中国当代美术

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出版者:上海书画
作者:韩碧池 编
出品人:
页数:191
译者:
出版时间:2001-12
价格:280.00元
装帧:
isbn号码:9787806721339
丛书系列:
图书标签:
  • 美术史
  • 当代艺术
  • 中国美术
  • 艺术史
  • 文化艺术
  • 绘画
  • 雕塑
  • 艺术理论
  • 艺术评论
  • 现代艺术
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具体描述

《中国当代美术.中国水彩画集1(精装)(第1册)》内容简介:时代正以雄壮的步伐飞速向前。数年前,人们还很难想象会出现这样一个新世界:四通八达的信息高速公路将地球上各个角落紧密地连结在一起。地球似乎变小了,而人们的视野却是扩大了。对美的理解与感受,也随着时代的发展不知不觉地但又确确实实地趋向于多极。例如对“迪斯科”音乐,从坚决排斥到可以容忍到逐渐理解的过程说明人们的审美情趣也不是一成不变的。

史诗与思辨:西方现当代艺术思潮巡礼 本书旨在为读者提供一份深入、系统且富有洞察力的西方现当代艺术发展脉络梳理。它超越了单纯的图像罗列和风格划分,着重于剖析自19世纪末印象派的萌芽直至21世纪初观念艺术的深化过程中,驱动艺术变革的核心哲学、社会语境与技术革新。 第一部分:现代性的黎明——从印象到反叛 (约1860-1910) 本部分首先追溯艺术史上一个至关重要的转折点:印象主义的诞生。我们不会停留在对莫奈光影的简单赞美,而是深入探讨其背后的现代都市经验、光学理论(如谢弗勒尔的色彩理论)以及摄影术对传统再现功能构成的挑战。德加对动态瞬间的捕捉,如何预示了蒙太奇思维的诞生? 紧接着,我们将进入对形式和情感的探索。后印象主义并非简单的风格延续,而是对印象派过度依赖客观视觉的矫正。塞尚如何通过几何形体构建“永恒的结构”,预示了立体主义的降临?梵高对色彩的内在驱动性表达,如何成为情感表现主义的先声?高更在塔希提岛对“原始”的追寻,揭示了西方文化在帝国主义扩张背景下的自我反思。 本部分高潮在于野兽派和早期表现主义的爆发。马蒂斯对色彩纯粹性的解放,不仅仅是视觉上的狂欢,更是对学院派叙事和笔触规范的彻底颠覆。德国的“桥社”和“蓝骑士”群体,则将外部世界的扭曲和内在焦虑投射到画布之上,探讨个体在快速工业化社会中的异化与精神危机。 第二部分:观念的爆炸——现代主义的结构与解构 (约1910-1945) 这是艺术史上最具革命性的阶段。立体主义的出现,标志着对文艺复兴以来单点透视法的彻底决裂。毕加索和布拉克如何通过共时性视角和多重角度的并置,尝试在二维平面上重建三维世界的认知结构?这不仅仅是绘画技巧的革新,更是对人类知觉模式的哲学拷问。 达达主义作为对第一次世界大战残酷现实的生理性反抗,其核心在于对“理性”和“意义”本身的嘲弄。杜尚的现成品(Readymade)——尤其是《泉》——绝非简单的恶作剧,它是对艺术品本体论的一次致命冲击:艺术的价值究竟在于技艺、在于观念,还是仅仅在于艺术家的选择? 与此同时,超现实主义将弗洛伊德的潜意识理论引入艺术创作。布勒东的“纯粹的精神自动性”如何试图绕过理性审查,直接捕捉梦境与非理性思维的影像?达利和马格利的图像叙事,如何构建出既熟悉又疏离的“第二现实”? 在俄国,构成主义和至上主义则代表了艺术为社会功能服务的乌托邦理想。马列维奇的《黑方块》如何将绘画降维至纯粹的非客观性,宣告了艺术对现实模仿的终结?塔特林、罗德琴科等如何将艺术实践转向设计、建筑和宣传,试图塑造“新人”和“新社会”? 第三部分:全球化视野下的艺术转向——战后与当代探索 (约1945-2000) 二战后,艺术的中心开始向大西洋彼岸转移。