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出版者:武汉理工大学出版社(武汉工业大学)

作者:杨清 编

出品人:

页数:124

译者:

出版时间:2004-12

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787562921578

丛书系列:

图书标签:

• 上挂加厚的阿克苏
• 音乐剧
• 戏剧
• 表演艺术
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• 实践教学
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• 表演

《舞台光影：戏剧创作的理论与技法》 一部深入剖析戏剧艺术核心的权威指南 本书旨在为戏剧爱好者、舞台实践者以及艺术院校的师生提供一套全面而深刻的理论框架与实践指导，聚焦于戏剧创作的各个关键环节。它并非简单罗列历史事件或剧目分析，而是着重于“如何创作出引人入胜的戏剧作品”这一核心命题，深入挖掘戏剧结构、人物塑造、舞台呈现的内在逻辑与技巧。 第一部分：戏剧的本质与结构的解构 本部分从哲学与美学的角度探讨戏剧艺术的独特魅力及其在人类文化中的定位。我们审视戏剧如何通过在场性（Presence）与时间性（Temporality）来激活文本，并探讨不同文化背景下戏剧形态的演变，例如古希腊悲剧的祭祀功能、莎士比亚戏剧的市民阶层视角，直至现代主义对线性叙事的颠覆。 核心章节聚焦于戏剧结构： 经典三幕式结构的深度解析： 不仅是情节的推进，更深入探讨每一幕在人物弧光、冲突升级中的功能性作用。我们详细剖析了“激励事件”（Inciting Incident）、“中点转折”（Midpoint Reversal）和“高潮”（Climax）在构建叙事张力中的精妙平衡。 非线性叙事与碎片化结构： 面对当代观众的审美习惯，本书探讨了如何运用倒叙、多视角叙事、蒙太奇手法来构建复杂而富有层次感的戏剧体验。这部分包含了对布莱希特“疏离效应”（Verfremdungseffekt）在结构运用上的深入研究。 场景的内在逻辑： 场景不仅仅是情节的片段，更是冲突的最小单元。我们将场景分解为“意图-障碍-结果”的动态链条，教授读者如何确保每一个场景都推动剧情发展，而非仅仅是信息堆砌。 第二部分：人物的生命力与深度塑造 戏剧的灵魂在于人物。本书将人物塑造提升到心理学和动机分析的高度，引导创作者跳出“功能性角色”的窠臼，构建出具有复杂性、内在矛盾和可信生命轨迹的角色。 动机的层级分析： 人物行为背后的驱动力是多层次的。我们区分了“表层欲望”（Want）、“深层需求”（Need）和“潜意识驱动”（Subconscious Drive）。一个成功的角色必须在这三个层面展现出张力。 人物弧光（Character Arc）的设计： 人物弧光并非简单的“变好”或“变坏”，而是关于“认知转变”的过程。本书提供了一套识别角色“核心谎言”（The Core Lie）的方法，并指导如何通过戏剧冲突来瓦解这一谎言，实现角色的真正成长或彻底的毁灭。 对话的艺术： 对话是人物思想的直接载体。我们详细研究了“潜台词”（Subtext）的构建——角色“说了什么”与“真正想表达什么”之间的间隙。这部分包含了对节奏、韵律、以及如何利用语言风格（Dialect/Idiolect）来区分不同人物的方法论。 第三部分：舞台空间的诗学与技术整合 戏剧不仅是文字，更是空间、光影和身体的综合艺术。本部分将焦点从剧本转向了将文字转化为舞台实景的技术层面。 空间叙事： 舞台空间如何成为人物情感的延伸？我们分析了“镜框式舞台”、“伸展式舞台”和“黑箱剧场”在叙事功能上的差异，并探讨了如何通过布景的抽象化或具象化来引导观众的心理预期。 光影的心理学： 灯光设计不再是照明工具，而是情感的渲染剂。本书详细阐述了如何运用色温、角度、光束的硬度来暗示时间流逝、烘托人物心境，以及如何利用“失明”（Blackout）和“聚焦”（Spotlight）来控制观众的注意力焦点。 身体语言的语汇： 探讨了非语言交流在戏剧中的重要性。从体态、姿势到舞台调度（Blocking），我们提供了一套系统的方法来确保演员的身体动作与角色的内心世界保持一致，并能有效地在舞台上创造出视觉上的节奏感和平衡感。 第四部分：排练过程的科学与直觉 成功的演出源于高效且富有洞察力的排练过程。本部分致力于搭建剧作家、导演与演员之间的沟通桥梁。 剧本分析的深度方法： 教授创作者如何进行“热点分析”（Identifying Hot Spots），即找出剧本中最具冲突密度和情感爆发力的段落，并将其作为排练的突破口。 导演的介入时机： 讨论导演如何在排练初期建立愿景，如何在技术排练中解决实际问题，以及如何在带妆彩排中重拾对作品的情感连接，避免过度干预导致演员僵化。 即兴作为探索工具： 强调即兴练习不只是为了娱乐，而是发现文本潜在含义和挖掘演员潜能的有效手段。书中收录了多种针对特定场景或人物关系的即兴练习范例，旨在打破创作者的思维定势。 《舞台光影：戏剧创作的理论与技法》是一本致力于提升戏剧作品深度和技术成熟度的参考书，它引导读者以一种更专业、更审慎的态度去面对舞台艺术的复杂性与无限可能性。

