Art for Art's Sake

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出版者:Kessinger Publishing
作者:John C. Van Dyke
出品人:
页数:312
译者:
出版时间:2005-04
价格:USD 30.95
装帧:Paperback
isbn号码:9781417918836
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 唯美主义
  • 艺术哲学
  • 审美
  • 文化
  • 文学
  • 艺术史
  • 批评
  • 英美文学
  • 浪漫主义
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具体描述

1914. Seven university lectures on the technical beauties of painting. The lectures included in this volume were delivered to students of Princeton College, Columbia College and Rutgers College. Van Dyke writes that modern painting is so largely a matter of taste that no one, not even an artist, is allowed to dogmatize about it, or lay down arbitrary rules for its production. Sometimes a candid statement of one's view or preference helps others to a better understanding or a keener enjoyment, which is his intent with the publication of this book. See other titles by this author available from Kessinger Publishing.

《艺术为艺术而艺术》 这是一部探讨艺术本质及其独立价值的深度之作。本书并非罗列某位具体艺术家或某一特定艺术流派的作品,而是将目光投向艺术本身,审视其存在的理由、发展的动力以及其在人类文明中的独特地位。作者以敏锐的洞察力和深邃的思考,剥离了艺术附加的实用性、道德性或教育性外衣,直抵艺术核心,旨在揭示“为什么存在艺术”以及“艺术为何值得我们如此珍视”这一根本性问题。 本书的论述并非空洞的哲学思辨,而是建立在对艺术史、美学理论以及人类心理学的广泛考察之上。作者深入分析了从古希腊的和谐之美,到文艺复兴时期对人性的讴歌,再到现代主义艺术对形式与观念的颠覆,以及当代艺术的多元探索,试图勾勒出艺术在不同时代背景下,如何始终保持其自律性和生命力。通过对不同文化、不同历史时期艺术现象的比较与分析,本书揭示了艺术作为一种普适的人类活动,其核心驱动力往往超越了具体的社会功能。 书中,作者着重探讨了“形式美”的概念,并追溯了其在艺术发展中的重要作用。它不仅仅是视觉上的愉悦,更是艺术家组织材料、塑造情感、表达思想的手段。本书会仔细剖析艺术家如何在色彩、线条、构图、音律、节奏等方面进行精妙的运用,以达到一种纯粹的审美体验。这种体验,独立于故事的叙述、道德的评判,甚至知识的传递,而是直接作用于人的感官与心灵,唤醒内在的情感共鸣。 此外,本书还对“趣味”和“鉴赏力”进行了深入的探讨。艺术的价值,很大程度上体现在其能否引发观者的共鸣,激起观者的思考,甚至挑战观者的认知。作者认为,真正的艺术欣赏,是一种积极的、互动的过程,它需要观者具备一定的鉴赏能力,能够理解和欣赏艺术的内在逻辑和情感表达。本书会引导读者如何培养这种能力,如何超越表面的浮华,去感受艺术作品背后隐藏的深刻内涵和艺术家所传递的独特“情趣”。 本书的另一重要章节,聚焦于艺术的“纯粹性”与“独立性”。作者认为,当艺术被要求服务于政治宣传、宗教教义、商业推广,或者仅仅是为了迎合大众口味时,其独特的价值便会被稀释,甚至消解。真正的艺术,其首要目标是对自身形式和情感的探索与表达,是一种精神上的自由追求。本书将通过大量的艺术史案例,说明那些被后世奉为经典的艺术作品,往往是在不受外界过多干扰的情况下,艺术家们对艺术语言自身的深度挖掘和突破。 《艺术为艺术而艺术》并非一本简单的艺术史教科书,也不是一本如何创作的指南。它更像是一场关于艺术本质的对话,一场关于我们为何需要艺术、如何与艺术建立更深层联系的哲学之旅。本书鼓励读者以一种更加开放、更加纯粹的心态去面对艺术,去发现艺术隐藏在日常之外的独特魅力,去理解艺术作为一种独立的精神活动,所能带给我们的最深刻的慰藉和启迪。它会激发你对艺术的热爱,并提供一套理解艺术的全新视角,让你在未来的艺术体验中,获得更丰富、更深刻的感受。

