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出版者:中央广播电视大学出版社

作者:周小燕

出品人:

页数:305

译者:

出版时间:2004-04-01

价格:36.00元

装帧:平装

isbn号码:9787304025489

丛书系列:

图书标签:

• 音乐学-声乐学
• 声乐
• 霍思燕
• 声乐
• 音乐
• 基础知识
• 技巧
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• 演唱
• 发声
• 呼吸
• 音阶
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《弦上之歌：从心出发的器乐演奏法》 一、 导言：器乐演奏的灵魂之旅 音乐，是人类情感最直接的表达方式，而乐器，则是这情感得以具象化的载体。无数声音的组合，在指尖、在弓弦、在气息的律动中，编织出触动心灵的旋律。然而，很多乐器学习者，常常沉浸在技巧的磨砺和乐谱的解读中，却忽略了演奏最本真的出发点——那份源自内心的音乐冲动与情感表达。 《弦上之歌：从心出发的器乐演奏法》并非一本教授某一特定乐器演奏技巧的教科书，也不是一本关于乐理知识的枯燥论述。它是一次关于器乐演奏本质的深入探索，一次唤醒学习者内心音乐声音的实践引导。本书旨在打破对器乐学习的传统认知，将焦点从“如何弹奏”转移到“为何而弹奏”，引领读者踏上一段从心出发、回归音乐本源的演奏之旅。 本书的创作初衷，源于作者在多年器乐教学与演奏实践中观察到的一个普遍现象：许多技艺精湛的演奏者，虽然技术炉火纯青，却在音乐的感染力上略显不足。他们的演奏或许完美无瑕，却少了那份直击人心的温度和共鸣。反之，一些技巧相对朴素的演奏者，却能凭借其真挚的情感和对音乐深刻的理解，赋予作品蓬勃的生命力。这促使作者思考，器乐演奏的真正魅力何在？技巧与情感，孰轻孰重？是否存在一种方法，能够将二者有机地融合，让演奏者在掌握精湛技艺的同时，也能成为一个充满灵性的音乐讲述者？ 本书的读者对象，并非仅限于器乐学习的初学者。对于已经有一定器乐基础，但感觉自己在音乐表达上遇到了瓶颈的演奏者，本书将提供全新的视角和启发。对于任何对器乐演奏充满好奇，希望深入了解其内在奥秘的音乐爱好者，本书同样是一扇通往音乐殿堂的钥匙。 我们将以一种全新的方式审视器乐演奏，不再将乐器视为单纯的工具，而是看作我们表达内心世界的延伸。我们会探讨那些隐藏在音符背后的情感密码，学习如何将抽象的情感转化为可感的声音，如何让乐器在手中“歌唱”，发出属于我们自己独特的声音。 二、 第一章：听见内心深处的旋律 在开始任何器乐的练习之前，我们首先需要学会“听”。但这里所说的“听”，远不止于辨别音高、节奏和音色。它是一种深入的倾听，是对自己内心世界最细微的情感变化的捕捉。 1. 情感的土壤：生命的体验与共鸣 音乐的根源在于情感。任何一首乐曲，无论其形式多么复杂，最终都指向一种或多种人类情感的表达。而这些情感，并非凭空而来，它们源自我们真实的生活经历：喜悦、悲伤、愤怒、宁静、渴望、失落……这些构成我们生命底色的丰富情感，是我们演奏时最宝贵的素材。 本书将引导读者回忆和梳理生命中那些深刻的体验，引导他们找到那些能够引起共鸣的情感瞬间。通过 journaling、冥想、甚至艺术化的情感表达练习，学习者将被鼓励去唤醒那些沉睡在记忆深处的情感，为音乐的注入做好情感上的准备。我们并非要求读者成为专业的演员，而是鼓励他们诚实地面对自己的情感，并相信这些真实的情感是演奏中最动人的力量。 2. 声音的想象：在脑海中构筑音乐的形态 在接触乐器之前，我们可以在脑海中“预演”音乐。这种“声音的想象”能力，对于器乐演奏至关重要。它意味着我们能够清晰地在内心中勾勒出乐曲的旋律、节奏、甚至动态和表情。 本书将介绍一些训练声音想象力的方法，例如： 旋律的内部化： 鼓励读者在脑海中反复哼唱或默想乐曲的旋律，尝试捕捉旋律的起伏、呼吸和走向。 节奏的律动感知： 通过身体的律动、拍打节拍等方式，将节奏感内化，使其成为一种身体的本能反应。 