Silent Film Sound (Film and Culture Series) pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:Columbia University Press

作者:Rick Altman

出品人:

页数:480

译者:

出版时间:08 December, 2004

价格:$50.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780231116626

丛书系列:

图书标签:

电影理论
声音
Silent film
Film sound
Film history
Film theory
Sound studies
Early cinema
Media studies
Cultural studies
Music in film
Silent era

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具体描述

Because silent cinema is widely perceived as having been exactly that-silent-no one has fully examined how souns was used to accompany the films of this era. Silent Film Sound reconsiders all aspects of sound practices during the entire silent film period. Based on extensive origianl reserach and accompanied by gorgeous illustrations, the book challenges the assumptions of earlier histories of this period in film and reveals the complexity and swiftly changing nature of American silent cinema. Contrary to received opinion, silent films were not always accompanied, nor were accompaniments uniform. Beginning with sound practices before cinema's first decade and continuing through to the more familiar sound practices of the 1920s, Rick Altman discusses the variety of sound strategies and the way early cinema exhibitors used these strategies to differentiate their products. During the nickelodeon period prior to 1910, this variety reached its zenith, with theaters often deploying half a dozen competing sound strategies-from carniva-like music in the street, automatic pianos at the rear of the theater, and small orchestras in the pit to lecturers, synchronized sound systems, and voices behind the screen. During this period, musical accompaniment had not yet begun to support the story and its emotions as it would in later years. But in the 1910s, film sound acquiesced to the demands of the burgeoning cinema industry, who successfully argued that accompaniment should enhance film's narrative and emotional content rather than score points by burluesqiung or "kidding" the film. The large theaters and blockbuster productions of the mid-1910s provided a perfect crucible for new instruments, new music publication projects, and the development of a new style of film msuic. From that moment on, film music would become an integral part of the film rather than its adversary, and a new style of cinema sound would favor accompaniment that worked in concert with cinema story-telling. For the first time, Silent Film Sound details the ways in which these diverse intersts and industires cam together to produce an extraordinarily successful audiovisual art.

