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出版者:Yale University Press

作者:Mr. Barry Kernfeld

出品人:

页数:294

译者:

出版时间:1997-10-20

价格:USD 29.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780300072594

丛书系列:

图书标签:

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爵士乐聆听指南：深入剖析音乐的灵魂与结构 书籍简介 《爵士乐聆听指南》并非一本侧重于爵士乐历史编年或音乐家生平传记的工具书，它是一份献给所有渴望超越表面旋律、真正“听懂”爵士乐精髓的乐迷的深度导览。本书旨在拆解爵士乐这一复杂而迷人的艺术形式，帮助读者建立一套系统的聆听框架，从而在每一次播放中都能发现新的层次、新的对话和新的情感共鸣。 本书摒弃了晦涩难懂的音乐学术语，转而采用一种更加直观、更具体验性的语言，引导读者从多个维度走进爵士乐的内部世界。我们关注的不是“谁是下一个查理·帕克”，而是“当查理·帕克在即兴时，他具体在做什么”。 第一部分：爵士乐的基石——节奏的脉动与和声的色彩 爵士乐的生命力首先体现在其独特的节奏驱动上。本部分将深入探讨“摇摆”（Swing）的物理感受与音乐原理。我们不会满足于“摇摆就是一种感觉”的模糊描述，而是会详细解析八分音符的非对称性处理、切分音（Syncopation）如何制造张力与释放，以及鼓手在保持稳定律动的同时如何通过细微的装饰音（Fills）实现对音乐的“对话”。通过分析早期的迪克西兰（Dixieland）到后来的硬波普（Hard Bop）中节奏部分的演变，读者将学会如何分辨不同时代节奏组的驱动力差异。 随后，本书将转向和声。爵士乐的和声语言是其区别于古典或流行音乐的标志之一。我们将系统梳理七和弦、九和弦、十一和弦乃至十三和弦的构成逻辑，重点讲解“延伸音”（Extensions）和“变化音”（Alterations）如何为旋律线条提供了无限的可能性。例如，解析“属七和弦的替代”（Tritone Substitution）是如何在不破坏和声功能的前提下，为即兴演奏者提供了更宽广的调性选择，以及如何识别那些暗示着特定情绪或色彩的“挂留音”（Suspensions）与“色彩音”（Color Tones）。通过对布鲁斯（Blues）和弦进行（Chord Progression）的深度剖析，读者将掌握理解几乎所有爵士标准曲的基础语法。 第二部分：即兴的艺术——旋律的对话与个人声音的塑造 即兴演奏是爵士乐的灵魂，也是最让非专业听众感到“难以捉摸”的部分。本章旨在揭示即兴的结构性与创造性之间的平衡。 我们将从基础的“音阶对应法”（Scale Matching）入手，解释乐手如何根据当前和弦选择合适的音阶进行演奏。然而，更重要的是，本书将超越音阶的限制，探讨即兴的“语法”——即乐手如何构建乐句（Phrasing）。分析段落将集中在以下方面： 1. 动机发展（Motivic Development）： 优秀乐手如何从一个短暂的音乐动机出发，通过重复、变形、节奏移位等手法，将其发展成一个完整的段落，而非仅仅是音符的随机堆砌。 2. 对空间的运用（Use of Space）： 沉默（Rest）在爵士乐中与音符同等重要。我们将分析演奏家如何利用停顿来增强音乐的戏剧性，为听众和协奏乐手留下呼吸和思考的空间。 3. 与和声的互动： 深入剖析“路过音”（Passing Tones）、“装饰音”（Neighbor Tones）以及如何运用“目标音”（Target Tones）来强调和弦的关键音，从而在保持流畅性的同时精准地“锚定”在和声结构上。 此外，本书还将特别关注“个人声音”（Personal Voice）的形成。通过对比不同时代大师（如科尔曼·霍金斯与莱斯特·扬的音色差异，或迈尔斯·戴维斯与约翰·柯川的旋律倾向）的即兴片段，读者将学会如何捕捉乐手选择音符、处理节奏和构建乐句时所体现出的独特个性。 第三部分：曲式结构与风格的演变 爵士乐的广度令人敬畏，从起源地的田园牧歌到前卫实验的宇宙探索。本部分提供了一个清晰的风格地图，帮助听众定位他们正在聆听的作品属于哪一个“家族”。 早期探索（New Orleans & Swing）： 探讨集体即兴的魅力，以及摇摆时代大乐队（Big Band）如何将复杂的编排与个人的独奏巧妙地结合。重点分析主旋律（Head）的重复与变奏。 比波普（Bebop）的革命： 分析比波普如何将速度与和声复杂性推向极致，以及它是如何将爵士乐从舞池音乐转变为需要高度专注聆听的艺术音乐。 冷爵士与酷派（Cool Jazz）： 考察其对欧洲室内乐的借鉴，以及在音色处理上追求的克制与内敛。 调式爵士（Modal Jazz）的解放： 重点剖析《Kind of Blue》这类作品，解释乐手如何从和弦驱动转向调式思维，从而拓宽了即兴的广度，减少了和弦转位的限制。 后爵士时代的探索： 简要触及自由爵士（Free Jazz）对结构的反叛，以及融合爵士（Fusion）如何吸纳摇滚和放克元素，探讨这些流派在保持爵士核心精神的同时如何实现当代化。 第四部分：聆听的实践与情感的连接 本书的最后一部分回归听众本身，提供一套实用的聆听技巧。我们鼓励读者进行“多轨聆听”——即在第一次聆听时关注旋律，第二次关注节奏组（贝斯与鼓如何支撑和推进），第三次则专注于乐器之间的非语言对话（例如萨克斯风乐手对钢琴和弦的反应）。 我们还将讨论如何欣赏“录音室的艺术”——混音、音色选择以及现场录音与录音室版本的区别如何影响最终的听觉体验。 《爵士乐聆听指南》旨在打破爵士乐“高深莫测”的壁垒，通过系统化的分析工具和充满热情的引导，使听众能够自信地走进任何爵士酒吧或音乐厅，不仅听到美妙的旋律，更能清晰地识别出每一位演奏家在那个瞬间，为音乐所献上的独特思考与激情。这是一本关于如何倾听、如何理解、如何爱上爵士乐的实践手册。