音色的主观体验： 尝试想象不同乐器的音色，以及不同演奏方式会产生怎样的音响效果，从而在脑海中构建出立体的音乐画面。 动态与表情的意念传递： 学习在想象中加入音乐的强弱变化、速度变化以及情感的微妙处理，让音乐在脑海中活起来。 3. 聆听的艺术：超越技巧的耳朵 深入的聆听，是将内心的声音转化为外在音乐的关键。这不仅仅是对专业录音的欣赏，更是一种带着分析和体悟的聆听。 我们将探讨： 倾听演奏者的“呼吸”： 学习捕捉专业演奏者在乐句处理上的呼吸点、停顿和连贯，理解这些“呼吸”如何赋予音乐生命。 感知音符之间的“对话”： 尝试理解乐曲中不同声部、不同音符之间的相互关系，它们是如何呼应、对比、又如何共同构建出音乐的整体。 辨析情感的细微之处： 训练耳朵去辨别演奏中那些微妙的情感色彩，例如同一段旋律，在不同的演绎下会传递出怎样的不同情绪。 从结构中感受音乐的呼吸： 学习从乐曲的结构层面去理解音乐的起承转合，如同欣赏一幅画的构图，理解音乐的整体逻辑和情感走向。 三、 第二章：身体的智慧：乐器与生命的连接 乐器并非独立于我们身体之外的冰冷物件，它是我们身体延伸的一部分，是我们表达情感的媒介。真正的器乐演奏，是身体与乐器之间和谐对话的艺术。 1. 解放身体：从紧张到流动 许多器乐学习者，在演奏时会不自觉地锁定身体的某个部位，导致动作僵硬、声音受限。本书强调的是一种解放身体的演奏方式。 我们将通过一系列练习，帮助学习者： 觉察身体的紧张点： 学习识别演奏时无意识的肌肉紧张，例如肩膀、颈部、手腕等，并找到放松的方法。 运用全身的能量： 强调演奏并非仅仅依靠手指的力量，而是全身能量的协调运用，从呼吸、核心力量到四肢的流畅联动。 建立身体的“肌肉记忆”与“心灵意图”的同步： 探索如何让身体的动作与内心的音乐意图无缝连接，实现“随心而动”。 “零度”触碰： 倡导一种轻柔、敏感的触碰方式，无论是按键、拨弦还是吹奏，都以一种对声音负责、对音乐负责的态度去“感受”乐器，而不是“用力”控制。 2. 呼吸的韵律：乐器的生命之源 对于所有需要气息发声的乐器，以及所有需要精妙控制的键盘或弦乐器，呼吸都是演奏的生命之源。本书将深入探讨呼吸在器乐演奏中的作用，它不仅仅是为声音提供动力，更是塑造音乐的呼吸感、乐句的起伏和情感的流动。 我们将学习： 腹式呼吸的深度练习： 掌握深沉、稳定、且富于弹性的腹式呼吸，让气息成为源源不断的音乐能量。 气息的控制与塑形： 学习如何运用气息来控制音量、音色、以及乐句的连接，让每一个音符都充满生命力。 呼吸与乐句的内在联系： 将呼吸的节奏与音乐乐句的自然起伏相结合，使演奏听起来如同流畅的语言，自然而富有表现力。 “气息的倾听”： 学习如何感知自己气息的流动，并将其转化为音乐的流动，实现身心合一的演奏。 3. 手指的哲学：精准与情感的平衡 手指是器乐演奏中最直接的执行者，但手指的灵活与精准，并非孤立存在。它们需要与大脑的指令、内心的情感以及全身的配合协同运作。 本书将引导读者： 超越“机械练习”： 认识到机械的指法练习往往会磨灭音乐的生命力，鼓励将指法练习融入到对音乐情感的理解中。 “有表情的音符”： 学习如何在按下琴键、拨动琴弦、或轻触按键的瞬间，就赋予音符以情感和生命。 手指的“听觉”： 训练手指对声音的敏感度，让它们在触碰乐器时，就能感受到音色的细微变化，并作出相应的调整。 “指尖的舞蹈”： 倡导一种轻盈、灵活、富有弹性的指法，让手指的运动成为一种自然的、充满艺术美感的“舞蹈”。 四、 第三章：音符的诗学：解构与重塑音乐的语言 每一首乐曲，都是一个精心构建的音乐世界，由音符、节奏、旋律、和声等元素构成。然而，真正的演奏，是将这些元素转化为能够触动人心的情感语言。 1. 旋律的灵魂：歌唱的线条 旋律是音乐的血脉，它承载着音乐的情感线索。本书将引导读者如何让器乐“歌唱”。 倾听旋律的呼吸： 学习捕捉旋律的起伏、高潮、以及乐句之间的连接，让演奏如同流畅的歌唱。 “意念”的引导： 强调在演奏旋律时，要带着清晰的情感意念去引导每一个音符，使其富有表情。 音程的张力与色彩： 深入理解不同音程所蕴含的情感张力和色彩，学习如何通过演奏来放大和塑造这些特质。 “歌唱的指尖”： 鼓励读者将手指的触碰，视为在乐器上“画”出歌唱的线条，让每一个音符都拥有自己的生命。 2. 节奏的脉搏：生命律动的印记 节奏是音乐的骨骼，是驱动音乐前进的动力。但节奏绝非简单的“数拍子”，它是生命律动的缩影。 感受节奏的“重量”与“轻盈”： 学习区分不同节奏型的内在能量，例如强拍的稳重与弱拍的灵动。 “内在节拍”的培养： 强调建立一种内在的、不受外部干扰的节拍感，让节奏成为一种身体的本能。 节奏的“呼吸”与“停顿”： 理解节奏中的呼吸点和停顿，它们如何为音乐带来呼吸感和空间感。 “律动而行”： 鼓励读者在演奏时，让身体跟随音乐的节奏自然律动，让节奏成为一种内在的能量流动。 3. 和声的色彩：情感的交织与碰撞 和声为旋律提供了丰富的色彩和情感层次，是音乐的灵魂得以更深层次呈现的维度。 理解和声的功能与色彩： 学习辨别不同和弦的色彩和功能，理解它们如何影响音乐的情感走向。 “和声的聆听”： 培养耳朵对和声织体的敏感度，学习倾听不同声部之间和声的交织与碰撞。 “和声的意象”： 尝试将不同的和声组合与特定的情感意象联系起来，从而在演奏中更加精准地表达情感。 “多维度的演奏”： 学习如何通过演奏，清晰地呈现和声的层次感和色彩感，让听者感受到音乐的深度。 4. 动态与表情：生命的情绪起伏 动态（强弱）和表情（速度、连断、音色变化等）是音乐情感最直接的表达方式，它们如同人类的面部表情和肢体语言，赋予音乐以生命。 “情绪的温度计”： 将动态视为音乐情绪的温度计，学习如何通过音量的变化来精准地表达情感的递进与转变。 “时间的雕塑家”： 理解速度的变化如何影响音乐的情绪和氛围，学习如何通过速度的调整来塑造音乐的张力。 “连与断的诗意”： 探索乐句的连贯与断开，它们如何影响音乐的呼吸感、情感的表达和听觉的趣味。 “表情的微调”： 强调在细节上的处理，例如微弱的渐强、渐弱，以及音色的微妙变化，这些细节往往能触动最深的内心。 五、 第四章：从模仿到创造：寻找属于你的音乐声音 器乐学习的终极目标，并非成为他人的复制品，而是找到并发展属于自己的独特音乐声音。 1. 模仿的艺术：学习与借鉴 模仿是学习的必经之路。但这里的模仿，并非简单的照搬，而是带着思考和体悟的学习。 “有意识的模仿”： 学习选择那些真正触动你、你渴望理解其精髓的演奏进行模仿。 “模仿的解构”： 在模仿的过程中，分析模仿对象是如何处理音符、节奏、动态和表情的，将其分解为可学习的元素。 “借鉴与融合”： 并非全盘接受，而是从中汲取精华，并将其与自己的理解和风格相融合。 2. 演奏中的“即兴”思维：释放内在的创造力 “即兴”并非仅限于爵士乐，任何演奏中都蕴含着即兴的思维。它是一种在既有框架下，灵活运用音乐元素，表达当下感受的能力。 “内在的对话”： 学习在演奏中与自己进行内在的音乐对话，根据当下的情感和音乐的走向，进行微调和即时性的创造。 “小范围的探索”： 鼓励在熟悉的作品中，尝试对一些乐句进行细微的改动，例如改变一些装饰音，或者调整一些动态。 “情绪的即时响应”： 学习将当下涌现的情感，快速地转化为音乐的表达，让演奏充满鲜活的生命力。 3. 发展个人风格：你的音乐签名 每个人的成长经历、性格特质、以及对音乐的理解都是独特的，这些都将最终塑造出你独一无二的音乐风格。 “音乐的自我认知”： 鼓励读者不断反思自己的演奏，了解自己的优点和弱点，以及自己偏爱的音乐风格。 “情感的真实表达”： 风格的形成，源于你对音乐情感最真诚、最本真的表达。 “不懈的探索”： 风格的形成是一个持续的过程，需要不断地学习、实践、和自我超越。 “你的音乐，你的故事”： 最终，你的器乐演奏将成为你人生故事的独特篇章，发出只属于你的、独一无二的声音。 六、 结语：弦上之歌，永恒的回响 《弦上之歌：从心出发的器乐演奏法》并非一部枯燥的理论著作，它是一张邀请函，邀请你踏上一段充满发现和喜悦的器乐演奏之旅。在这个过程中，你将学会的不仅仅是技巧，更是如何用音乐连接自己、连接他人，如何让你的乐器发出属于你灵魂深处的声音。 愿你在这段旅程中，倾听到自己内心的旋律，用身体的智慧与乐器对话，用音符谱写情感的诗篇，最终，奏响属于你自己的、永恒的回响。

