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出版者:安徽美术出版社

作者:王申勇

出品人:

页数:28 页

译者:

出版时间:2001年01月

价格:26.0

装帧:平装

isbn号码:9787539808703

丛书系列:

图书标签:

• 工笔画
• 动物画
• 绘画技法
• 绘画教程
• 艺术
• 绘画
• 中国画
• 绘画教学
• 美术
• 插画

中国古代仕女画的流变与风采 一本深度探究中国古典美人图景的艺术史著作 本书以宏大的时间跨度和细腻的笔触，系统梳理了中国古代仕女画自魏晋南北朝至清末的演变历程与艺术成就。它不仅是一部绘画史的梳理，更是一部深入探讨中国传统文化中“女性美学”变迁的文化史著作。 第一部分：风骨初现——魏晋至唐代的女性气质 本书开篇追溯至中国绘画的早期阶段，重点分析了魏晋南北朝时期仕女画的萌芽与奠基。《洛神赋图》等经典作品如何体现“骨法用笔”的初步确立，以及士人阶层对女性“德行”与“风韵”的早期审美表达。 重点章节： 顾恺之与“形神兼备”的初探： 详细剖析顾恺之如何将人物画提升至哲学高度，以及其笔下女性形象所承载的儒家伦理观。 盛唐气象： 集中探讨唐代仕女画的鼎盛，以周昉、张萱为代表，分析“丰肥秾丽”的审美风尚如何与社会经济的繁荣相互映照。从宫廷贵妇的慵懒闲适，到贵族阶层对异域风情的接纳，仕女形象首次展现出蓬勃的生命力和世俗的欢愉。本章将详细对比“半臂装”、“窄袖装”等服饰变迁对人物神态的影响。 第二部分：雅致内敛——宋元时期的审美转向 进入宋代，随着理学的兴盛，仕女画的审美重心从唐代的富丽堂皇转向内敛、含蓄和文人气质。本书强调，宋代仕女画不再仅仅是宫廷的附属品，而是融入了文人阶层追求的“雅”与“静”。 重点章节： 宋代院体的精微： 分析宋徽宗时期对细节的极致追求，以及院体画家如何通过描绘闺阁生活中的日常场景，如梳妆、赏花、焚香，来体现“静谧之美”。 元代文人的寄托： 探讨元代画家（如钱选、赵孟頫）如何借仕女形象表达对前朝的怀念或对隐逸生活的向往。此时的仕女往往带有一种疏离的、超凡脱俗的“士女气”，服饰风格趋向古朴典雅，为后世的笔墨发展埋下伏笔。 第三部分：世俗风情与技法革新——明清的集大成与多元化 明清两代，商品经济的发展和市民阶层的崛起，极大地丰富了仕女画的内容和表现手法。本书认为，这是仕女画从单纯的“美人图”向“风俗画”过渡的关键时期。 重点章节： 明代“吴门画派”的世俗化： 深入分析唐寅、仇英等画家如何将仕女形象与山水园林相结合，笔下的女子开始拥有更加鲜活的个性和更具故事性的场景。仇英的工笔重彩，在色彩的运用上达到了前所未有的精妙，将传统工笔的细腻推向极致。 清代人物画的“程式化”与“反叛”： 梳理冷枚、改琦等清代画家的风格，他们继承了前代的衣钵，将仕女形象的姿态和服饰规范化，形成了具有高度辨识度的“程式美”。同时，本书也将关注那些试图打破传统的画家，他们如何在僵化的审美中寻找新的表现张力。 服饰与道具的文化密码： 专门辟出一章，通过分析仕女画中频繁出现的器物（如团扇、如意、书籍、乐器），解读这些道具所承载的文化象征意义——从对才华的赞美到对贤德的期许。 第四部分：线条的舞蹈——不同画派的笔墨语言 本书的特色在于对技法的深入剖析。仕女画的魅力核心在于线条的运用，即“十八描”等传统用线技巧。 工笔重彩的巅峰： 详述其设色、晕染和勾勒的精微步骤，特别是对丝绸、罗纱等不同材质表现的技巧差异。 写意仕女的尝试： 对比写意人物画中，画家如何用更简练的笔墨捕捉人物的瞬间神韵，这种“以少胜多”的东方哲学如何融入到对女性形象的描绘之中。 结语： 本书在梳理历史脉络的同时，也提出了对当代审美观的反思。古代仕女画是特定时代社会结构、哲学思想、服饰文化和绘画技术共同作用的结晶。通过对这些“美人”形象的细致解读，读者可以更深刻地理解中国传统文化中对“美”的定义、对女性角色的期待，以及画家们不朽的艺术追求。本书适合中国艺术史研究者、传统绘画爱好者以及对中国古典美学感兴趣的读者研读。