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坦白说，我本来以为这本书会是一本适合音乐专业人士的工具书，但事实证明，我完全错了。它异常亲民，简直是为那些像我一样，只是单纯热爱那种慵懒、自由的氛围，却对乐理一窍不通的普通听众准备的。书中的章节安排非常巧妙，它们不是按照时间线或风格强行划分，而是围绕着一些核心的情感主题展开，比如“迷失与寻找”、“深夜的独白”或是“阳光下的狂欢”。通过这些主题，作者将复杂的演奏技巧自然地融入到情绪的表达中。例如，在讨论比波普（Bebop）时，它没有堆砌快速音阶的描述，而是聚焦于那个时代音乐家们那种急切、想要突破束缚的内在驱动力，让你在听到那些快速的琶音时，能真切地感受到那种被压抑后的爆发。这本书的排版和设计也令人愉悦，那些穿插其中的历史照片和老乐手的访谈片段，为文字增添了重量感和真实性，让人感觉自己不是在读一本教材，而是在翻阅一本关于某个黄金时代的私密笔记。它成功地架起了一座桥梁，连接了听众的情感世界与爵士乐复杂的艺术结构。

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我带着一种近乎挑剔的眼光翻开了这本书，因为我对市面上那些泛泛而谈的音乐指南实在感到厌倦了。这本书没有让我失望，它真正做到了将晦涩的音乐理论包裹在极其富有画面感的叙事之中。它的语言风格如同老式唱片机上流淌出的温暖电流，带着一种复古的质感，却又充满了对现代听觉体验的洞察力。作者在探讨节奏的复杂性时，没有使用传统的拍号和节拍描述，而是将其比喻成城市中不同速度的车流，互相穿插，既独立又构成了一个和谐的整体。我特别欣赏它对“留白”艺术的强调，爵士乐的美妙，往往不在于演奏了多少音符，而在于那些未被演奏的瞬间。这本书深刻地剖析了这种“沉默的重量”，让我在聆听那些大师作品时，开始留意那些微妙的停顿和呼吸。它更像是一本关于“倾听哲学”的书籍，引导读者放下预设的期待，全身心地沉浸在音乐家们即兴创作的那个“当下”。对于想要将爵士乐提升到一种生活艺术层面的人来说，这本书提供了一个极其深刻且充满灵性的视角，读完之后，我感觉自己的耳朵都被“重新校准”了。