抽象表现主义作为美国对欧洲现代主义的回应,强调了行动性、尺幅和艺术家的“在场”经验。波洛克滴画中的“动作绘画”,如何被解读为一种存在主义式的自我确证?罗斯科的色域绘画,又如何通过光晕与色彩的冥想,引导观众进入一种近乎宗教体验的崇高感? 对抽象表现主义的“过度个人化”的反思,催生了波普艺术。安迪·沃霍尔对商业图像、批量生产和名人崇拜的挪用,是对战后消费主义文化的敏锐捕捉与讽刺。我们深入分析波普艺术如何模糊了高雅艺术与低俗文化的界限。 随后的极简主义(Minimalism)则将关注点从作品的内容转向作品本身与空间的物理关系。唐纳德·贾德等艺术家如何通过重复的几何体、工业材料,强调作品的“物性”(Objecthood),挑战了传统雕塑的再现性? 观念艺术将艺术的物质性进一步削弱,将“观念”提升为艺术作品的唯一载体。约瑟夫·科苏斯对语言和定义的探索,以及汉斯·哈克对“观看”行为的质疑,标志着艺术进入了高度的自我反思阶段。 到了20世纪70年代,艺术开始转向社会批判和身份政治。女性主义艺术,如克里斯特娃和芝加哥,如何通过对身体、性别和历史叙事的重写,挑战由男性主导的艺术史?大地艺术(Land Art)则试图逃离美术馆的白立方空间,重新将艺术融入宏大的自然景观之中。 第四部分:新媒介与后现代的遗产 (约1980至今) 从80年代开始,艺术的边界被进一步拓宽。录像艺术(Video Art)和装置艺术(Installation Art)成为探索时间、空间和观众沉浸感的关键媒介。他们挑战了绘画和雕塑的传统霸权,强调了情境性(Contextuality)的重要性。 后现代主义对现代主义宏大叙事的瓦解,导致了拼贴、挪用和历史的碎片化重组。新表现主义(Neo-Expressionism)的回归,则在批判性的语境下,重新引入了强烈的个人情感和叙事冲动。 本书的收尾部分将聚焦于全球化语境下的当代艺术实践:艺术机构的权力结构、艺术品市场的金融化趋势,以及数字技术和互联网如何重塑了艺术的生产、传播与接受方式。我们探究,在一切皆可被引用的时代,艺术家如何重新寻找原创性与批判性的立足点。 总结而言,本书通过对关键事件、核心理论家和标志性作品的深度挖掘,构建了一个清晰的逻辑链条:从对外部世界的视觉捕捉,到对内在精神的结构性探索,再到对艺术自身定义与社会角色的持续性质疑。它是一部关于西方艺术如何不断自我超越、自我否定的思想史。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的封面设计就吸引了我,那是一种沉静而有力量的视觉语言,恰到好处地传达了中国当代美术的厚重与活力。我曾以为中国当代美术只是昙花一现的某种潮流,或者仅仅是模仿西方艺术的碎片化表达。然而,当我翻开这本书,我发现自己对这个领域有了全新的认知。它不仅仅是记录了艺术家们创作的作品,更是深入挖掘了这些作品背后所承载的时代精神、社会变迁以及艺术家们在东西方文化交融中所进行的艰难探索。书中对不同媒介、不同风格的艺术家进行了细致的梳理,从抽象表现到观念艺术,从装置艺术到影像艺术,几乎涵盖了当代美术的各个重要面向。阅读的过程中,我仿佛置身于一个巨大的展览现场,与那些杰出的艺术家们面对面交流,感受他们思想的碰撞和艺术的张力。特别是一些鲜为人知的艺术家和他们充满个性的作品,更是让我眼前一亮,为中国当代美术的丰富多样性感到惊叹。作者的文笔流畅而富有洞察力,他/她并非简单地罗列事实,而是巧妙地将艺术作品、艺术家生平、社会背景以及时代思潮融为一体,构建出一幅宏大而精密的中国当代美术发展图景。这本书为我打开了一扇窗,让我得以窥见中国艺术在改革开放浪潮中,如何挣脱束缚,寻找自身价值,并最终走向世界的精彩历程。它让我明白了,中国当代美术并非孤立的存在,而是与整个民族的命运紧密相连,是时代变迁的忠实记录者和深刻反思者。

