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出版者:Columbia University Press

作者:Michel Chion

出品人:

页数:208

译者:Claudia Gorbman

出版时间:1999-2-10

价格:USD 28.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780231108232

丛书系列:

图书标签:

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银幕上的低语：电影声音设计与叙事 作者：[此处留空，或使用一个虚构的、符合主题的作者名] 出版社：[此处留空，或使用一个虚构的、符合主题的出版社名] 字数：约 1500 字 --- 内容简介： 《银幕上的低语：电影声音设计与叙事》是一部深入剖析电影声音作为核心叙事元素，而非仅仅是画面附属品的专著。本书旨在打破传统影评和电影理论中对视觉的过度偏爱，将声音提升至与光影同等重要的地位，探讨声音如何塑造观众的感知、引导情感的流向，并构建起电影世界观的复杂肌理。 本书并非聚焦于某一部特定的电影，而是从声音的历史、理论基础、技术实践以及跨文化传播等多个维度，构建起一套完整的电影声音哲学体系。它不仅仅是一本技术手册，更是一篇对听觉体验在电影艺术中潜能的深度探索。 第一部分：听觉的诞生——声音在电影中的历史脉络与理论基础 章节一：从默片到有声的鸿沟：历史的断裂与重构 本章追溯了电影声音的早期尝试与里程碑式的突破，如《爵士乐歌唱家》的问世。重点探讨了从纯粹的视觉语言到视听结合的转变过程中，声音是如何被“发明”出来，以及这种发明初期带来的美学焦虑与创新机遇。我们分析了早期声音电影在叙事节奏和镜头运用上的保守性，以及如何逐渐摆脱“附庸”地位。 章节二：声音的本体论：符号学与现象学视角下的听觉 我们将声音置于符号学分析的框架之下，探讨环境音（Diegetic Sound）、画外音（Non-Diegetic Sound）以及音乐的特定符号意义。更进一步，本章借鉴现象学哲学，讨论声音如何直接作用于观众的身体经验和在场感（Presence）。声音不仅仅是信息载体，它更是一种“在场”的证明，塑造着我们对银幕事件的真实性判断。 章节三：声音景观的构建：声场、空间感与沉浸式体验 空间感是电影声音设计中最具挑战性的任务之一。本章详细阐述了如何通过混音、混响（Reverb）和延迟（Delay）技术，在二维屏幕上营造出三维的听觉空间。我们分析了“声场”（Sound Field）的概念，以及声音的方位感如何影响观众对角色位置、环境规模乃至叙事距离的感知。 第二部分：声音的工具箱——设计、混合与情感的操控 章节四：三类声音的雕刻：对白、效果与音乐的辩证关系 本书将电影声音划分为三大核心元素：对白（Dialogue）、音效/环境声（Sound Effects/Ambiences）和音乐（Music）。每一类声音都有其特定的叙事功能。 对白： 不仅是信息传递，更是角色性格、社会阶层和内心冲突的外显。本章探讨了微弱对白、失真对白以及“非自然”对白在表达心理状态上的效用。 音效： 这是电影声音最具创造性的领域。我们深入研究了“声音设计”的本质——如何创造出不存在或难以捕捉的声音（如科幻或奇幻的声效），以及如何通过增强或削弱特定环境音来制造心理压力。 音乐： 探讨了管弦乐、电子乐和流行乐在电影中的不同功能，以及音乐如何与画面的情感强度产生协同、对比或反讽作用。 章节五：声音的动态控制：节奏、张力与剪辑中的听觉逻辑 声音与画面剪辑的配合构成了电影的节奏。本章着重分析声音如何驱动剪辑点的选择。我们研究了“声音的锚点”（Sound Bridges），即声音如何跨越镜头剪辑实现平滑过渡，以及在动作场面中，声音的密度和频率变化如何直接调动观众的生理反应（心跳加速、呼吸急促）。 章节六：沉默的语言：空白、呼吸与声音的缺失 沉默在电影中并非“无声”，而是声音设计的高级形态。本章系统分析了极端沉默、有意识的空白以及环境背景音的突然撤离所带来的叙事冲击力。沉默可以放大心理创伤，突显角色的孤立，或预示着即将到来的巨大变动。 第三部分：声音的超越性——跨越边界与未来探索 章节七：听觉的主观性：感知过滤与心理投射 本章转向观众的主观体验。我们探讨了“过滤”（Filtering）的概念，即声音如何受到角色内在状态（恐惧、兴奋、偏执）的影响而被扭曲或夸大。例如，在惊悚片中，环境噪音（如冰箱的嗡嗡声）如何从环境声转变为角色内心焦虑的具象化体现。 章节八：声音的地理学与文化编码 电影声音的设计并非是文化中立的。本章考察了不同文化区域对声音的偏好与禁忌。例如，某些文化对音乐的主导地位更为看重，而另一些则更依赖于清晰的、近距离的对白录音。我们分析了声音如何被用来快速建立异国情调或文化身份。 章节九：沉浸式音景的未来：杜比全景声、空间音频与虚拟现实的听觉挑战 最后，本书展望了电影声音技术的未来发展方向，特别是多声道和沉浸式音频技术（如沉浸式声场、Ambisonics）对传统线性叙事结构可能带来的颠覆。我们思考，当观众可以自由地“看向”声音来源时，导演如何重新掌控叙事的焦点和意图。 --- 目标读者： 电影研究者、声音设计师、电影制作专业学生，以及所有对电影艺术的底层构建机制抱有强烈好奇心的影迷。 本书的价值： 《银幕上的低语》提供了一套严谨且富有启发性的分析工具，旨在引导读者在欣赏电影时，将耳朵从屏幕下方解放出来，真正进入到由声音精心编织的复杂感知迷宫之中，从而揭示电影艺术中隐藏的、至关重要的听觉维度。它邀请我们重新学习如何“听”电影。

