中国美术全集 绘画编14,15 敦煌壁画(上)(下) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术出版社

作者:段文杰

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-07-01

价格:280.0

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isbn号码:9787532200368

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中国古代绘画史纲要：从史前岩画到清末民初的艺术变迁 本书将带领读者穿越数千年的历史长河，系统梳理中国绘画艺术的演变脉络、风格流派、重要代表人物及其作品背后的文化意蕴。 本书旨在提供一部全面而深入的中国古代绘画通史，聚焦于绘画本体的发展规律、不同历史时期的审美取向，以及图像叙事方式的革新。我们避开了对单一朝代或地域的过度偏重，力求在宏观的历史框架下，展现中国绘画艺术自萌芽至成熟，再至近代转型的完整图景。 第一编：曙光与奠基（史前至汉魏） 本篇追溯中国绘画的源头。从旧石器时代的岩画遗迹，如山西芮城、内蒙古等地的狩猎场景描绘，展现早期人类对自然力量的敬畏与模仿，探讨符号性表达到具象描绘的初始阶段。进入新石器时代，彩陶上的几何纹饰与具象图案，如马家窑文化的舞蹈纹，揭示了原始社会审美意识的觉醒。 夏商周三代，绘画逐渐脱离纯粹的实用功能，服务于宗教、祭祀与王权。重点分析青铜器上的宴乐、征战纹饰，以及墓葬壁画的初现端倪。 秦汉时期，政治与思想的整合推动了绘画的规范化。本编将详细梳理汉代画像石、画像砖上的题材，如“升仙图”、“孝子图”、“宴乐图”，分析其叙事性布局和线条的稚拙力量。同时，探讨魏晋时期对“骨法用笔”理论的早期探索，以及知识分子阶层如何开始将绘画视为“言志”的载体。 第二编：自觉与高峰（魏晋南北朝至隋唐） 这是中国绘画史上一个至关重要的转型期。魏晋时期，玄学盛行，艺术的主体性意识得到空前强化。本篇重点介绍顾恺之的理论贡献（如“传神论”）和作品风格，分析其如何确立线条在造型中的主导地位。南北朝时期，佛教艺术的兴盛，对绘画技法，特别是对人物动态和衣纹处理产生了深刻影响，形成了南北不同的地域风格倾向。 隋唐五代，国力鼎盛，文化兼容并蓄，绘画迎来了第一个全盛期。唐代绘画的特点在于宏大叙事、色彩的富丽堂皇和世俗题材的丰富。本编将深入剖析： 1. 宗教画的巅峰： 探讨唐代寺观壁画（如莫高窟部分早期洞窟、克孜尔等地的影响）的成熟模式，以及吴道子“吴带当风”的笔法，和金碧山水的装饰性风格。 2. 人物画的典范： 重点分析周昉的“丰腴”之美，展现盛唐贵族生活的景象，以及韩干的“双照入神”对马匹的描绘。 3. 山水画的勃兴： 论述李思训、李昭道的青绿山水如何成为官方主流，并初步探讨王维创立的水墨山水，及其与禅宗思想的关联。 第三编：文人画的兴起与院体风格的确立（宋代） 宋代是中国绘画史上的另一个高峰，其核心特征是“重理学，尚意趣”，绘画理念更加成熟和内化。 本篇将分为两条主线： 1. 院体绘画的精微写实： 聚焦北宋翰林图画院的体制与成就。分析徽宗朝对“格物致知”的推崇如何促成花鸟画的“院体写生”达到极致，如赵佶的《芙蓉锦鸡图》。同时，探讨范宽、郭熙如何将山水画推向“全景式”的哲思高度，尤其关注“咫尺千里”的构图法则。 2. 文人画的自觉与发展： 深入解析苏轼、米芾等文人对“意在笔先”的提倡，以及他们对“士气”的追求。研究米家山水的“皴法革命”，即用“点皴”来表现烟岚气象，标志着以笔墨趣味为核心的绘画语言体系正式确立。 南宋时期，面对偏安的局势，绘画风格转向内敛、抒情与侧重局部。本编将阐述马远、夏圭如何发展出“边角式”的构图，以及梁楷“减笔”写意对后世的巨大影响。 第四编：多元化与技法深化（元、明、清） 元代： 随着蒙古人的统治，传统士人阶层寻求精神寄托，文人画彻底成为主流。本篇将详述“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术主张，分析他们如何将笔墨语言提升到与文学、书法同等的地位，并探讨赵孟頫对晋唐笔法的“复古”与“正源”的定位。 明代： 绘画艺术呈现出明显的学院派与文人派的对立与融合。 1. 浙派与院体： 探讨以戴进、吴伟为代表的浙派，继承南宋院体，但笔法更趋奔放、粗犷的风格。 2. 文人画的主导： 重点分析“吴门画派”的繁盛，如沈周、文徵明对元代传统的继承与发展，以及唐寅、仇英各自侧重的不同面向（人物与仕女）。 3. 晚明的新变： 探讨董其昌的“南北宗论”如何影响后世对绘画史的评判体系，并分析徐渭等人的狂放不羁，为明末写意画注入了强烈的个人情感色彩。 清代： 统治的稳定带来了艺术的保守与学院派的复兴，但同时也催生了对既有规范的反思与突破。 1. 正统与学院： 论述“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何通过对前代大师作品的“临仿”与“集古”来构建官方认可的绘画范式，体现出对“笔墨”本体的极度关注。 2. 革新的力量： 探讨“金陵画派”（如龚贤）在笔墨应用上的探索，以及“扬州八怪”（如石涛、八大山人）对传统程式的颠覆。特别是石涛的“一画论”，强调主观创造力对物象的绝对支配，为近现代绘画思潮埋下了伏笔。 本书结尾将简要概述清末民初，在西方艺术冲击下，中国画向现代转型的艰难探索历程，为读者建立起一个连贯、全面的中国绘画艺术史认知体系。本书的每一章，都致力于在对具体作品的细致分析中，揭示其背后的时代精神与美学追求。