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这本书的结构安排非常巧妙，它并不是线性地介绍历史，而是以“主题”为核心进行模块化探讨，这使得读者可以根据自己的兴趣点自由选择阅读路径。比如，我最感兴趣的是“服装与布景的时代变迁”，这个章节对不同历史时期（从巴洛克到现代主义）的舞台视觉语言进行了对比分析，配以大量精美的跨页图例，视觉冲击力极强。不同于其他只关注表演技巧的书籍，它成功地将视觉艺术、音乐构成、空间设计这些元素整合起来，展现了一个多维度的艺术生态系统，这对于从事舞台制作或舞台美术设计的人来说，简直是一部不可多得的参考宝典。

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这本书的内容深度实在令人惊讶，作者似乎将自己对舞台艺术的理解，如同雕塑家打磨一块璞玉般细致入微地呈现了出来。我尤其欣赏其中对于“角色构建”部分的论述，它没有停留在表面地描述演员如何背台词、如何走位，而是深入探讨了演员如何通过身体语言、声音层次乃至呼吸控制来“成为”角色，那种对细节的捕捉和分析，简直是教科书级别的。读完这一章，我感觉自己对观看一场演出时的“关注点”都提升了一个档次，不再是单纯的看热闹，而是能更深层次地去品味幕后的艰辛与智慧。虽然有些理论推导略显晦涩，需要反复阅读才能消化，但这正说明了其学术价值所在，绝非泛泛之谈可以概括。

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作为一名业余爱好者，我原本以为这类书籍会充斥着我无法理解的术语和高深的理论，但这本书的叙事风格却异常的亲切。作者像是一位经验丰富的老前辈，带着我穿梭于不同的剧院后台，分享着那些光鲜亮丽的舞台背后不为人知的幕后故事。比如，关于灯光设计的章节，我以前只觉得灯光就是“亮和暗”，但书中详细解析了如何通过色温、角度和移动来营造特定的情感氛围，甚至如何用一束追光来引导观众的视线，这种“讲故事”的方式，极大地降低了专业知识的学习门槛，让我这个门外汉也能听得津津有味，感觉像是上了一堂生动有趣的公开课。

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阅读这本书的过程，更像是一场精神上的洗礼。书中那些对“艺术性坚持”与“商业考量”之间冲突的剖析，尤其让我印象深刻。作者毫不避讳地谈论了艺术创作中那些艰难的妥协与不妥协的坚守，这些真实的挣扎，远比纯粹的赞美之词更有力量。它没有给出简单的答案，而是提出了更深刻的问题，促使读者去思考：在追求极致艺术表达的道路上，创作者究竟应该如何平衡理想与现实的鸿沟？合上书本时，我感到一种久违的、对创造力的敬畏，这本书提供给我的，不仅仅是知识，更是一种面对未来创作挑战时的精神支撑和审美方向。

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这本书的装帧设计挺有意思的，封面采用了厚实的亚光纸张，触感很舒服，那种略带纹理的感觉，让人一上手就觉得这不是那种廉价的快餐读物。插图和版式设计也花了不少心思，黑白照片的排版非常讲究，有一种老电影的质感，尤其是舞台剧照部分，光影处理得很有戏剧性。不过，我个人对字体选择有点小小的意见，某些章节的字号稍微偏小，对于需要长时间阅读的人来说，眼睛会有点吃力，希望未来再版时可以考虑调整一下。整体来说，从物理形态上看，这绝对是一本值得收藏的书，放在书架上，光是看着它，就能感受到一种沉甸甸的艺术气息。翻阅过程中，能明显感觉到出版方在质感和细节上的追求，这比很多只重内容的“小白本”要强太多了，也体现了对所讨论主题的尊重。

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