詹建俊词典/艺术大家个人词典系列

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出版者:上海古籍出版社发行部
作者:徐锦江
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:
价格:26.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787532530588
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 词典
  • 艺术史
  • 艺术家
  • 绘画
  • 雕塑
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具体描述

詹建俊(1931~),满族,祖籍辽宁。当代油画家、美术教育家、作品有《狼牙山五壮士》、《毛主席在农民运动讲习所》、《高原的歌》等。作品笔触富有力度,风格雄健,气势流畅,后期多绘壮美幽静的自然风景,充盈昂扬而优美的情韵。为新中国油画艺术的代表人物。

    本书追踪艺术家詹建俊的人生之路,记录艺术史的珍贵影像,品赏魅力永存的经典作品,汇集最权威的艺品收藏信息。 

詹建俊:雕塑时代的诗意回响 在二十世纪中国雕塑艺术的宏伟画卷中,詹建俊以其独特的视角和深沉的笔触,描绘了一幅幅震撼人心的时代群像。他不仅仅是技艺精湛的雕塑家,更是以艺术为载体,对人生、对时代、对民族命运进行深刻反思的思想者。他的作品,如同凝固的史诗,穿越时空,至今仍回响着强劲的生命力和不朽的艺术精神。 铸就史诗的巨匠之手 詹建俊的艺术生涯,与新中国雕塑艺术的发展紧密相连。他早年接受苏联写实主义的严谨训练,却并未因此束缚,而是以饱满的热情和对现实生活的敏锐洞察,将这种艺术语言注入了中国特有的文化土壤。他的作品,无论是大型的纪念碑式雕塑,还是精巧的人物肖像,都流露出一种浑厚的力量感和蓬勃的生命力。 《英雄的母亲》便是他早期最具代表性的作品之一。在这件雕塑中,詹建俊没有刻意去塑造一个单一的、符号化的英雄形象,而是将目光投向了那些默默奉献、承受巨大牺牲的普通女性。母亲那饱经风霜的面庞,深邃而坚毅的眼神,宽厚而有力的臂膀,无不诉说着那个动荡年代里,女性所承担的沉重责任和伟大的母爱。这不仅仅是对一位母亲的赞颂,更是对那个时代无数母亲群体的集体画像,它触及了人性中最柔软也最坚韧的部分,引发观者强烈的共鸣。 他的目光同样聚焦于时代建设者和劳动人民。在《钢铁工人》等作品中,他用粗犷有力的线条和饱满敦实的形体,展现了劳动者身上所蕴含的原始力量和蓬勃朝气。汗水浸透的衣衫,紧握的拳头,充满力量的肌肉线条,无不凝聚着对劳动的尊严和对建设美好家园的坚韧信念。这些作品,不仅是对工人阶级形象的塑造,更是对那个时代集体主义精神和劳动光荣的颂扬。 