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说实话,在我拿起这本书之前,我对中国当代艺术的印象大多来自于一些零散的媒体报道和网络图片,总觉得它有些“看不懂”,或者与我的生活体验相去甚远。但是,《中国当代美术》这本书,却以一种极其细腻和深刻的方式,将我带入了这个曾经陌生的领域。作者并没有把这本书写成一本枯燥的艺术史罗列,而是将艺术家们的创作过程、人生经历以及他们所处的时代背景巧妙地结合起来,形成了一幅幅生动而富有张力的画面。我特别喜欢书中对一些艺术家如何在改革开放初期,从西方艺术思潮的借鉴中,发展出具有中国特色的艺术语言的描绘,这让我看到了中国艺术家们是如何在艰难的环境中,依然保持着对艺术的追求和对时代的思考。书中对一些具有社会批判意义的作品的解读,更是让我看到了艺术作为一种社会反思力量的独特价值。它让我明白,中国当代美术并非是孤立的存在,而是与整个民族的命运紧密相连,是时代变迁的真实写照和深刻思考。这本书让我对中国当代艺术有了全新的认识,它不仅拓宽了我的视野,也让我对这个领域的深度和广度有了更深的体会。

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我一直对艺术怀有敬畏之心,但对于“当代艺术”,尤其是“中国当代艺术”,我总有一种难以跨越的心理障碍。总觉得它们过于前卫,或者过于概念化,与我所理解的美学有所不同。然而,这本书以一种非常扎实的学术功底和细腻的文笔,为我打开了这扇门。作者并不是简单地罗列艺术家和作品,而是深入挖掘了这些艺术现象背后的文化根源、社会土壤以及历史语境。我尤其喜欢书中对一些具体艺术运动和事件的详细梳理,例如“85新潮”,它让我看到了中国艺术家们是如何在改革开放的时代背景下,迸发出强大的生命力和创造力,是如何在东西方文化碰撞中寻找自己的艺术定位。书中对一些艺术家个人经历的描述,也让我看到了他们在艺术道路上的艰难探索和不懈追求。这让我意识到,中国当代美术并非是凭空产生的,而是艺术家们用他们的生命和血汗浇灌出来的。它让我不再对那些看似“奇怪”的艺术作品感到困惑,而是能够从更深层次去理解它们所要表达的意义。这本书让我对中国当代艺术的认识,从模糊的点状,变成了清晰的、有逻辑的、充满活力的体系。

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我一直对中国文化有着浓厚的兴趣,但在“中国当代美术”这个领域,我总感觉有些力不从心,难以把握其精髓。这本书的出现,无疑是给我打开了一扇新的大门。它没有使用过于晦涩的学术语言,而是用一种清晰、流畅、引人入胜的方式,将中国当代美术的发展历程娓娓道来。我惊喜地发现,原来中国当代美术并非是单一的风格或思想,而是充满了多元的视角和丰富的表达。书中对不同时期艺术家们的作品和创作理念的解读,都让我看到了他们如何在中国社会转型时期,用自己的艺术语言回应时代的呼唤。我尤其欣赏书中对一些观念艺术和行为艺术的阐释,这些往往是我过去难以理解的,但通过作者的引导,我能够感受到它们所蕴含的深刻思想和对艺术边界的拓展。它让我明白,中国当代美术不仅仅是视觉上的美感,更是思想上的碰撞,是艺术家们对社会现实的观察和思考。这本书不仅仅是一本艺术读物,更是一本关于中国现代文化精神的探索史。

