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出版者:蓝天

作者:孙海波

出品人:

页数:116

译者:

出版时间:2002-1

价格:12.80元

装帧:

isbn号码:9787801582584

丛书系列:

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弦歌漫步：当代流行音乐的指弹精粹与和声探索 书籍简介： 《弦歌漫步：当代流行音乐的指弹精粹与和声探索》是一本深度剖析现代流行音乐和声结构、旋律构建以及吉他演奏技巧的专业教程。本书旨在为具有一定吉他基础，渴望突破传统和弦框架、深入理解流行歌曲“灵魂”的进阶学习者提供一套系统、前沿的学习路径。我们摒弃了市面上常见的简单和弦谱罗列，转而聚焦于音乐的本质——如何在指尖上重塑声音的色彩与情感张力。 第一部分：现代和声的语境重建 (Contextual Rebuilding of Modern Harmony) 本部分是全书的理论基石，我们将重新审视和声学在当代流行音乐中的应用。 第一章：超越基础三和弦的色彩革命 引言： 流行音乐的和声发展史与功能和声的局限性。 九和弦、十一和弦、十三和弦的精细运用： 详细解析这些添加音（Tensions）如何为简单的和弦增添“爵士味”和“情绪深度”。我们将深入探讨add9、sus2与add2的区别，以及如何通过改变高音区（Voicing）来塑造不同的听感。 借用和弦（Borrowed Chords）与替代和弦（Substitution）： 重点分析从近关系调（Relative Minor/Major）借用和弦的手法，例如如何用bVImaj7或bII7制造戏剧性的色彩转换。着重讲解Tritone Substitution在流行乐中的实用化，以及如何用它来平滑地连接功能不相近的和弦。 模态互换（Modal Interchange）的现场应用： 探讨多利安（Dorian）、弗里吉亚（Phrygian）等调式色彩如何渗透到主流流行乐中，比如如何用Dorian的11音来营造“梦幻”或“忧郁”的氛围，而不是简单地停留在自然大调或小调。 第二章：节奏律动与切分音的布局艺术 节奏型而非鼓点的跟随： 本章强调吉他手在律动中的核心作用。分析Funk、R&B以及拉丁节奏（Bossa Nova/Samba）的切分点如何影响和弦的“重音”落在哪个音上。 隐性切分与预置重音（Anticipation）： 探讨如何通过提前弹奏下一个和弦的某些音，或推迟弹奏当前和弦的根音，来制造紧张感和驱动力。 复合拍号的感知与应用（如7/8或5/4在流行歌中的“伪装”）： 介绍如何将复杂的拍号“隐藏”在常规的4/4框架下，通过和弦的划分和旋律的布局，为歌曲增加独特的律动骨架。 第二部分：指弹技法的深度挖掘与风格迁移 (Fingerstyle Depth and Stylistic Transfer) 本部分聚焦于如何将丰富的和声语言通过精巧的指法转化为富有表现力的独奏或伴奏。 第三章：现代指弹的“分离”技术 旋律线与低音线的独立运作： 详细阐述如何在演奏中确保主旋律始终清晰地“浮现”于复杂的和声背景之上。对比传统固定指法与动态指法的优劣。 琶音分解的几何学： 不再是简单的上下行琶音，而是学习如何根据和弦的内在结构（如3度、4度堆叠）设计不对称的琶音路径，以突出特定的延伸音。 拨片与手指的融合策略（Hybrid Picking）： 深入探讨如何将拨片（Pick）的力量感与手指的柔韧性结合，尤其在需要快速切换和弦与分解时，如何保持音色的统一性和动态范围。 第四章：风格化演奏的语汇库 乡村指弹（Travis Picking）的现代变种： 分析当代蓝草和乡村音乐中，如何利用更复杂的和弦色彩（如Maj7和Sus和弦）来替代传统的蓝调和弦，并保持其标志性的“行走低音”。 指弹中的打击乐元素（Percussive Techniques）： 专注于“Slap”和“Tap”技巧，但强调它们必须服务于音乐结构，而非单纯的炫技。讲解如何将鼓刷（Brush）的扫弦效果用指尖模拟，以增强歌曲的动态层次。 布鲁斯/摇滚即兴中的音阶外音色捕捉： 如何在C大调的背景下，巧妙地引入降E音（bVI）或升G音（IV），使其听起来像是深思熟虑的色彩点缀，而非错误。 第三部分：录音室实践与声音塑形 (Studio Practice and Sonic Sculpting) 本部分探讨如何将现场演奏的技巧转化为录音室中具有专业水准的声音成品。 第五章：拾音与空间感的营造 麦克风的摆位哲学： 探讨不同类型吉他（箱琴、尼龙弦、电吉他）拾音时，12品、琴桥和音孔附近的声音特性差异。强调A/B立体声拾音法在捕捉指弹动态范围中的关键作用。 动态压缩的艺术： 如何使用压缩器（Compressor）来“雕刻”指弹的动态，使其既有穿透力，又不牺牲演奏的细微变化。详细解析Attack和Release参数如何影响拨弦的“瞬态”（Transient）。 混响与延迟的时间选择： 讲解如何根据歌曲的BPM和调性，选择匹配的混响时间（Decay Time）和延迟反馈，以创造出“空气感”和“深度”，而不是让声音变得模糊不清。例如，如何用短板式混响（Plate Reverb）来强调切分音的清晰度。 第六章：即兴创作与个人风格的提炼 主题变奏法（Theme and Variation）的实用指南： 从一个简单的四小节旋律出发，演示如何运用前述的和声和指法技巧，逐步增加复杂性和情感张力，最终形成完整的即兴段落。 “留白”的哲学： 强调沉默在音乐叙事中的重要性。分析优秀吉他手何时选择“不弹”，以及这种选择如何服务于歌曲整体的呼吸感。 建立个人“音色签名”： 总结前五章的所有技术元素，引导学习者识别哪些技巧最能代表自己的声音，并制定长期练习计划，将技术转化为本能的音乐表达。 结语： 本书提供的是一套思维工具，而非一套公式。掌握这些工具，您将能够不再满足于模仿他人弹奏的乐谱，而是有能力去解构、重组、创造出属于您自己声音的流行音乐语汇。每一次拨弦，都应是您对音乐故事的深思熟虑后的回应。