时代精神的深刻捕捉 詹建俊的艺术,不仅仅是对现实的简单模仿,更是对时代精神的深刻捕捉和升华。他善于从宏大的历史叙事中提炼出个体的情感和生命体验,让冰冷的石头和铜块焕发出温度和灵魂。 《毛主席在延安》是他在新中国成立后创作的重要作品,这件作品以其宏大的规模和深刻的内涵,成为那个时代的重要艺术标志。詹建俊没有将领袖塑造成高高在上的神祇,而是选择了他在延安时期,与人民群众一同劳动的场景。毛泽东那略显疲惫却目光炯炯的神情,周围人民热切而崇敬的面容,共同构成了一幅生动而感人的画面。这件作品,不仅仅是历史事件的记录,更是对领袖与人民血肉相连、共同奋斗的时代精神的艺术诠释。 在表现历史题材的同时,詹建俊也从未忽视对个体命运的关照。他笔下的“边疆战士”、“支边青年”等形象,同样充满了力量和理想主义的光辉。他们眼神中透出的坚毅和对未来的憧憬,是对那个年代年轻人奉献精神的生动写照。即使在创作相对写实的作品时,詹建俊也总能在形体和姿态中注入一股内在的张力,让人物的性格和情感跃然石上。 艺术哲学的沉思与拓展 随着艺术视野的不断开阔,詹建俊的创作也开始呈现出更深沉的哲学思考。他开始探索雕塑与空间的互动,以及材质本身所蕴含的象征意义。在后期的创作中,我们可以看到他对抽象表现手法的尝试,以及对东方哲学与西方雕塑语言的融合。 “抽象”并非意味着脱离现实,而是通过更纯粹的艺术语言,去触及事物本质。詹建俊的抽象雕塑,往往是从具象的形象中提炼出的骨骼和肌理,它们依然保有生命的痕迹,却以一种更具象征意义的方式呈现。这种探索,体现了他对艺术语言边界的不断拓展,以及对雕塑艺术表现力的新追求。 他对于材质的运用也十分讲究。石头、青铜、木材,在不同的作品中,都被赋予了独特的生命。坚硬的青铜可以铸就庄严的纪念碑,温润的木材可以雕刻出细腻的情感,而粗粝的石头则能展现出原始的生命力。这种对材质的敏感和运用,使得他的作品在视觉上具有更强的冲击力和表现力。 超越时代的艺术遗产 詹建俊的艺术,是那个时代的一面镜子,映照出时代的变迁、人民的奋斗以及民族的精神。他的作品,不仅仅是博物馆里的珍品,更是活着的艺术,能够跨越时空,与今天的观众进行对话。 他用他的双手,塑造了历史的瞬间,也雕刻了不朽的灵魂。他的艺术,让我们看到了一个艺术家如何用他的作品,去回应时代,去歌颂生命,去探寻真理。他的名字,已经深深地镌刻在中国雕塑艺术的史册上,他的艺术精神,将继续激励着一代又一代的艺术家,去创造更美好的艺术未来。 “詹建俊词典/艺术大家个人词典系列”的出版,无疑是对这位艺术巨匠毕生成就的一次全面梳理和肯定。它将为我们提供一个深入了解詹建俊艺术创作历程、思想演变和艺术风格的重要窗口。通过这一系列,我们得以更清晰地认识到,一位真正的艺术大家,是如何在时代的大潮中,用艺术的力量,留下属于自己的独特印记,并为后世留下宝贵的精神财富。

