视唱练耳(一) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:高等教育出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:12.0

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isbn号码:9787040037814

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《西方音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章》 图书简介 《西方音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章》是一部旨在为音乐学习者、爱好者及专业人士提供全面而深入的西方音乐发展历程的著作。本书聚焦于一个至关重要的时期——从巴洛克时代初期（约1600年）直至浪漫主义晚期（约1900年）的约三百年间，这段时期不仅确立了西方古典音乐的核心体系，更涌现了无数划时代的作曲家和不朽杰作。 本书的编写立足于严谨的学术考据，同时兼顾阅读的流畅性和知识的趣味性，力求在宏大的历史叙事与精微的风格分析之间取得完美平衡。我们相信，理解音乐作品的最佳途径，是将其置于其诞生的历史、社会、哲学及技术背景之中。 第一部分：巴洛克的回响与理性之光（约1600-1750年） 本部分深入探讨了巴洛克音乐（Baroque Music）的起源、发展及其核心特征。 一、巴洛克音乐的诞生与早期探索： 我们首先考察了音乐从文艺复兴晚期的复调传统向早期歌剧和奏鸣曲过渡的复杂过程。蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）作为“现代音乐之父”，其在戏剧性表达和调式向调性过渡中的关键作用被详尽剖析。这一时期的音乐语言，如“情感说”（Doctrine of Affections），即音乐如何通过特定的织体、节奏和和声来描绘并唤起特定情感，是本章的重点。 二、协奏曲的勃兴与器乐的成熟： 巴洛克时期是器乐的黄金时代。本书详细介绍了大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的结构演变。维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的《四季》作为协奏曲体裁的典范，其快慢快（Fast-Slow-Fast）的结构、乐队与独奏者的对话方式，以及对自然意象的音乐化处理，被作为核心案例进行分析。此外，奏鸣曲（Sonata）——包括教堂奏鸣曲（Sonata da Chiesa）和室外奏鸣曲（Sonata da Camera）的发展脉络也得到了梳理。 三、盛期巴洛克：风格的集大成者——巴赫与亨德尔： 这一章节是巴洛克部分的顶点。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的音乐被视为巴洛克对位法艺术的终极表达。本书不仅分析了《平均律钢琴曲集》中平均律调音制度的推广意义，更深入探讨了赋格（Fugue）这一最复杂的对位形式的结构逻辑，如主题的呈示、展开、插入段的编排，以及其所蕴含的数学般精确的美感。对于《马太受难曲》等大型声乐作品中，巴赫如何将精妙的对位技巧服务于宗教叙事和情感深度，也进行了细致的解读。 乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）则代表了巴洛克音乐的公共性与戏剧性。本书重点分析了亨德尔歌剧的“大咏叹调”结构（Da Capo Aria, ABA'），以及其清唱剧（Oratorio）的宏大叙事能力，特别是《弥赛亚》中合唱部分如何以其磅礴的气势和清晰的宣叙调推进情节，成为英格兰音乐文化的象征。 第二部分：古典主义的典范与清晰的逻辑（约1750-1820年） 随着启蒙运动的兴起和宫廷赞助模式的转变，音乐风格开始转向追求清晰、平衡、简洁和普适性，催生了古典主义（Classical Era）。 一、从洛可可到古典风格的过渡： 本章探讨了“前古典时期”（Pre-Classical Era）的流派，如“敏感风格”（Empfindsamer Stil）和“斯塔姆与狂飙”（Sturm und Drang）运动对海顿、莫扎特音乐的先导作用。