光良創作樂譜集NO.1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:尖端

作者:光良

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页数:0

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出版时间:2005年02月18日

价格:NT$ 350

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isbn号码:9789571029948

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悠扬的旋律与指尖的艺术：深入探索音乐创作的广阔天地 本书并非《光良創作樂譜集NO.1》的收录之作，而是一部旨在拓宽音乐学习者视野、深入剖析音乐创作核心技巧的综合性教程与灵感宝库。 本书集合了从基础乐理到高级和声编配，再到不同风格音乐结构解析的全面内容，致力于为所有热爱音乐、渴望将脑海中的旋律化为清晰乐谱的创作者提供一个坚实而富有启发性的平台。我们相信，音乐的魅力在于其无限的可能性，而掌握必要的工具和思维方式，是释放这份潜能的关键。 --- 第一部分：重塑基石——扎实的音乐理论与听觉训练 音乐创作的殿堂，始于对音符、节奏和调性的精确理解。本部分将摒弃枯燥的理论说教，采用大量实例和即时应用的练习，帮助读者建立起坚不可摧的音乐基础。 第一章：音高的精确把握与相对音感（Relative Pitch Mastery） 超越五线谱的限制： 深入探讨音程的结构与听觉特征。不仅教授如何识别纯五度、大小三度，更侧重于训练耳朵对增减音程、复杂七和弦音高的敏感度。 调性色彩的调色板： 详细剖析大调、小调、五声音阶、布鲁斯音阶以及特定调式（如弗里吉亚、利迪亚）在情感表达上的细微差别。通过经典曲目的片段对比，让读者“听见”调性的情绪。 听写与转录的艺术： 提供渐进式的听写练习，从单音旋律到复杂的四声部和声，最终目标是使读者能够快速、准确地捕捉并记录听到的音乐信息，为即兴创作和扒带（Transcription）打下基础。 第二章：节奏的脉动与律动的构建（Rhythmic Architecture） 复合拍号的掌握： 深入解析 5/4、7/8 等非常规拍号的内在逻辑与听感，探讨如何将这些拍号融入流行或电影配乐中，以增强戏剧张力。 切分音与重音的魔力： 分析不同文化背景（如拉丁、爵士）中切分音的应用方式。教授如何通过微妙地移动重音位置，创造出驱动听众的“律动”（Groove）。 节奏型创作的模块化： 提供一系列可拆解、可重组的节奏模块（如鼓组的开篇型、过门型），指导读者像搭积木一样构建复杂且富有变化的鼓点与低音线。 --- 第二部分：和声的骨架——从功能到色彩的进阶探索 和声是音乐的“骨架”和“色彩剂”。本部分将带领读者超越基础的三和弦进行，进入更广阔、更具表现力的和声领域。 第三章：功能和声的深度解构（Deeper Functional Harmony） 二级属和弦（Secondary Dominants）的有效运用： 详解如何利用二级属和弦快速、流畅地导向远关系调性，避免进行时的突兀感。 副属和弦的“色彩炸弹”： 重点讲解减七和弦（Diminished Seventh Chords）作为导向和弦的多功能性，以及它们在制造紧张感、快速转调中的核心作用。 模态交换（Modal Interchange）的浪漫： 深入解析如何从平行大调或小调借用和弦，特别是 Neapolitan 六和弦和减六和弦（Augmented Sixth Chords）的烘托效果。 