《屏幕上的交响：早期电影时代的听觉景观》导言在电影艺术的黎明时期，无声电影的时代并非真正“无声”。与之相反，它是一个充满生机、声音密度极高且极具创造力的听觉景观。早期电影院，无论是在繁华都市的豪华殿堂还是偏远小镇的简陋影棚，都是声音实验和文化交汇的中心。本书将带领读者穿越这段迷人的历史时期，深入探究声音在早期电影制作、放映、消费以及文化理解中所扮演的核心角色。我们不仅仅是研究视觉艺术的演变，更是重建一个被遗忘的、由音乐、口头叙事、现场表演和新兴技术共同塑造的复杂听觉世界。第一章：无声的误解：重建早期电影院的声音生态长期以来，主流的电影史叙事将无声电影阶段视为一个纯粹视觉的过渡期，直至“有声电影”的革命性突破。然而，这种观点严重低估了当时声音实践的复杂性与重要性。本章旨在挑战“无声”这一标签，揭示早期电影放映环境的真实听觉构成。我们将探讨电影院内部的声音结构：从作为核心声源的现场音乐家（钢琴师、管风琴师、小型管弦乐队）的职责、技术要求与艺术自由，到他们如何通过即兴演奏来匹配银幕上的情绪波动。音乐的编排并非随意，而是遵循着一套复杂的、有时是地域性的“配乐指南”（Cue Sheets）和“活谱”（Mood Music Libraries）。我们分析这些音乐材料的类型学，包括它们如何被用于指示特定的情节转折、人物情绪（如恐惧、浪漫、冲突），以及它们在建立叙事节奏中的关键作用。此外，本章还将考察现场口头叙事的实践——配音员、解说员（Benshi，特别是在日本）的作用。这些声音表演者不仅仅是为观众提供情节翻译，他们更是声音解释者、情绪放大器和文化中介。他们与银幕影像的互动，形成了一种独特的跨媒介表演艺术。通过对当时报纸评论、行业手册和观众回忆录的细致梳理，我们得以重构一个声音丰富、动态变化的早期电影放映体验。第二章：技术的边缘：声音复制与同步的早期尝试电影技术的早期发展史充满了对声音同步的狂热追求。在主流有声电影（如《爵士乐之王》）出现之前，技术人员和发明家们进行了大量的、有时是徒劳的尝试，试图在银幕上实现声音与影像的固定结合。本章关注这些早期的“噪音”实验及其对后来行业标准的影响。我们将详细考察一系列非主流但具有历史意义的同步系统，包括早期的机械耦合装置（如使用唱片与投影机同步的Kinetophone系统）、光学记录尝试，以及各种复杂的机械延迟和放大系统。研究这些系统的失败之处，往往比研究成功案例更能揭示早期电影制作者在平衡技术可行性、成本效益与艺术效果时所面临的巨大挑战。这些实验展示了行业对“完美同步”的执念，这种执念本身就是对无声电影局限性的早期反抗。本章还将深入探讨技术标准化的历史背景。早期声音技术的分散性导致了市场混乱，不同地区、不同影院采用不同的播放速率和系统，使得声音技术的普及面临巨大障碍。我们分析了诸如福克斯（Fox）、米特罗·格雷厄姆（Mitro-Graham）等公司如何试图通过专利和市场推广来确立自己的声音主导地位，这为1920年代末期的“声音战争”埋下了伏笔。第三章：电影院作为听觉公共空间：社会与文化的影响电影院在20世纪初不仅仅是娱乐场所，它们是重要的社会机构和听觉公共空间。本章着眼于声音如何塑造观众的社交行为、阶级互动以及对现代性的感知。在无声电影时代，观众的“噪音”——交谈、评论、鼓掌、甚至对银幕上的音乐的哼唱——是体验中不可分割的一部分。这种集体听觉参与，使得观看电影成为一种高度社会化的活动。我们将研究这些声音行为如何受到影院管理者的规制和控制，以及不同社会阶层观众的听觉习惯差异。例如，富人区的影院可能更强调音乐的精致性，而工人阶级社区的影院则可能更容忍甚至鼓励观众的直接反应。此外，本章考察了声音在文化传播中的作用。即使是没有固定对白的电影，其配乐和现场解说也承载着重要的意识形态和文化信息。配乐的选择往往会强化特定的民族身份、性别刻板印象或政治立场。通过分析特定电影配乐在不同文化语境中的变化，我们可以洞察声音如何被用来“驯化”或“重塑”观众对全球影像的理解。第四章：从音乐到对白：声音实践的专业化与制度化当有声电影最终以固定对白和音乐的形式占据主导地位时，电影制作的整个专业生态系统经历了剧烈的重组。本章探讨这种转变如何影响了电影人才的构成和创意过程。随着录音棚取代现场乐队，音乐家和现场表演者（如Benshi和解说员）的职业身份迅速瓦解或被边缘化。我们将分析这种职业转型带来的文化阵痛——许多才华横溢的钢琴师和管风琴师发现他们的技能在一夜之间过时了。同时，新的声音技术工种诞生了，包括录音工程师、声音设计师和对话编剧，他们带来了新的技术规范和艺术追求。本章也关注声音美学在固定有声电影中的初步发展。早期有声电影在声音使用上常常显得笨拙或过度依赖，将舞台剧的对白直接搬上银幕。我们分析了早期声音美学是如何在尝试摆脱舞台束缚、利用电影空间和声音景深的过程中逐步成熟的。结论：回响与遗存无声电影的声音实践并非一个前有声时代，而是一个与视觉并行发展的、成熟且复杂的听觉艺术领域。对这段历史的重新审视，不仅丰富了我们对电影史的理解，也为当代的声音设计和跨媒体叙事提供了宝贵的历史参照。早期的声音实验，无论是失败的同步尝试还是现场音乐的即兴创作，都构成了现代电影听觉语言的深层基础。通过聆听这些“沉默”时期的回响，我们能更全面地欣赏电影艺术从诞生之初就拥有的丰富、多维度的感官体验。