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说实话，我抱着试试看的心态买了这本《新工笔动物画》，因为市面上同类书籍太多，大多是重复和模仿。但这本书的独到之处在于其强烈的“现代审美”导向。它突破了传统工笔画中对“形似”的绝对追求，转而追求一种“神似”与“意境”的融合。书中一些作品的色彩运用令人拍案叫绝，作者大胆引入了一些以往在工笔画中不常用的现代颜料和配色方案，使得画面既有传统工笔画的典雅，又不失当代艺术的张力和时尚感。我尤其喜欢作者对于背景的处理，它不再是简单的烘托，而是与主体动物形成了一种微妙的对话关系，共同构建出一个完整而富有故事性的场景。这本书成功地向我们证明，工笔画绝不是故步自封的“老古董”，它完全可以成为表达当代情感和思绪的有力媒介。对于想要尝试跨界创作的画家来说，这本书提供了绝佳的启发。

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作为一名业余的绘画爱好者，我一直觉得工笔画的难度高不可攀，尤其是在上色和晕染的环节，常常出现颜色僵硬、层次感不足的问题。然而，《新工笔动物画》这本书在技法层面的剖析可谓是抽丝剥茧，讲解得极为细致且富有条理。作者不仅仅停留在“怎么画”的层面，更深入探讨了“为什么这么画”的内在逻辑。例如，书中用了好几个章节专门讲解了如何通过不同的笔锋力度和水分控制，来模拟出不同动物的皮肤湿度和温度感，这对于提升作品的真实感和感染力至关重要。作者的文字表达清晰流畅，充满了激情，读起来毫无晦涩感，完全没有那种高高在上的学院派腔调。它更像是一位经验丰富的前辈，耐心而又不失幽默地引导你进入这个精妙的艺术世界，让人感觉学习的每一步都踏实而充满乐趣。

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我原本以为《新工笔动物画》会是一本枯燥的教学手册，充满了刻板的步骤分解和严格的线条要求。然而，当我翻开第一页时，就被那种强烈的视觉冲击力吸引住了。作者的笔触极为大胆，尤其在处理动物皮毛的质感上，那种光影的过渡简直是教科书级别的示范。书中对不同动物皮毛肌理的处理方式各有侧重，比如描绘猛虎时那种遒劲有力的毛发纹理，与描绘绒毛小兽时的柔软蓬松形成了鲜明的对比。更妙的是，作者似乎非常懂得如何运用“留白”的艺术。画面中那些恰到好处的空白，不仅没有让画面显得单薄，反而烘托出了主体动物的精气神。这是一种对空间极度敏感的把握，让我深刻体会到中国画“计白当黑”的精髓在当代工笔画中的创新应用。这本书的排版设计也十分考究，每一幅作品都仿佛被精心侍奉的珍宝，让人爱不释手。

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这本书《新工笔动物画》最让我震撼的是它所展现出的对动物世界的深刻洞察力。它不仅仅是教你如何描摹动物的外形，更是引导你去感受它们内在的生命力。那些被描绘的飞禽走兽，无一不栩栩如生，仿佛下一秒就要跃出纸面。作者对光线的捕捉极为敏锐，无论是林间穿梭的鹿群，还是水面嬉戏的鸳鸯，那种被阳光切割的斑驳光影，都被处理得细腻入微，却又毫不拖泥带水。这种对自然细节的尊重和热爱，是贯穿全书始终的主线。它让我重新审视了人与自然的关系，激发了我走出画室、深入自然去观察和体验的冲动。这本书的价值远超一本技法书的范畴，它是一部充满人文关怀的艺术实践指南，教会我们如何用最精微的笔触，去赞颂这个世界最磅礴的生命力。

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这本《新工笔动物画》真是让人耳目一新！我一直对工笔画抱有一种敬畏感，觉得那是一种需要极高耐性和精准度的艺术形式。但这本书的出现，彻底颠覆了我的固有印象。它没有沉溺于传统工笔画的繁复和拘谨，而是用一种极其现代、甚至可以说有些“灵动”的方式来诠释动物的形态。比如书中有一幅描绘白鹭觅食的画作，线条的运用简直是神来之笔，那种墨色的晕染和色彩的搭配，既保留了工笔画的细腻质感，又充满了写意的生机。尤其让我感动的是，作者似乎在每根羽毛、每片鳞甲上都倾注了深厚的感情。这不是简单的临摹，而是一种对生命状态的深刻捕捉和理解。它让我看到了当代艺术如何在新旧技法之间架起一座坚实的桥梁，让古老的艺术形式焕发出新的生命力。这本书不仅是技法书，更像是一部关于如何观察自然的哲学思考录。我强烈推荐给所有对传统艺术抱有热情，又渴望看到创新突破的艺术爱好者。

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