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说实话，我本来对这种专注于“声音”的书籍持保留态度的，总觉得它们容易流于技术细节的堆砌，缺乏宏大的哲学思辨。然而，这本书《银幕之声》完全颠覆了我的预期。它没有沉溺于混音技术或者声学原理的枯燥介绍，而是将电影声音提升到了存在主义的层面进行探讨。作者的叙事风格非常流畅，带着一种文学散文的韵律感，但其论证的严谨性却丝毫不让于学术专著。我特别欣赏他对“静默”（Silence）在电影语言中作用的精妙捕捉。静默不再是声音的对立面，而是一种积极的、充满张力的叙事工具。书中通过对塔尔科夫斯基和贝拉·塔尔后期作品中那种近乎永恒的、压抑的寂静的案例分析，揭示了声音的缺席如何能比最宏大的交响乐更能穿透人心，直抵存在之虚无。这种对“负空间”的深刻洞察，让整本书的格局一下子打开了。它迫使我们思考，当听觉被剥离后，影像如何独自支撑起意义，或者，它是否根本就不需要意义，只需要存在本身。对我来说，这本书更像是一本关于感知哲学的入门读物，只是它的媒介恰好是电影的声音。

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这本《银幕之声》简直是电影理论界的核武器，每一页都像是在对我脑子里固有的关于电影听觉经验的认知进行一次彻底的拆解和重塑。我通常看理论书籍都会带着一种警惕性，生怕陷入那种空泛的、自我循环的术语迷宫，但作者在这本书里展现了一种近乎外科手术般的精准度。他不是简单地罗列声音的元素——对白、音乐、音效——而是深入挖掘它们如何在潜意识层面与视觉符号共谋，共同构建出银幕叙事中的“在场感”和“情感投射”。比如，书中对“听觉空间化”的论述，尤其精彩，它不仅仅是物理距离的再现，更是一种心理距离的建构。我记得有一个章节深入剖析了希区柯克早期作品中对“失语症”的处理，那种声音的刻意缺失或扭曲，如何比任何尖叫都更令人毛骨悚然。这本书的行文节奏非常紧凑，充满了挑战性，但回报是巨大的。它要求你回溯所有你看过的电影，用全新的听觉透镜去审视它们，你会发现那些曾经被你忽略的、习以为常的音轨，其实隐藏着导演最深层的意图。读完之后，我发现自己看电影的方式彻底被“劫持”了——再也无法单纯地“听”了，必须“解构”地听。