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读后感

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我是在一个喧嚣的午后,试图寻找一片心灵的净土时,偶然间接触到这本作品集的。它给我的感觉,更像是一面穿透迷雾的棱镜。它聚焦的视角异常锐利,尤其是在探讨“东方水墨画的留白哲学”时,那种意境的营造,简直令人拍案叫绝。作者没有用学院派的僵硬语言去定义“空”,而是通过引用古代诗词和哲学典籍,将“无”提升到了“有”的高度。比如,书中提到某位宋代画家的山水,留出三分之二的空白,并非偷懒,而是为了让观者的想象力在其中驰骋,让气韵在虚实之间流转。这种描述的诗意和哲思的深度,让我感觉自己不是在阅读一本工具书,而是在进行一场与古人的精神对话。我记得我当时正对着电脑屏幕上的代码感到焦躁,但仅仅读了关于“禅宗美学与园林设计”的几段文字,我的呼吸就奇迹般地慢了下来。这本书的排版也极为考究,大片的留白设计本身就是对这种“空灵”主题的完美呼应,读起来赏心悦目,毫无压迫感,是一剂对抗现代信息轰炸的良药。

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说实话,我原本对这种“大家”系列词典抱持着一种审慎的态度,总觉得内容会过于学术化,难以消化。然而,这本书在处理“现代主义建筑中的功能主义思潮”这一章节时,却展现出了惊人的亲和力。它没有沉溺于晦涩的建筑理论,而是通过大量的案例分析,将抽象的理念具象化。书中对包豪斯时期某位设计师工作室的剖析尤其精彩,它详细记录了从最初的草图、材料的选择,到最终投入使用的全过程,甚至连采光角度的微小调整对工作效率的影响都计算在内。这种近乎工匠精神的记录方式,让我深刻理解了“形式追随功能”的真正含义——它不是一句口号,而是一系列精密的、为解决实际问题而做的妥协与优化。我尤其喜欢它对材料特性的描述,比如混凝土的冷峻感如何被木材的温润所中和,这种对物质世界细腻的感知力,极大地拓宽了我对“设计”的理解边界,它不再仅仅是美学上的构建,更是一种对人类生活状态的深刻关怀。

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我一直有一个困惑,那就是如何将不同地域、不同时代的艺术风格进行有效的比较和勾连。这本书在这方面做出了大胆而成功的尝试。它没有简单地堆砌事实,而是构建了一条流动的历史河流。让我印象最为深刻的是关于“中西音乐理论在和声学上的异同”的对比章节。作者巧妙地运用了图表和比喻,将五声音阶的内敛与西方十二平均律的严谨并置分析。它指出,虽然体系不同,但追求的终极目标——即人与天地和谐的“共鸣”——却是相通的。这种跨文化的对话能力,是这本书最让我感到震撼的地方。它让我意识到,艺术的本质是共通的,只是不同的文化用各自的“语言”进行了表达。阅读过程中,我仿佛站在一个高高的瞭望台上,俯瞰着全球艺术史的壮阔图景,每一个孤立的知识点都找到了它在宏大脉络中的定位,感觉整个知识体系瞬间被串联了起来,变得立体而富有张力。

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这部厚重的典籍,甫一入手,便给人一种沉甸甸的庄重感。那种油墨的清香混合着纸张本身的干燥气息,仿佛能让人闻到时间沉淀下来的味道。我特地翻阅了其中关于“巴洛克时期雕塑技巧”的那一页,发现其对光影处理的细致描述,简直可以用“庖丁解牛”来形容。它不像某些泛泛而谈的艺术史书籍,仅仅是罗列年代和人名,而是真正深入到创作者的思维脉络中去。比如,它解析了贝尔尼尼如何通过对大理石的精雕细琢,营造出那种几乎要从石块中挣脱出来的动态感,那种对材质的深刻理解和对人体结构近乎病态的痴迷,都通过文字鲜活地再现了。我尤其欣赏它在术语解释上的严谨性,即便是像“明暗对比法”这样基础的概念,也能从文艺复兴初期一直追溯到后期浪漫主义的影响,构建起一个完整而清晰的知识网络。对于一个自诩对艺术略有涉猎的业余爱好者来说,这本书提供的不仅仅是知识点,更是一种系统性的、结构化的审美教育。它引导你去看,去理解,去触摸那些隐藏在宏大叙事之下的微小细节,让人在合上书本后,再去看任何一件艺术品时,都能多一份敬畏与洞察。

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这本书的价值,绝不仅仅在于它收录了多少艺术家和作品,而在于它构建了一种独特的“观察世界”的视角。我是一个对摄影艺术情有独钟的人,这本书中关于“纪实摄影的伦理边界”的讨论,无疑是点睛之笔。它没有给出标准答案,而是抛出了一系列发人深省的问题:当镜头对准苦难时,记录者是扮演了见证者的角色,还是在无意中成为了消费悲剧的帮凶?书中引用了多位著名纪实摄影师的辩词和反思,使得这个话题充满了张力和思辨性。它迫使我停下来,重新审视我过去观看过的那些震撼人心的照片,去思考那些被定格瞬间背后的复杂人性。这种引导读者进行深度反思的能力,是任何一本纯粹的知识罗列型书籍所无法比拟的。它像一个温和而坚定的导师,引导着你一步步走向更成熟、更具批判性的艺术理解境界。

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