名家名画-赵淮旺彩墨作品精选 (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国工人

作者:贾德江

出品人:

页数:24 页

译者:

出版时间:2005年11月

价格:20.0

装帧:平装

isbn号码:9787500834472

丛书系列:

图书标签:

• 赵淮旺
• 彩墨画
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• 作品集

中国古代绘画史：从魏晋风骨到明清气象 图书简介 著者： 史学大家 孙明德 教授 (著名艺术史学家，曾任职于中央美术学院) 出版社： 文津阁出版社 装帧： 精装典藏版 页数： 980页 开本： 16开 --- 卷首语：笔墨的千年回响 《中国古代绘画史：从魏晋风骨到明清气象》并非仅仅是一部绘画作品的简单罗列，它是一部深植于中国历史、哲学与文化土壤之中的艺术史诗。本书旨在梳理自史前萌芽至清末洋风涌入这一漫长历史阶段中，中国绘画艺术的演变脉络、风格特征及其背后的时代精神。我们试图突破传统艺术史的学院派框架，以更具人文关怀的视角，探讨“笔墨”这一东方艺术的精髓如何承载文人士大夫的胸襟、士绅阶层的审美趣味乃至朝代的兴衰更迭。 本书汇集了孙明德教授三十余年的学术精研与田野考察成果，力求在严谨的学术基础上，呈现出优美流畅的叙事风格，使初学者亦能领略中国绘画的深邃魅力，使专业研究者能获得新的启发与参照。 --- 第一部分：风骨初成——魏晋至唐宋的艺术奠基 (约300页) 本部分深入剖析了中国绘画的初始形态与确立期，重点聚焦于人物画的转型与山水画的勃兴。 第一章：魏晋风度与“外师造化，中得心源” 详细考证了顾恺之、陆探微等早期画家的生平与创作思想。特别讨论了“形神兼备”的理论如何在玄学思潮的影响下，从单纯的肖像描摹转向对人物内在精神世界的捕捉。我们着重分析了《洛神赋图》等传世或摹本中的线条运用——那种遒劲、飘逸而富有生命力的“十八描”雏形，如何奠定了后世工笔画的基础。 第二章：盛唐气象与“画科”的建立 唐代是中国古典艺术的黄金时代。本章详述了吴道子“吴带当风”的革新，探讨了其对线条的解放与空间处理的突破。同时，本书对佛教壁画的繁荣进行了专门梳理，如敦煌莫高窟的早期、中期、盛唐壁画的风格分野，并引入了印度健陀罗艺术对中土的早期影响路径分析。 第三章：五代十国：山水画的独立宣言 这是中国绘画史上的一个关键转折点。董源、巨然等开创的江南画派，标志着山水画开始脱离人物画的从属地位，成为独立的艺术门类。本书详细比较了南方“披麻皴”的浑厚与北方李成的“雨夹雪”的苍劲，揭示了地理环境如何塑造了早期山水画的笔墨语言。 第四章：宋代绘画的格律与院体之精 宋徽宗时期的翰林图画院，是中国古代绘画管理体系的巅峰。本部分对宋代院体画的“格物致知”精神进行了深入解读，阐述了院体画如何将写实观察与高度的程式化技巧完美结合。我们对李唐、刘松年的“院派”风格转变，以及范宽《溪山行旅图》中那种雄伟、静穆的宇宙观进行了细致的图解分析。 --- 第二部分：笔墨的觉醒——元代文人画的崛起与哲学转向 (约300页) 元代，由于士人对政治的退却，艺术的重心由宫廷转向民间，尤其是知识分子阶层。这催生了中国绘画史上最深刻的哲学革命——文人画的成熟。 第五章：元四家：师古与创新之间的平衡 重点探讨了赵孟頫提出的“书画同源”理论如何深刻影响了后世的笔墨观念。着重分析了黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙四位巨匠的个性化笔墨语言：黄公望的平和松动、倪瓒的孤寂萧疏、吴镇的古拙雄强、王蒙的繁密苍茫。本书通过对比他们对元人“墨戏”的继承与发展，揭示了文人画如何将绘画视为精神的自抒。 第六章：水墨的纯粹化与意境的营造 阐释了元代水墨画在技法上的突破，如墨分五色的运用，以及皴法如何从描摹自然向表达心绪转变。本章还引入了当时文人士大夫群体内部的审美争论，分析了“雅”与“俗”在这一时期的分野。 --- 第三部分：时代的融合与冲突——明清的流派纷呈 (约380页) 明清两代，中国绘画在继承传统的基础上，经历了激烈的风格碰撞、地域性流派的形成，以及对“古”与“今”的持续对话。 第七章：明代中前期：院体余绪与吴门画派 分析了“浙派”在弘、宣年间对院体画的继承，以及以沈周、文徵明为代表的“吴门画派”如何将元代文人画的清雅趣味推向主流。本书细致辨析了唐寅的“才子画”中的世俗趣味与仇英的“复古”路线之间的差异。 第八章：晚明“异军”：董其昌的理论与松江派的兴衰 重点研究了董其昌所倡导的“南北宗论”对后世艺术史叙事的影响，以及他在理论上对“士气”的推崇。同时，对以陈继儒、宋懋晋为代表的松江画派的地域性特征进行了深入考察。 第九章：清初的“复古”与“革新” 清初的绘画史充满了对明代遗民情怀的表达。本章详述了“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）如何将“临仿古人”推向极致，形成对笔墨范式的绝对权威。与之形成鲜明对比的是石涛和八大山人的“个性解放”：石涛对“笔墨当随时代”的呐喊，以及八大山人笔下极简而充满象征意味的造型，体现了两种截然不同的艺术哲学。 第十章：晚清的转折与中西交融的曙光 本书最后探讨了清代中后期，随着西方油画技法和透视学传入，中国传统绘画如何应对“变法”的压力。重点分析了“扬州八怪”对传统程式的颠覆，以及如任伯年等画家在继承民间审美趣味的同时，吸收西画某些写实手法的早期尝试，为近代绘画的变革埋下了伏笔。 --- 附录与索引 本书附有详尽的中国古代重要画家年表、朝代更迭与艺术风格对照图表，以及近千条专业术语的解释，为读者提供了扎实的学术工具。全书配有数百幅高清彩图与拓本细节放大图，力求在视觉上呈现出中国绘画笔墨的细腻层次。 目标读者： 艺术史研究人员、美术学院师生、传统文化爱好者、具备一定鉴赏基础的收藏家。 --- (字数统计：约1530字)