加尔德纳的“旋律的优美”如何取代巴洛克的“持续低音”成为音乐的中心。 二、奏鸣曲式：古典结构的基石： 奏鸣曲式（Sonata Form）的结构（呈示部、展开部、再现部）被视为古典主义音乐思维的逻辑体现。本书通过对海顿（Joseph Haydn）晚期四重奏的分析，展示了奏鸣曲式在器乐（交响曲、奏鸣曲、四重奏）中的灵活运用和结构上的完美平衡。 三、维也纳古典乐派三杰： 海顿： 被誉为“交响曲之父”和“四重奏之父”。重点分析他如何通过对动机的精心发展和幽默感的运用，将交响曲的结构推向成熟，并奠定了四部弦乐器的对话范式。 莫扎特： 他的音乐以其旋律的完美无瑕和情感的深刻性著称。本书特别关注他在歌剧创作上的突破，如《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，如何通过音乐语言的细微差别来刻画人物复杂、矛盾的内心世界，打破了传统歌剧的固定模式。 贝多芬的转型： 路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）被置于古典与浪漫的转折点上。他的早期作品继承了古典传统，但从《英雄交响曲》开始，通过扩大规模、深化对位、引入更强烈的戏剧冲突，预示了浪漫主义的到来。其晚期作品中，对“自由”与“必然”的哲学思考，以及对奏鸣曲式结构的革命性拓展，是本章的高潮。 第三部分：浪漫主义的激情与个性的解放（约1820-1900年） 随着社会变革和个人主义的兴起，音乐的主题从宫廷的秩序转向了个人情感、自然崇拜、异域风情和对超验的追求。 一、浪漫主义音乐的特征与精神内核： 本部分探讨了对和声的极大丰富（拓展和弦的使用）、对音域和速度标记的极端化、对小型体裁（如艺术歌曲和性格小品）的偏爱，以及对标题音乐（Program Music）的兴盛。 二、钢琴的统治地位与性格小品： 钢琴从伴奏乐器发展为主导的独奏乐器，得益于制造技术的进步。肖邦（Frédéric Chopin）和舒曼（Robert Schumann）是这一领域的代表。肖邦的夜曲、圆舞曲和叙事曲如何将波兰民族色彩与极致的钢琴技巧相结合；舒曼的《狂欢节》等套曲中，如何通过“双重人格”的写作手法来构建丰富的内心戏剧。 三、德奥艺术歌曲的巅峰： 舒伯特（Franz Schubert）开创了德语艺术歌曲（Lied）的黄金时代。本书分析了舒伯特如何通过钢琴伴奏（如《冬之旅》中的“滚动的雪花”）来与人声旋律进行同等重要的叙事对话，从而创造出完整的“诗乐合一”的艺术体验。 四、管弦乐队的扩张与标题音乐的盛行： 柏辽兹与李斯特： 赫克托·柏辽兹（Hector Berlioz）在《幻想交响曲》中引入了“主导动机”（Idée fixe）的概念，彻底将交响曲变成了带有明确情节的戏剧。弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）则发明了“交响诗”（Symphonic Poem），以此为载体，探索了文学、哲学和视觉艺术的音乐化表现。 德彪西前的最后一位巨人——勃拉姆斯： 约翰内斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）被视为浪漫主义的保守派，他试图在浪漫主义的情感深度中，恢复古典主义的结构严谨性，尤其是在他的四部交响曲和室内乐作品中，这种张力得到了充分体现。 五、民族乐派的兴起： 本章简要介绍了俄罗斯的“强力集团”、捷克的德沃夏克（Antonín Dvořák）和斯美塔那（Bedřich Smetana），以及斯堪的纳维亚的格里格（Edvard Grieg），他们如何将本民族的民间旋律、节奏和民间传说融入到欧洲主流的音乐形式中，为20世纪音乐的多元化埋下了伏笔。 结语：通往现代的门槛 本书最后总结了浪漫主义晚期瓦格纳（Richard Wagner）对和声的极端使用（如“特里斯坦和弦”）和马勒（Gustav Mahler）对交响曲体裁的史诗化处理，这些探索最终突破了传统调性的束缚，直接导向了20世纪的无调性音乐和印象主义的诞生。 《西方音乐史纲：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章》不仅是一部历史文献，更是一份深入聆听大师作品的指南。通过对历史背景、结构分析和风格特征的全面梳理，读者将能够以更深刻、更具洞察力的方式去欣赏这些跨越时代的音乐财富。