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这本书的叙事方式真是太独特了，它不像教科书那样干巴巴地罗列知识点，反而更像是一部音乐家的个人成长史。作者在讲述每一个技巧时，都会穿插一段与这个技巧相关的个人经历或者某个传奇吉他手的轶事。比如，讲到连复段的编写时，作者竟然引用了某位爵士大师年轻时为了创作一个简单旋律而苦思冥想一周的往事。这种“故事化教学”的模式，极大地激发了我学习的动力。我过去总觉得乐理枯燥，但这本书里对和声进行的处理，简直像在解读一幅色彩斑斓的油画。它不是简单告诉你“三级和弦接六级和弦”，而是解释了这种进行为什么能带来那种“归属感”或者“略带忧郁的色彩”。更妙的是，书中还涉及了对不同木材吉他音色的细微差别分析，从云杉到玫瑰木，那种对声音质感的极致追求，让这本书从一本“技术手册”升华为一本“品味指南”。我甚至开始关注起拾音器和音箱的搭配对最终音色的影响，这种触类旁通的感觉非常棒。对于那些追求高品质演奏效果的吉他手来说，这本书提供的审美层面的指导价值，甚至超越了技术本身。

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说实话，我最开始是被它对“即兴创作”的讲解吸引的。市面上很多教材都把即兴视为一种遥不可及的天赋，但这本书却将其解构为一系列可以被掌握的“工具箱”。它花了很大篇幅介绍了如何利用“调式音阶”的色彩来瞬间改变歌曲的情绪走向。比如，在标准的C大调进行中，巧妙地插入一个“弗里吉亚（Phrygian）调式”的音符，瞬间就能营造出那种异域风情或戏剧性的张力。作者在讲解这些进阶内容时，非常强调“聆听”的重要性，他反复提醒读者，所有的技巧都是为人声和旋律服务的，不能为了炫技而炫技。书中提供的练习范例也非常实用，它们不是那种孤立的音阶爬行，而是直接对应到流行乐、民谣、乡村乐等不同曲风的实际应用场景中。我尝试着用书里教的方法，对着一首老歌进行了一次简单的Solo尝试，虽然还很青涩，但我清晰地感受到了自己的思路不再是“乱弹”，而是有章可循地在“对话”着旋律。这种把抽象的音乐理论落地到具体演奏中的能力，是这本书最让我称道的地方。