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这本书最大的价值，在于它对“即兴”这一核心概念的解构与重塑。在很多关于即兴音乐的讨论中，这个词常常被神化或神秘化，让人觉得那是天才的专利。然而，这本书却用一种极为务实的笔触，揭示了即兴背后的严谨训练和深厚积累。它没有回避技术层面的讨论，但处理得非常高明——它把技术（比如和弦替代、推算旋律线）描述成乐手们信手拈来的“词汇库”，只有词汇量足够大，才能在对话中组织出最精彩的句子。我个人特别赞赏它对不同乐器在即兴中的角色定位的分析。比如，贝斯手如何在看似简单的低音进行中，为整个乐队提供稳固的结构和微妙的推动力；鼓手如何通过细微的踩镲变化来改变音乐的“湿度”。这些深入到乐器层面的观察，极大地丰富了我对整个合奏状态的理解。读完后，当我再次听Miles Davis的演奏时，我不再只关注他吹出的那个主旋律，而是开始留意钢琴和贝斯是如何围绕着他的旋律进行回应和支撑的，整个音乐图景一下子变得立体而生动起来。

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如果说，爵士乐是一座由无数声音雕塑构成的迷宫，那么这本书就是那张最精准、最富有人情味的地图。它没有试图将爵士乐塞进任何僵硬的框架，相反，它拥抱了这种音乐的流动性和矛盾性。我特别喜欢作者对“蓝调根源”的追溯，它提醒我们，无论爵士乐发展得多远、多前卫，其情感核心始终扎根于那些最原始、最真挚的痛苦与喜悦之中。书中对特定专辑和曲目的分析，简直可以作为“精听指南”来使用。例如，对某一首曲子分解到只剩鼓点和贝斯的演奏，然后一步步加入钢琴和人声，这种引导式的聆听体验，远比直接听原版要来得更有效率。这本书的叙事节奏非常流畅，没有让人感到任何冗余或重复，信息密度极高却又读起来毫无压力。它成功地激发了我极强的“求证欲”，每读到一个关于某个模糊乐句的描述，我都会立刻停下来去唱片里寻找那个瞬间，并欣喜地发现，作者的描述分毫不差，精准得令人惊叹。这本书真正做到了“授人以渔”，它给我的不是一堆现成的答案，而是一套永不枯竭的探索工具。

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这本书简直是一次奇妙的听觉冒险，它没有给我枯燥的乐理知识，而是像一位经验丰富的老友，带着我深入爵士乐那纷繁复杂的迷宫。我记得刚开始听爵士乐的时候，常常觉得那些即兴演奏听起来杂乱无章，抓不住重点。但自从读了这本书，那种“听不懂”的感觉彻底消失了。作者巧妙地运用了一系列生动的比喻和生活化的场景，来解释那些看似高深的音乐概念，比如“和声的色彩变化”不再是冷冰冰的音符排列，而更像是画家笔下的光影过渡，充满情感和层次。最让我印象深刻的是它对不同时代爵士乐流派的梳理，从早期的摇摆乐到后来的冷爵士、自由爵士，每一种风格的转变都讲述了一个关于时代精神和音乐家心路历程的故事。我尤其喜欢作者描述萨克斯风演奏家如何“对话”的情景，那种你来我往的音乐交锋，完全能通过文字感受到现场的张力。这本书让我不再是被动的接收者，而成了主动的探索者，每次播放一张唱片，都能发现以前从未注意到的细节，仿佛打开了一扇通往声音深处的大门。它教会我的，不是如何去“分析”爵士乐，而是如何去“感受”爵士乐的灵魂所在。

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