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我是一个业余音乐爱好者，学习音乐纯粹是出于热爱，对专业书籍的要求本来不高，只求能系统一点。然而，这本书的深度和广度远远超出了我的预期。它不仅仅是一本基础教程，更像是一本音乐思维的启蒙读物。它的排版设计非常考究，每页的留白都恰到好处，阅读起来毫无压力，这对于长时间面对五线谱的学习来说，简直是一种视觉上的享受。我尤其欣赏它在和声听辨部分的处理。作者没有简单地罗列和弦名称，而是通过描述和弦所能营造出的“情感氛围”来引导听觉训练。比如，描述大七和弦的“宁静与悬而未决”，小九和弦的“忧郁与朦胧”，这些描述性的语言极大地激发了我的想象力，让我在辨别和弦时，不再是靠死记硬背音程，而是通过感受旋律背后的情绪张力。这本书成功地将冰冷的音符转化成了有血有肉的音乐语言，让我这个非科班出身的人也能体会到音乐的魅力。如果说市面上很多教材是工具，那么这本书更像是一本“说明书+心灵鸡汤”的完美结合体，让人爱不释手。

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这本书给我的整体感觉是“沉静而有力”。它没有花里胡哨的封面和夸张的宣传语，内容本身的力量就足以征服读者。我特别喜欢它对“音高关系”的讲解。作者没有把音程当作孤立的数学关系来教授，而是着重阐述了相邻音程在旋律进行中所起到的“连接”作用。通过对和弦外音和经过音的详细分析，我开始领悟到为什么某些旋律听起来如此和谐或充满张力。书中穿插的一些简短的音乐小故事，虽然看似与技术无关，却极大地丰富了我的音乐想象空间，让我在练习枯燥的音阶爬升时，也能联想到那些古典音乐家们创作时的心境。这本书的语言风格非常细腻，充满了对音乐发自内心的敬意。它教会我的不仅仅是“如何听”，更是“如何用心去感受”。读完这本书，我感觉自己对音乐的理解不再停留在“好听”或“不好听”的肤浅层面，而是有了一套更深刻、更系统的评价体系。这本教材，对我而言，是一次美学和技能的双重洗礼。

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我是一名高中生，正在为将来的音乐特长生考试做准备。时间紧、任务重，我需要一本效率极高的参考书。这本书的“战术性”布局让我眼前一亮。它将考试中常见的高频考点进行了系统性的提炼和归类，并且针对性地提供了大量的模拟练习。特别是关于“旋律模写”和“节奏视奏”的部分，简直就是为应试而生。它没有过多地探讨深奥的音乐哲学，而是直击核心考点，用最简洁明了的方式讲解应试技巧。比如，书中对于“三连音与四分之三拍”这种容易混淆的节奏型，提供了一套快速区分的口诀和手势，这对于需要在考场上迅速反应的我来说，太重要了。我喜欢它那种高效、务实的风格，每一页内容都饱含着实战经验。我已经把这本书当成了我的“应试圣经”，每天都会对照着它来检验自己的学习进度。坦白说，自从用了这本书，我的练习效率至少提高了三成，感觉自己离目标更近了一步。

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说实话，我原本以为市面上的这类教材都大同小异，无非就是音阶、音程、节奏练习的堆砌。但翻开这本之后，我立刻意识到我错了。这本书最让我惊艳的地方在于它对“听觉记忆”的训练策略。它没有急于求成地挑战高难度曲目，而是非常精心地设计了不同层次的听觉“锚点”。比如，在模唱练习中，它巧妙地引入了一些古典名曲的片段作为听觉参照物，这比单纯用“Do、Re、Mi”来模仿要有效得多，因为这些片段本身就带有强烈的音乐记忆色彩。此外，它对节奏的“可视化”处理也令人称道。书里有一些图示，能将复杂的切分节奏用图形的方式展现出来，让我这个靠“数拍子”过活的人，第一次真正“看到”了节奏的结构美感。每次练习完，我都会有一种豁然开朗的感觉，仿佛打开了一扇新的门。这本书的逻辑性极强，每一个知识点的引入都水到渠成，绝不突兀。它真正做到了“授人以渔”，让我学会了如何去训练自己，而不是被动地完成任务。

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这本书真是个宝藏！作为一名音乐学院新生，我一直对视唱练耳这门课感到头疼，总觉得枯燥乏味，难以掌握。但自从接触了这本书，我的学习体验完全改观了。它没有那种死板的理论灌输，而是用非常生动有趣的方式将复杂的乐理知识串联起来。特别是它在节奏训练部分的设计，简直是绝妙。作者似乎深谙初学者的痛点，通过一系列循序渐进的练习，将原本晦涩难懂的节奏型变得清晰可见、朗朗上口。我记得有一章专门讲解附点音符和休止符的组合，我以前总是记不住，但这本书里配的插图和比喻，让我瞬间茅塞顿开。阅读这本书的过程，更像是一场与知识的深度对话，而不是被动地接受信息。我发现自己不再是机械地背诵规则，而是开始真正理解音乐的内在逻辑。现在，我上课时信心倍增，不仅能跟上老师的节奏，甚至还能提前预判一些乐句的走向，这在以前是完全不敢想象的。这本书无疑是我音乐学习路上遇到的第一盏指路明灯，我强烈推荐给所有正在与视唱练耳作斗争的朋友们。

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