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这本书的封面设计实在是太抓人眼球了，那种复古的胶片质感，配上几把线条流畅的吉他剪影，一下子就把我带回了那个经典的音乐年代。我原本以为这会是一本很传统的指法教程，没想到内容广度这么惊人。它从最基础的C调和弦按法开始讲起，那种耐心细致的讲解，连我这种“手残党”都能很快上手。但它并没有止步于此，深入的部分更是让人眼前一亮。比如，它对不同时期布鲁斯推弦技巧的分析，简直像一位资深乐手在手把手地传授秘籍。特别是讲解到一些复杂的伴奏型时，作者居然能用非常生活化的比喻来解释乐理概念，比如把琶音比作水滴落在平静的湖面上，一下子就明白了那种连贯性和层次感。我印象最深的是关于“扫弦的力度控制”那一章，它详细剖析了如何通过拨片的不同角度和力度变化，来营造出从轻柔抒情到狂野摇滚的完全不同的听感。这本书的排版也非常人性化，大量的图例和慢速的示范片段（虽然是文字描述，但意境十足），让人感觉不是在“学习”，而是在和一位良师益友一起“玩”音乐。对于想要系统提升弹唱表现力的爱好者来说，这简直是一座宝库，我感觉自己仿佛拥有了一把能唱出灵魂的吉他。

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这本书的装帧质量和印刷清晰度简直是业界良心。内页采用了不反光的哑光纸，即使在强光下看谱子，眼睛也不会感到疲劳。更重要的是，那些复杂的指板图和节奏型谱例，线条粗细分明，根本不用担心看错指位。我以前买过几本国外的教材，翻译过来后很多术语都晦涩难懂，但这本显然是本土创作者的心血，所有的术语都非常地道和易于理解。特别是书中关于“节奏型变奏”的部分，简直是为那些想让自己的弹唱听起来不那么“死板”的朋友量身定做的。它不只是教你扫A、B、C三种节奏，而是教你如何在B节奏的基础上，通过增加或减少一次闷音（Mute）来创造出全新的律动感。书中对不同拍号下重音分配的讨论也极其深刻，让人明白为什么有些简单的旋律却能让人跟着摇摆，那完全是节奏的魔力在起作用。总而言之，这是一本可以放在床头，随时翻阅并能从中获得新灵感的“工具书”，它的实用性和耐读性都达到了一个很高的平衡点。

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让我印象最深刻的是，这本书似乎对“声音的呼吸感”有着近乎偏执的关注。它花了相当大的篇幅来讨论如何在吉他演奏中模拟人声的吐气和换气。作者认为，好的弹唱不仅仅是手指的机械运动，更是气流在乐器上的流淌。例如，在讲解连音（Legato）技巧时，他建议练习者在心中想象着自己是如何悠长地吐出一口气来唱出那句旋律的，然后用左手的按压和释放来模仿这种“气息的起伏”。这种将身体感和音乐表达紧密结合的理念，对我这种偏爱抒情风格的弹唱者来说，简直是醍醐灌顶。它让我明白了为什么自己的演奏听起来总是“平”的，缺乏情感的张力。此外，书中还收录了一些非常稀有的传统民谣的伴奏和声编排，这些内容在其他主流教材中是极少见的，它们带着浓郁的历史沉淀感，让人在学习技巧的同时，也能感受到音乐文化的厚重。这本书不仅仅是关于如何弹奏吉他，更是关于如何用吉他“讲故事”，如何让冰冷的琴弦发出有温度的声音，非常值得细细品味和钻研。

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