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我一直对艺术有着浓厚的兴趣,但对于中国当代美术,我常常感到一种疏离感。总觉得它离我的生活太远,或者是一种我无法理解的符号堆砌。直到我遇见了这本《中国当代美术》,这种隔阂才渐渐消弭。这本书的价值在于,它不仅仅是一本艺术史的教科书,更像是一本引人入胜的文化故事集。作者以其深厚的学识和敏锐的洞察力,将中国当代美术的发展置于广阔的社会历史背景之下进行考察,使得那些抽象的艺术概念变得生动具体。我看到了艺术家们如何在时代变迁的洪流中,寻找自己的艺术语言,如何回应社会现实的挑战,如何表达个体的情感与思考。书中对许多标志性作品的分析,深入浅出,让我能够透过表面的视觉形式,去理解作品背后所蕴含的深层意义。我尤其喜欢书中对“文革”后艺术的复苏以及“85新潮”等重要艺术事件的梳理,这些篇章让我清晰地看到了中国当代艺术是如何从一种被压抑的状态中解放出来,迸发出前所未有的活力。它让我明白,中国当代美术不仅仅是关于画布上的色彩或雕塑的形态,更是关于一代代艺术家对自我、对社会、对历史的持续追问和深刻反思。这本书不仅满足了我对艺术的好奇心,更点燃了我对民族文化发展脉络的探索热情。

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当我决定翻开这本《中国当代美术》时,我带着一丝好奇,也带着一些先入为主的观念。我曾接触过一些当代艺术展览,有时觉得它们晦涩难懂,有时又觉得它们过于激进,与我所理解的“艺术”似乎有些距离。然而,这本书的出现,彻底改变了我的看法。它并没有将我置于一个高高在上的评判者位置,而是以一种温和而有说服力的方式,引导我一步步走近那些作品,理解那些创作背后的逻辑与情感。书中对一些艺术流派的起源和发展脉络的梳理,非常清晰,让我能够把握住不同时期艺术家们关注的焦点和所面临的挑战。我尤其欣赏书中对艺术家个体生命体验与创作实践相结合的论述,这让我看到了艺术创作背后的人文关怀和思想深度。与其说是艺术史的陈述,不如说是一系列精彩的访谈和深度解读,作者巧妙地将艺术家的声音传递出来,让我听到了他们对创作的坚持、对现实的思考、对未来的期许。其中,对那些在国际艺术界崭露头角的中国艺术家,以及那些默默耕耘、但对中国当代美术发展有着不可磨灭贡献的艺术家,都有着详尽的介绍。这本书让我意识到,中国当代美术并非是一个整齐划一的概念,而是无数个体在各自的语境下,用独特的艺术语言进行对话和表达的集合。它让我更加尊重和理解那些敢于挑战传统、突破边界的艺术家们,也让我对中国艺术的未来充满了期待。

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我必须承认,在我开始阅读《中国当代美术》之前,我对中国当代艺术的认知是碎片化且模糊的。我有时会觉得它有点“看不懂”,或者认为它只是西方艺术潮流的模仿。但是,这本书完全改变了我对它的看法。它不仅仅是一本简单的艺术史梳理,更像是一部关于中国社会变迁和文化精神演进的生动记录。作者以其深厚的学识和敏锐的洞察力,将艺术作品、艺术家个体命运、社会思潮以及时代背景巧妙地编织在一起,呈现出一幅宏大而精美的图景。我尤其欣赏书中对一些“边缘化”的艺术实践和艺术家群体的关注,这让我看到了中国当代美术的丰富性和多样性,而非仅仅聚焦于少数明星艺术家。通过阅读,我看到了艺术家们如何在变革的时代中,通过绘画、雕塑、装置、影像等各种媒介,表达他们对生活、对社会、对历史的思考和感悟。书中对一些具有里程碑意义的展览和艺术事件的深入分析,让我对中国当代艺术的发展脉络有了清晰的认知。它让我意识到,中国当代艺术是一种充满活力、不断自我革新的力量,它既有对传统的继承,也有对未来的探索,更有对当下现实的深刻反思。