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关于这本书的实用性与可操作性评估，我必须给予高度评价。它不仅仅是理论的堆砌，更是一本实操性极强的训练手册。书中提供了大量可以直接应用于日常练习的音阶、琶音组合以及专门针对特定技术难点设计的练习曲目，并且对每组练习的目的、预期的效果以及可能出现的错误进行了详尽的预警和纠正指导。最让我受益的是，作者为每一类练习都附带了详细的“自我检测清单”，读者可以对照清单来评估自己的练习质量，形成一个高效的自我反馈循环。这种结构化的练习体系，极大地提高了练习的效率和针对性，避免了盲目重复。即便是自学爱好者，也能通过书中的清晰指引，构建起一套完整且科学的每日训练计划。与市面上许多只停留在概念介绍的教材不同，这本书真正做到了“授人以渔”，让读者在掌握原理的同时，也掌握了如何将理论高效地转化为舞台上实际的表现力。

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我特别关注了这本书的学术引用和参考资料部分，其广度与深度令人印象深刻，展现了作者扎实的学术功底和严谨的研究态度。书中列举的参考文献横跨了近三百年的音乐文献，涵盖了从早期美声学派的原始手稿到二十世纪现代声乐科学研究的最新成果，这表明作者并非仅依赖二手资料进行阐述，而是进行了大量的原始文献溯源和对比研究。这种严谨的学术支撑，为书中所有论点的可靠性提供了坚实的后盾，使得这本书不仅适合初学者建立基础认知，更对专业研究人员的深入探究提供了宝贵的参考视角。每一次引用都标注得清晰明确，使得读者可以根据兴趣自行追踪和扩展阅读。这种对知识源头的尊重和清晰的路径指引，是衡量一本高水平学术书籍的关键标准之一，而这本书在这方面做得堪称典范，极大地提升了其作为工具书和参考书的价值。