第四章：色彩和声与现代编配（Tonal Coloring and Modern Voicings） 九、十一、十三和弦的层次感： 不仅仅是增加音符，更重要的是“声部排列”（Voicing）。本书提供针对不同乐器（钢琴、吉他、弦乐）的最佳声部配置方案，以避免和弦听起来浑浊或空洞。 增和弦与Sus和弦的微妙张力： 探讨如何使用增三和弦（Augmented Triads）和挂留和弦（Sus Chords）来延长听觉的期待感，尤其是在流行歌曲的桥段（Bridge）中的应用。 非功能性和声的探索： 介绍和声的“垂直思维”，例如使用音色相近但功能上不相关的和弦进行串联（如音色对位），为实验性创作打开思路。 --- 第三部分：旋律的生命力——结构、动机与记忆点 好的旋律是歌曲的灵魂。本部分聚焦于如何将理论知识转化为令人难忘的、具有叙事性的音乐线条。 第五章：动机发展与主题的延展（Motivic Development） 动机的提炼与分解： 教授如何从一个简单的节奏或音高组合中，提炼出核心动机（Motif），并指导读者运用如倒影（Inversion）、逆行（Retrograde）、音高移位（Transposition）等技巧来发展这一动机。 节奏驱动的旋律设计： 强调节奏对旋律记忆度的影响。设计出更具“呼吸感”和“流动性”的旋律线，避免“平铺直叙”。 旋律与和声的对话： 分析如何在高音区和低音区布置旋律线，以及如何利用和弦的根音、三音、七音来增强旋律的色彩效果，实现“旋律即和声，和声即旋律”的境界。 第六章：歌曲结构的高效布局（Effective Song Form Layout） 超越 AABA： 详细分析现代流行音乐中常见的 V-I-V-C-B-C（主歌-副歌-主歌-导歌-桥段-副歌）等复杂结构。 情绪曲线的规划： 教授如何通过和声密度、音域变化、乐器配置的增加或减少，精确控制听众的情绪起伏，确保歌曲在高潮部分（如副歌）达到预期的冲击力。 导歌（Pre-Chorus）与间奏（Interlude）的功能性： 探讨如何设计一个有力的导歌来“预热”副歌，以及如何利用乐器独奏或纯器乐段落（间奏）来提供情感的喘息和结构上的对比。 --- 第四部分：实践与风格的迁移（Application and Stylistic Transfer） 音乐创作不应囿于单一风格。本书最后一部分旨在提供跨越流派的实用工具。 第七章：配器法基础与音色选择（Orchestration Basics and Timbre） 乐器音域与音色匹配： 提供常用交响乐器、键盘乐器、电声乐器（吉他、贝斯）的实际可用音域图表，指导读者根据不同乐器的特性安排声部。 动态与表情记号的精确传达： 强调演奏力度（Dynamics）和演奏法（Articulation）对于音乐表现力的决定性作用。学习如何用清晰的记号，将自己内心深处的“感觉”准确无误地传达给演奏者。 电子音乐与采样器的编织： 针对现代制作人，探讨如何使用合成器（Synth）设计独特的音色，以及如何利用效果器（Reverb, Delay, Panning）来创造空间感和立体声场。 第八章：风格化创作的路径图（A Roadmap for Stylistic Composition） 流行叙事曲的“留白”艺术： 分析如何通过极简的和声和稀疏的配器，突出人声和歌词的力量。 摇滚与律动的“增厚”技术： 探讨如何通过多轨吉他叠加、失真（Distortion）层级的控制，以及强劲的低音线条来构建厚重的摇滚墙。 环境音乐（Ambient Music）的声音景观： 侧重于长音的流动、纹理的构建，以及如何使用慢速的和声进行来创造沉浸式的听觉体验。 本书的核心理念是：理论是工具，不是枷锁。 通过对这些模块化知识的掌握和实践，读者将不再依赖偶然的灵感，而是能够系统地、有意识地构建出符合自己独特音乐语汇的作品。这是一场关于如何将“听到”变为“创造”的深度旅程。

