难题。我特别喜欢其中关于“运动镜头设计”的章节，那部分内容几乎就是一本微型的导演手册。作者没有停留在摇臂、斯坦尼康这些设备的机械操作上，而是深入分析了不同运动轨迹对观众心理的影响——比如，一段快速上升的俯拍镜头是如何暗示权力转移的，或者一段跟随人物快速移动的跟拍如何制造紧张感。书中还提供了一个非常实用的“镜头语言速查表”，将常见的运镜方式与它们能传达的情感标签直接对应起来，这对于现场快速决策至关重要，避免了在混乱的片场中手忙脚乱。此外，他对“声音设计”在视觉叙事中的辅助作用也有独到的见解，尽管主题是视觉，但作者并未忽视声场的构建，他强调声音是如何“锚定”画面的空间感的，这一点在很多同类书籍中是被忽略的。总而言之，这本书的实用性极强，它教会你如何“思考”镜头，而不是简单地“操作”机器，内容密度非常高，每一页都值得反复揣摩。

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