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这本书的内容编排逻辑性极强，作者显然遵循了一种循序渐进的教学法，从最基础的概念入手，层层递进，将复杂的理论知识拆解成了易于理解的小模块。我特别欣赏它在引入新概念时所采用的类比和实例分析，这些并非生硬的教科书式定义，而是结合了大量的实际音乐案例进行阐释，使得抽象的声乐原理变得生动形象起来。例如，在讲解气息支撑时，作者没有停留在纯粹的生理学描述上，而是通过描绘演奏家在舞台上是如何调动身体各个部位协同作用的场景，让读者能够直观地感受到“正确发力”的实际效果。此外，书中对不同历史时期声乐风格的区分和讨论也极为深刻，它不仅介绍了风格的特点，更深入剖析了造成这些风格差异的社会文化背景，这种跨学科的视角极大地拓宽了读者的视野。即便是对于我这样已经有一定基础的学习者来说，重新阅读这些章节，依然能从中挖掘出以往忽略的细微差别和更深层次的理解，这充分体现了作者知识的深度与广度。

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这本书的装帧设计非常引人注目，封面采用了深邃的蓝色调，配以古典的烫金字体，整体散发着一种典雅而厚重的气息，让人在书架上第一眼就能被吸引。内页纸张的质感也相当不错，触感细腻，墨色清晰，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅也不会感到眼睛疲劳。排版布局上，作者显然在细节上花费了不少心思，无论是段落间的留白，还是章节标题的字体选择与字号大小，都经过了精心考量，使得整本书的阅读体验如同在欣赏一件精心制作的艺术品。特别是书中穿插的一些历史插图和乐谱片段的印刷质量极高，细节还原度非常到位，让人仿佛穿越回了那个音乐鼎盛的时代，对于提升阅读的沉浸感有着极大的帮助。装订方面，线装与胶装的结合方式，保证了书籍的牢固性，即便是频繁翻阅也能保持书页平整，不会轻易散落，这对于经常需要查阅和学习的专业书籍来说，是非常重要的考量因素。从书籍的物理形态上来说，它完全称得上是一本值得收藏的佳作，每一个细节都在诉说着制作者对知识载体本身的尊重与敬意。

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这本书的语言风格非常独特，它成功地在保持学术严谨性的同时，又充满了人文关怀和一种娓娓道来的亲切感。作者似乎是一位经验极其丰富且充满热情的导师，在文字中不时流露出对音乐发自内心的热爱与敬畏。它的语句结构多变，时而采用简短有力的陈述句来强调关键原则，时而又运用结构复杂的长句来描绘音乐的情感层次和技术细节，这种节奏感让阅读过程本身就成为了一种愉悦的体验，完全没有传统教材那种枯燥乏味的感觉。更难得的是，书中对“舞台恐惧”和“声音的心理调适”等非技术性但对学习者至关重要的议题也给予了足够的篇幅和细腻的笔触，这些真诚的建议和共鸣，让读者感觉自己不是在阅读一本冰冷的指南，而是在与一位智者进行深入的对话。这种温暖而富有启发性的文字力量，是真正能驱动学习者持续探索的动力源泉，让我在阅读时常常会产生“原来如此”的豁然开朗之感。

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