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我对艺术的喜爱,更多的是一种对美好事物的追求,对情感的共鸣。但对于“中国当代美术”这个概念,我总觉得它似乎离我的这种追求有点遥远。直到我翻阅了这本《中国当代美术》,这种隔阂才渐渐消融。这本书并没有一开始就抛出那些抽象的概念,而是从一些我能够理解的艺术作品和艺术家入手,逐步引导我进入到更深层次的艺术探索。我尤其欣赏书中对艺术家个人创作心路历程的描绘,以及他们如何通过艺术来表达内心深处的感受和对社会的观察。它让我看到了,即使是最具实验性的当代艺术,其背后也蕴含着艺术家最真挚的情感和最深刻的思考。书中对那些在特定历史时期,受到社会环境影响而创作的艺术作品的分析,让我看到了艺术是如何与时代紧密相连,又是如何成为个体生命体验的载体。它让我明白,中国当代美术并非是冷冰冰的学术理论,而是充满了人性的温度和情感的力量,是艺术家们用生命在诉说,用艺术在与世界对话。这本书让我重新审视了“当代艺术”的定义,也让我对中国艺术家们的创造力和生命力有了更深的敬意。

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坦白说,在我拿起这本书之前,我对中国当代艺术的了解仅限于一些零散的印象和媒体报道。我总觉得它是一个比较边缘的领域,或者是一些少数精英的玩意儿。然而,这本书彻底颠覆了我的认知。它以一种非常平实却又不失深刻的方式,为我展开了一幅中国当代美术波澜壮阔的画卷。我惊喜地发现,原来中国当代美术有着如此丰富多样的表现形式和思想内涵。书中对不同时期、不同流派艺术家的介绍,以及他们创作理念的阐述,都让我受益匪浅。我特别欣赏书中对一些现实主义题材的艺术作品的深入剖析,它们直接反映了中国社会在转型期的种种变化和人们的生活状态,让我感受到了艺术的温度和力量。同时,书中对一些抽象和观念艺术的解读,也让我看到了中国艺术家们在探索语言和形式上的不懈努力。它让我明白了,中国当代美术并非是单一的,而是多元共存的,是艺术家们用各自的视角和方式对时代进行回应的集合。这本书就像一位循循善诱的老师,耐心地引导我一步步走进了这个曾经陌生的领域,让我感受到了它的魅力、它的深度,以及它所蕴含的中国精神。

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这本书给我的第一印象是它的厚重感,纸张的质感,以及里面蕴含的丰富信息,都预示着这是一次深入的艺术之旅。我一直对中国当代艺术的发展轨迹充满疑问,总觉得它在某些方面似乎总是在追赶国际潮流,而我更想了解的是它内在的驱动力是什么,它与中国本土文化和民族精神有着怎样的联系。这本书在这方面给了我一个非常令人满意的答案。作者并没有简单地将中国当代美术视为西方艺术的衍生物,而是深入挖掘了它根植于中国传统文化和民族基因的独特之处。书中对许多艺术家的访谈和作品的解读,都充满了对他们个人经历和社会背景的关照,这使得我能够更全面地理解他们的艺术创作是如何产生的。我特别喜欢书中对于一些抽象艺术和观念艺术的解释,它们往往是我过去难以理解的,但通过作者的阐述,我能够体会到其中蕴含的东方哲学思想和对现实的深刻批判。这本书让我看到了中国当代艺术家们如何在继承传统的同时,大胆创新,如何在物质主义和精神主义之间寻找平衡,如何在全球化的浪潮中坚守自己的文化身份。它让我重新审视了“中国当代艺术”这个概念,不再是模糊的印象,而是清晰可见的、充满活力的、不断演进的艺术实践。

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