具体描述
《摄影技术》介绍实用的摄影基础理论和基础知识，包括照相机、镜头、感光片、构图、用光以及黑白和彩色摄影的拍摄方法、冲印放大技术，理论结合实际。由浅入深，使读者通过对本15的学习，掌握摄影原理及实际操作方法。《摄影技术》可作为高等院校教育技术、美术、广告、旅游、建筑、地理、生物、服装设计、工业没计等专业的摄影教材，也可作为摄影培训班的教材以及广大摄影爱好者们的教材。对摄影工作者也有一定的参考价值。
作者简介
谢善本，男，1946年生，1968年毕业于华南理工大学（原名为华南工学院），本科学历，教授。国家高级摄影技师、摄影师考评员、中国民俗摄影协会理事、中国摄影家协会会员、广东岭南高级摄影师学会会长、广东省摄影师职业技能鉴定专家组成员、广州天河摄影协会副会长、佳友在线摄影网站摄影技术顾问、广西八步摄影家协会名誉会长、广州市老干部大学摄影协会顾问。
1985年至今从事高等教育摄影专业教育工作24年，公开发表和宣读的摄影论文共12篇。出版两本专著《电化教学技能训练教程》、《摄影技术》，编写大学摄影教材《电教摄影》、《电教摄影实验讲义》、《电教摄影学习指导书》、《彩色摄影》。承担省级摄影科研项目3个（项目负责人，其中2个项目获三等奖）。在广东电视台编稿、主讲《摄影教育电视讲座》6讲并在岭南台播出。公开发表的摄影作品约200幅，其中有十几幅获奖，分别获2005年首届中国文艺“金爵奖”摄影最佳奖， 获2006年首届中国文艺杰出成就奖摄影艺术金奖，获2005年纽约国际摄影沙龙优秀奖等。2006年至今在广东白云学院任教。
目录信息
读后感
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用户评价
初次翻开这本名为《摄影技术》的书，我原本期待能一头扎进光影的奥秘，学习如何精确控制快门速度、光圈大小，以及那些令人眼花缭乱的专业术语。然而，这本书却仿佛带着一种故意疏远的姿态，将那些我热切期盼的技术细节刻意放置在了次要的位置。它更像是一本关于“观看”的哲学散文集，而不是一本操作手册。书中花费了大量的篇幅来探讨“瞬间的永恒性”——探讨摄影师如何捕捉到一个时间点，并将其凝固，使其超越了物理意义上的流逝。我记得其中有一章节，作者通过分析几幅十九世纪的肖像作品，深入剖析了被摄者眼神中的微小颤动如何揭示了那个时代特有的社会压力与个体情感的压抑。这迫使我不得不停下来，放下手中的相机，转而沉思，究竟是我的眼睛捕捉了画面，还是我的思绪构建了影像？这种对观看主体性的强调，无疑提升了阅读的深度，但对于急于提升实战技能的我来说，读起来不免有些“形而上学”的挫败感，感觉自己像是在攀登一座信息量巨大的知识高塔，却发现地基是用抽象概念打的，而非坚实的工程图纸。
评分这本书的叙事风格极其跳跃，充满了跳跃性的类比和跨学科的引用，读起来需要极大的心智投入和背景知识储备。它仿佛一位饱经风霜的策展人在导览一个复杂的艺术展览，他不会直接告诉你展品是什么材质的，而是先从文艺复兴时期的色彩理论讲起，再跳到现代量子物理对光波性质的解释，最后才勉强触及到一张现代数码照片的色彩还原问题。例如，在讨论景深虚化（Bokeh）的应用时，作者竟然引用了多处巴赫赋格曲的对位法结构来比喻不同焦平面信息之间的层次关系，这种联想的力度是惊人的，但对于习惯了“光圈F值决定景深”这种直接因果链条的读者来说，理解起来无疑是云里雾里的。我不得不时常停下来，去查阅那些完全与摄影无关的艺术史和物理学概念，才能勉强跟上作者那近乎狂热的思维狂奔。这本书的优点在于它拓宽了我的知识边界，但其缺点也同样明显：它牺牲了清晰度和易读性，去追求一种近乎诗意的知识融汇，让“技术”一词，更像是一个被赋予了哲学重量的符号，而非实际操作的工具。
评分这本书的排版和装帧设计本身就透露出一种对传统技术手册的抗拒。它没有采用常见的清晰的图文对照或操作步骤分解，而是大量使用了抽象的、极简主义的留白，以及一些我完全无法辨认其意义的符号和图表——那些图表看起来更像是现代抽象派绘画的草稿，而非摄影器材的分解图。在介绍胶片冲洗流程时，书中用了一种近乎寓言的方式来描述显影液与定影液的作用，强调的是它们在化学反应中体现的“平衡与失衡”的哲学张力，而非精确的配比和时间控制。我本想寻找一个关于如何处理反差过大的负片的实用技巧，结果却读到了一篇关于“绝对黑色与绝对白色之间不可调和的矛盾”的长篇论述。阅读体验是分裂的，一方面，我被文字的魅力所吸引，感觉自己正在进行一场深奥的智力探险；另一方面，我不得不承认，我的工具箱里少了一把扳手，多了一堆精美的，但无法拧紧螺丝的装饰品。
评分我最终对这本书的评价是：它是一份极度个人化的、高度内省的“观看宣言”，而非一本“技术指南”。这本书完全没有提及任何关于数码传感器像素密度、RAW文件处理流程，甚至连当代主流的几款相机型号和镜头设计原理都没有做任何实质性的探讨。它似乎将焦点锁定在了摄影术的“精神源头”，而非其“工程实现”。书中花了很大篇幅去探讨日本“侘寂”（Wabi-Sabi）美学如何影响了摄影中的“不完美之美”，以及这种审美如何指导我们去接受镜头上的灰尘、画面中的噪点，将它们视为历史和时间的印记。这是一种极其高阶的审美训练，它要求读者先放下对“完美清晰度”的技术执念。对于一个刚买了新相机，想知道如何拍出清晰夜景的人来说，这本书提供的帮助几乎为零，它更像是写给那些已经掌握了所有技术，并开始思考“为什么我要拍照”的资深艺术家的。它提供了远景，却忽略了脚下的路。
评分我必须承认，书中对“光”的描绘，达到了令人叹为观止的文学高度，但这种文学性与实用性之间似乎存在一道难以逾越的鸿沟。作者似乎对“如何用闪光灯”这类问题嗤之以鼻，认为那是对光线的粗暴干涉。书中对自然光的赞美几乎到了偏执的程度，用大量的篇幅去描述不同季节、不同地理纬度下，太阳光线穿过大气层时发生的散射、折射和吸收过程，并将其与人类情感的微妙变化联系起来。我清晰地记得其中一段，作者描述清晨时分，光线穿过薄雾洒在古老石板路上，那种近乎“透明的重量感”，简直让人感觉自己也沐浴在了那片光影之中。然而，当我试图在实际拍摄中运用这些描述时，我发现它们更多是用来“感受”的，而非用来“控制”的。这本书更像是邀请我进入作者的内心世界，分享他对光线的宗教般崇敬，而不是教我如何设置 ISO 来应对室内低照度环境。它教会我欣赏光，却没能教会我驯服光。
评分挺实用！
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