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这本乐谱集，说实话，我拿到手的时候是带着一种非常复杂的心情。一方面，我对光良这位音乐人怀有深深的敬意，他的旋律总有一种抚慰人心的力量，像冬日里的一杯热茶，温暖而醇厚。所以，我对能亲手弹奏他的作品充满了期待。然而，当我翻开内页，试图寻找那些陪伴我度过无数个失眠夜晚的经典曲目时，却发现很多我心心念念的“必修曲目”并不在其中。比如那首带着淡淡忧伤的《童话》，或者那首节奏稍微活泼一些的《约定》，它们仿佛被巧妙地避开了，留下的更多是一些相对小众或者更偏向后期创作的作品。这让我有点小小的失落感，仿佛去一家期待已久的餐厅，却发现招牌菜没有了。当然，乐谱的排版和印刷质量倒是无可挑剔的，纸张厚实，五线谱清晰易读，对于一个需要长时间盯着谱子练习的乐手来说，这是非常重要的基础保障。但从一个资深乐迷的角度来看，曲目的选择策略似乎更侧重于展示音乐人创作生涯的某个特定阶段，而不是提供一份全面的“光良金曲精选”。我希望下一版能够更均衡一些，覆盖更广的听众群体。

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这次购书体验，让我对“創作樂譜集”这个名字产生了新的理解。我原本以为它会涵盖光良早期到中期的那些脍炙人口的“创作爆发期”的作品，毕竟“NO.1”这个编号暗示着一个重要的开端或奠基性的集合。然而，实际内容给我的感觉是，它似乎更专注于展示他**特定时期音乐风格的演变脉络**。例如，其中收录的几首作品，其和声进行明显比我们熟知的那些爆款歌曲要复杂得多，充满了实验性的色彩，这对于音乐理论学习者来说无疑是宝贵的财富，它揭示了这位歌手创作背后的深层逻辑。但对于只想周末放松一下，弹唱几首大家都会哼唱的歌的普通爱好者而言，这些曲子上手难度偏高，练习时带来的成就感也相对较慢。这种“偏科”的选曲，使得它的目标用户群体显得有些狭窄。它更像是音乐学院教材中的“案例分析”，而不是KTV点歌单上的“热门金曲”。我希望出版社能更清晰地在封面上标注出乐谱的难度等级或曲目收录范围，避免像我一样，满怀期待地买到了一本需要“进修”才能驾驭的宝典。

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作为一名业余吉他爱好者，我购买乐谱集最大的目的，就是希望能够获得准确、易于理解的和弦指法和编曲细节。坦白说，这本《光良創作樂譜集NO.1》在**技术指导**方面，做得只能算是中规中矩。它的主要优势在于提供了相对标准的钢琴伴奏谱，这对于学习和声结构非常有帮助。但是，如果期望从中找到针对特定乐器（比如我主要弹奏的木吉他）的精细分解和弦或指弹改编，那就大可不必抱有太高期望了。很多地方的和弦标记非常简略，对于刚接触复杂和弦转换的新手来说，可能需要反复查阅和弦字典来确认手型，这无疑大大降低了练习的流畅性。我个人花了相当大的精力去“翻译”一些原本可以更直观呈现的乐理信息。如果编者能在附录中加入一些常用的扫弦节奏型示例，或者对一些标志性段落进行更细致的动态标记，比如渐强、渐弱的幅度，而不是简单地用意大利语标记一下，那么这本乐谱的实用价值会直线飙升。现在给我的感觉是，它更像是一份给专业键盘手准备的“原作还原”资料，而不是给大众普及的“练习工具书”。

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这本乐谱集的装帧设计，坦白讲，非常**朴素**，甚至可以说有些**保守**。封面设计没有采用任何标志性的专辑主视觉或者光良本人的照片，而是选择了非常素雅的纯色背景搭配纤细的字体。虽然这体现了一种“返璞归真”的艺术态度，符合光良一贯低调的风格，但从商业角度来看，辨识度实在不高。如果不是冲着作者的名字和“樂譜集”这几个字，它很容易在书店里被淹没。内页的布局倒是干净整洁，这是值得肯定的，留白恰到好处，不显得拥挤。然而，如果能加入一些关于歌曲创作背景的小插曲或者制作笔记，哪怕只是几行引言，都会极大地增强阅读的趣味性和收藏价值。现在的内容就像一份纯粹的“技术文档”，缺乏灵魂的温度。我期待的乐谱集，是能让人在弹奏的间隙，感受到创作者的呼吸和心境的载体，而这本，更像是一份冷峻的、需要被严格执行的“操作指南”。

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我花了几天时间尝试弹奏其中的几首曲子，总体感受是，这套乐谱的**精确性**毋庸置疑，它在音符层面上是无可指摘的。每一个休止符、每一个附点，都标注得一丝不苟。但音乐的美妙之处，恰恰在于那些“非精确”的部分——情感的推敲与处理。这套乐谱在**“情感指南”**这方面做得非常欠缺。例如，在一首慢歌的高潮部分，需要情绪的爆发和音量的突然提升，谱子上仅仅写了一个“f”（强），但这远远不足以传达光良原版录音中那种克制而又汹涌的爆发力。对于那些只听过录音，但未曾现场感受过光良演绎的听众来说，仅凭这份谱子，很难还原出歌曲的“神韵”。我更希望乐谱作者能够站在一个更贴近“演奏者”的角度，而不是“记录者”的角度，去解读这些音乐，多加一些关于“如何使这首曲子听起来更像原版”的演奏建议，哪怕是旁注的形式。这样，它才真正能成为一座连接听众和创作者的桥梁，而不是仅仅提供一张“地图”。

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