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坦率地说，作为一名长期关注中国传统艺术的爱好者，我寻找过许多关于敦煌的图册，但鲜有能像这套书一样，在“震撼力”和“信息量”之间找到如此精妙的平衡点。那些色彩鲜活、细节丰富的画面，极大地满足了我对“视觉盛宴”的期待，每一次翻阅都能发现新的妙处，那些深藏在壁画角落里的小故事和被忽略的装饰纹样，如今都清晰地呈现在眼前。我甚至会特意留出大块时间，只是对着某一幅全景图进行沉思，去感受那份跨越千年的宁静与壮阔。这本书的出版，对于任何想要系统性了解或研究中国古代佛教艺术的藏家、学者或普通爱好者来说，都是一个不可或缺的案头工具，其价值远超其作为一本“画册”的范畴。

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如果说印刷和内容是骨架，那么编排和配文就是赋予这套作品灵魂的血肉。我注意到这套画册在版式设计上是极具巧思的，它没有采用那种平铺直叙的罗列方式，而是根据不同的主题、朝代风格或者窟室特点进行了细致的划分和组织。这种结构化的呈现，极大地帮助了我梳理敦煌艺术的演变脉络。更难能可贵的是，即便它主要以图版为主，但穿插其中的专业注释和简短的导读文字，总能在关键时刻点醒迷津，提供了理解壁画背后文化背景的钥匙。这种平衡感拿捏得非常好，既没有因过度解读而削弱了图像本身的冲击力，又确保了读者在欣赏之余，能获得必要的知识支撑。它体现了极高的学术素养与大众普及意愿的完美结合。

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初翻这套书，最让我心头一震的是那种扑面而来的宗教叙事力量。它不仅仅是精美的图录，更像是一部无声的佛教经典史诗。我被那些连环画式的本生故事深深吸引，每一组图像的转折、每一个人物的眼神和姿态，都蕴含着深刻的寓意和教化功能。不同于在博物馆隔着玻璃或在小型画册上观看的感受，这里的尺寸和布局，使得我能够真正沉浸到壁画的宏大叙事结构中去。特别是对那些气势恢宏的经变故事的处理，那种繁复的人物关系和空间层次感，通过这种精印的画册，被有效地“解构”和重组了，让非专业人士也能顺畅地理解其叙事脉络。这套书在图像的选择上显然是经过了深思熟虑，兼顾了艺术价值与文献价值。

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这套画册的装帧和印刷质量确实让人眼前一亮，纸张的厚实度和色彩的还原度都达到了专业级别的水准。拿到手上就能感觉到那种沉甸甸的分量，这对于收藏者来说无疑是一个极大的加分项。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，每一幅壁画的局部放大图都清晰可见，那些千年风霜留下的笔触痕迹、矿物颜料的微妙过渡，都仿佛触手可及。这让我在翻阅时，不仅仅是在看一幅幅古代的艺术品，更像是在进行一次穿越时空的对话，去感受当年画师们倾注的虔诚与技艺。那种对艺术原貌的尊重，使得即便是没有去过敦煌的读者，也能获得一种身临其境的视觉震撼。整体来看，它在硬件上的投入，完美地衬托了所收录内容的重量级地位。

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从艺术史的角度审视，这套书无疑是一部里程碑式的整理工作。我惊喜地发现其中收录了一些早期勘探资料中模糊不清或者后来有所损毁的图像的清晰版本，这对于研究敦煌艺术在不同历史时期的面貌变化，提供了极其宝贵的视觉证据。特别是对于那些人物造型的细节特写，例如飞天、供养人、力士的衣饰和面部表情的处理，展现了从十六国到元代，中原文化与西域文化交融渗透的微妙过程。欣赏这些细节，我仿佛能追踪到不同时期画工的笔法差异——初期的古朴雄健，盛唐的圆润饱满，晚期的拘谨内敛。它不仅是“看画”，更是“读史”，是直接面对历史文本的震撼体验。

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妈的！！！！！图书馆居然有上卷没下卷！！！！！！！去屎！！！！！！QAQ，美哭了，不想还书！！！抱着睡觉！！！

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颜色印刷真心不想吐槽 上还好 下整的偏绿

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