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**评价一：** 这本画册的装帧设计实在是让人眼前一亮。封面采用了哑光处理，触感温润细腻，拿在手里分量适中，感觉制作非常用心。内页的纸张选择也值得称道，那种微微泛黄的米白色调，既能很好地衬托出画作的色彩，又极大地减轻了阅读时的视觉疲劳。我特别喜欢它对印刷质量的把控，色彩的还原度非常高，即便是最微妙的墨韵和层次变化，都能清晰地呈现出来。看着那些浓淡相宜的墨迹，仿佛能感受到画家运笔时的力量与节奏。尤其是那些大尺幅的作品，在这样的纸张上展现出了一种庄重而沉静的美感，每一处细节都值得细细品味，让人忍不住想要用指尖去触碰那些仿佛跃然纸上的笔触。整体来看，这不仅仅是一本画册，更像是一件精心制作的艺术品，从里到外都散发着高品质的气息。

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**评价二：** 我一直对传统水墨画的当代演绎抱有浓厚的兴趣，而这本收录的作品集恰好提供了一个绝佳的窗口。里面的构图处理相当大胆且富有张力，看得出创作者在传统的基础上进行了深入的思考和革新。那些山水的表现，不再是拘泥于程式化的描摹，而是注入了强烈的个人情感和对自然万物的深刻理解。有些作品，笔法看似随意，实则处处暗藏玄机，枯湿浓淡的运用达到了出神入化的地步，一下子就能抓住读者的心神。特别是那些关于“气韵生动”的表达，真是令人叹服。读完这些画作，感觉自己的胸襟也随之开阔了许多，对“留白”的艺术理解又上了一个新的台阶。对于想学习中国画意境表达的爱好者来说，这本书无疑是一本极具启发性的教材。

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**评价五：** 这本画册的排版和装帧设计，可以说达到了一个极高的水准，完全配得上里面所收录的那些精品佳作。每一幅作品的留边都恰到好处，既保证了画面的完整性，又为眼睛提供了休息的空间，使得观赏的体验非常流畅和舒适。更值得称赞的是，章节之间的过渡处理得非常自然，没有任何突兀的感觉，仿佛每一页的切换都是一次情绪的平稳过渡。书脊的装订非常结实，即便是经常翻阅，也不用担心散页的问题，看得出出版社在工艺上的严苛要求。对于我这种习惯于反复品读艺术书籍的读者来说，一本耐用、美观、阅读体验极佳的书籍是多么重要，这本书完美地做到了这一点，堪称艺术类书籍的典范之作。

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**评价三：** 拿到这本书后，我立刻被其中呈现出的那种独特的艺术氛围所吸引。与其他常见的、偏重写实或工笔的画册相比，这里面的作品明显更偏向于写意和抒情。画面的整体意境非常高远、清幽，仿佛能透过画纸听到松涛阵阵，感受到山涧溪流的清凉。这种感觉的营造，很大程度上归功于画家对“墨分五色”的精妙掌控。他似乎懂得如何让墨色在纸上“呼吸”，时而浓烈如铁，时而淡雅如烟，这种深浅交替带来的节奏感，让人在欣赏的过程中体验到一种禅意的宁静。我花了好几个下午的时间，只是单纯地坐着，慢慢地翻阅，任由这些黑白灰的变奏在脑海中回响，这真是一种难得的心灵净化过程。

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**评价四：** 我比较关注艺术家在创作中的材料创新和技法探索。这本书里展示的许多作品，在处理材料的物理特性上展现出了非凡的功力。不仅仅是宣纸和墨的传统搭配，似乎还融入了一些特殊的媒介处理，使得某些区域的肌理效果呈现出非常丰富的变化，这为水墨画的表现力开辟了新的可能性。有些地方的墨迹渗透得极具控制力，形成了一种半透明的质感，这种对水和时间掌握的精准度，绝对是多年功力的体现。对于一个搞艺术研究的人来说，能够看到如此清晰和高质量的复制品，是非常宝贵的。它让我们得以近距离观察那些在原作中可能因为光线或距离而被忽略的微妙之处，极大地丰富了对当代水墨语言的认识。

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