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读后感

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用户评价

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这本书的“氛围营造”达到了一个近乎令人窒息的程度,它成功地构建了一个自洽的、充满隐喻的微观宇宙。这个世界里的每一个物件、每一次对话,似乎都承载着比表面意义更深一层的密码。我花了大量时间在揣摩那些反复出现的象征物——比如特定的颜色、某种气味、重复出现的手势——它们像音乐中的固定主题,在不同的场景中变奏,构建起一种潜意识层面的共鸣。这使得阅读过程变成了一种主动的解谜活动,每一次“顿悟”都带来了极大的智力满足感。然而,这种对符号的过度依赖,也意味着这本书的阅读门槛相当高。如果读者错过了某个关键的隐喻线索,接下来的理解可能会出现偏差,甚至完全错失作者设置的精妙布局。它要求读者带着高度的专注力和一定的文学背景去参与,否则很容易被淹没在它华丽而复杂的象征迷宫之中。

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这部作品的叙事节奏如同一次漫长的、精心编排的歌剧,每一个转折都充满了戏剧性的张力。作者似乎并不急于将情节推向高潮,而是沉浸于对人物内心世界的细致描摹之中,那种对细微情感波动的捕捉能力,简直令人叹为观止。我尤其欣赏书中对光影的运用,文字构建的画面感极其强烈,仿佛每一页都印着一幅精心打磨的油画。举例来说,在描述主角雨夜独坐在咖啡馆的那一幕,那种湿漉漉的、带着霉味的空气仿佛真的能穿透纸面直达读者的鼻腔。然而,这种对氛围的极致追求,有时也使得故事的主线略显模糊,偶尔会让人在繁复的枝蔓中迷失方向,需要花费额外的精力去重新定位叙事焦点。总体而言,它更像是一次对美学体验的深度探索,而非纯粹的故事情节驱动。它挑战了我们对传统小说结构的认知,用一种近乎意识流的方式,带领读者进入一个由感官和情绪主导的复杂空间。对于追求纯粹情节的读者来说,这或许会是一种考验,但对于热衷于文学质感和氛围营造的爱好者,这无疑是一场丰盛的精神盛宴。

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这本书的语言风格极其大胆、充满实验性。我很少见到有作者能如此频繁地在不同叙事口吻间进行切换,并且每一次切换都像是更换了一副全新的眼镜来看待世界。有时是极其古典、庄严的散文体,充满了对古典文学典故的引用;转而下一段,又变成了充满俚语和跳跃性思维的现代白话,这种强烈的“拼贴”效果,制造了一种后现代的破碎美感。这种不稳定的语态,成功地模拟了信息过载时代下个体认知的不确定性。不过,这种风格上的自由奔放也带来了一个小小的副作用,那就是人物形象的塑造有时显得不够稳定。不同章节中,同一个角色的内在逻辑似乎会因为叙事焦点的转移而发生微妙的偏移,这让我在试图建立对主要人物的稳定情感连接时略感困难。它更像是一系列闪光的片段集合,而非一条平滑流动的河流,需要读者自己去修补那些被故意留下的空白。

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阅读体验上,这本书给我一种强烈的“疏离感”,但这种疏离并非贬义,而是指作者在处理宏大主题时所展现出的一种超然和冷静。它没有刻意煽动读者的情绪,而是像一个冷峻的旁观者,记录下人类在特定社会结构下的运作轨迹。书中对于权力结构和阶层固化的探讨是极其尖锐和深刻的,那种近乎冰冷的逻辑推演,让人在阅读时不得不进行深层次的反思。我特别关注了其中关于“符号价值”的那几章,作者对现代消费主义下符号异化的剖析,精准得像是外科手术刀。他没有给出明确的答案或道德评判,只是将事实摆在那里,让读者自己去感受其中的荒谬与悲哀。这种克制感,使得最终的爆发力更为惊人,因为它不是被强加的,而是从逻辑的尽头自然涌现出来的。这部书对那些习惯于快速阅读和即时满足的读者来说,可能会显得有些晦涩和沉重,但若能沉下心来,它所提供的思想回响是久久不散的。

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从结构上看,作者似乎在故意挑战读者的耐心和期待。故事的主体部分进展缓慢得令人发指,大量的篇幅被用于对次要场景和边缘人物的侧写。起初我感到不耐烦,觉得这是一种冗余,但读到后三分之一时,我开始领悟到这种“慢”的哲学意义——它迫使你放慢自己的思维速度,去关注那些在日常生活中我们常常忽略的背景噪音。那些看似不重要的细节,最终都像精密的齿轮一样,在关键时刻咬合,推动了最终那个出乎意料却又合乎情理的结局。这种对“慢”的艺术运用,在我阅读过的当代小说中是罕见的。它不是那种故作深沉的拖沓,而是对时间感本身的哲学探讨。它让你重新审视“重要性”的定义,教会你欣赏那些在主流叙事之外静静存在的“无用之美”。

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