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如果要用一个词来形容阅读这本书的感受，那就是“解构主义的快感”。《银幕之声》的作者仿佛是一位声音领域的福柯，他没有提供一套现成的、易于吸收的理论框架，而是提供了一套强有力的“解剖工具”，让你自己去拆解那些你认为理所当然的声音现象。书中对“拟音的失效”这一概念的论述，尤其具有颠覆性。在数字时代，拟音的“手工感”和“可信度”是如何被日益精细的合成音效所取代的，以及这种取代对观众情感反应链条的微妙影响，被分析得淋漓尽致。这本书的批判视角非常锐利，它毫不留情地揭示了声音设计是如何被商业逻辑所裹挟，如何通过精心调制的“情绪按钮”来操控观众。与那些仅仅赞美电影声音艺术的著作不同，这本书更像是一份严肃的“听觉伦理学”报告。它要求我们不仅要欣赏声音的美感，更要警惕声音的权力。这种批判性的视角，让整本书充满了思想的张力和永恒的价值。

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我得承认，这本书的阅读体验是相当“高强度”的，它不是那种可以轻松翻阅的“咖啡桌读物”。《银幕之声》的结构设计非常精巧，它似乎采用了螺旋上升的方式，每一章都在前一章的基础上叠加了新的理论维度，使得主题不断深化，直至令人应接不暇。我尤其被书中关于“拟声与拟人化”的讨论所吸引。作者巧妙地将声音设计与蒙太奇理论并置讨论，指出声音的快速剪辑和视觉的跳跃剪辑具有异曲同工之妙，都是为了制造一种超越现实的时间感和冲击力。书中引用的案例覆盖面极广，从早期的表现主义恐怖片到当代数字音景的构建，无一不被囊括。读到某一处，我突然领悟到，我们常说的“电影感”，很大一部分是通过声音的“非同步性”来实现的，视觉与听觉的微小错位，恰恰是制造“异化”和“批判性距离”的关键。这本书的语言是高度密集的，我经常需要停下来，对照着自己脑海中闪过的电影片段反复咀嚼那些复杂的句子，才能真正把握作者的意图。这绝对是一本需要反复研读的深度著作。

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这本书《银幕之声》带给我的震撼，主要来自于它对技术与艺术边界的模糊处理。在很大程度上，我原以为声音设计是技术优先于艺术的领域，但作者通过一系列近乎诗意的论述，成功地将声学工程提升到了符号学和美学的制高点。书中关于“环境音轨的自我意识化”的探讨令人拍案叫绝。当环境声不再仅仅是背景的填充物，而是主动参与到叙事冲突中时，观众的沉浸感是如何被重塑的？作者的论述鞭辟入里。我印象最深的是他对某些后现代电影中“超现实主义音景”的分析，那种将所有声音元素拉到同一清晰度层级的处理方式，如何彻底瓦解了传统声场中“远近”、“主次”的等级结构，创造出一种扁平化的、令人不安的听觉平面。这本书的优点在于它不仅描述了“发生了什么”，更深入挖掘了“为什么会这样”，并将其置于更广阔的文化和感知史背景下进行考察。读完后，我看着任何一部电影的片尾字幕时，都会忍不住去想象那个庞大的声音设计团队是如何在幕后进行这场无形的“听觉建筑”的。

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de-acousmatization as strip-tease tho??

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除了用太多Psychoanalysis來證明他所觀察的結果以外都很好。

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acoustic: difference between life theater & ciniema

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