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出版者:第1版 (2002年1月1日)

作者:佟燕文编

出品人:

页数:185

译者:

出版时间:2002-4

价格:10.0

装帧:平装

isbn号码:9787502754600

丛书系列:

图书标签:

• 多媒体课件
• 美术
• 教学
• 教育
• 课件制作
• 小学美术
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• 辅助教学

精彩纷呈的数字艺术殿堂：探索《数字影像后期处理与动态图形设计实战》 内容提要： 本书深度聚焦于数字影像的后期处理技术与前沿的动态图形设计实践。内容覆盖从基础的图像校正、色彩管理，到高级的图层混合模式、非线性编辑技巧，再到三维空间中的动态图形构建与渲染。我们系统地解析了主流专业软件（如Adobe Photoshop, Illustrator, After Effects, Premiere Pro）在不同创作流程中的协同工作机制。全书以大量的实战案例为导向，指导读者如何高效地完成商业广告片、网络短视频、信息可视化动态图表等多种复杂项目的制作。重点阐述了视觉叙事原则在动态设计中的应用，以及如何利用先进的特效技术（如运动跟踪、粒子系统）增强视觉冲击力。 --- 第一章：数字影像的精细化修复与美学提升 本章深入探讨了数字图像文件处理的底层逻辑与专业流程。我们首先建立对色彩空间的科学认知，详细区分了RGB、CMYK、LAB等色彩模型的应用场景与转换策略，确保图像在不同介质上的色彩一致性。 图像校正与优化： 我们将引导读者掌握直方图的精确解读，学习如何运用曲线（Curves）工具实现对高光、阴影和中间调的非线性控制，以达到最佳的影调平衡。曝光错误的修复、白平衡的精准校准是基础，而高级的降噪技术（如频率分离法）和锐化技巧（如高反差锐化）的实战应用，将使普通照片焕发出专业级的清晰度与质感。 图层管理与非破坏性编辑： 强调了效率与可修改性的重要性。详细讲解了智能对象、蒙版（Layer Masks）和通道（Channels）的灵活运用。读者将学会构建复杂的多重效果堆栈，并通过调整图层（Adjustment Layers）实现非破坏性的色彩分级（Color Grading）。案例研究将聚焦于商业产品摄影的后期精修，包括皮肤纹理的自然处理与金属材质的反光模拟。 风格化调色与电影感： 从电影工业的标准出发，本章构建了一套完整的电影感调色流程。内容涵盖查找表（LUTs）的原理与应用，以及如何通过分离色调（Split Toning）和颜色匹配技术，快速构建统一的视觉风格。我们将剖析经典电影片段的色彩构成，指导读者模仿并创造出具有强烈情绪感染力的色调方案。 --- 第二章：矢量图形与插画的结构化构建 本章是理解现代动态图形设计中二维元素创建的基石。我们关注的重点在于如何利用矢量工具构建精确、可无限放大的视觉资产。 Illustrator核心工具深度解析： 超越基础路径绘制，本章详细介绍了钢笔工具的高级技巧，包括如何控制曲线的贝塞尔手柄，实现精确的转角处理。路径查找器（Pathfinder）在复杂形状组合与拆分中的效率最大化方法将被充分展示。 符号化设计与元件复用： 在处理大规模设计系统时，符号（Symbols）的管理至关重要。我们演示了如何创建可编辑、可实例化的符号库，确保设计的一致性与迭代速度。对于动态图形而言，图标、信息图表元素的规范化创建是提升工作流的关键。 复杂插画的构建思路： 通过分层和结构化思维，指导读者从概念草图过渡到完整的矢量插画。重点讲解了渐变网格（Gradient Mesh）在模拟光影和体积感方面的应用，以及如何利用描边属性（Stroke Properties）和宽度工具（Width Tool）赋予线条生命力，使其在动态展示时更具设计感。 --- 第三章：动态图形的设计原理与时间轴控制 本阶段将从二维静态图像思维转向时间与运动的控制，是理解After Effects等合成软件的核心部分。 运动设计基础理论： 引入了迪士尼的十二条动画原则，并将其转化为数字合成软件中的具体操作指南。核心内容包括“缓入缓出”（Ease In/Ease Out）对物体运动轨迹的影响，以及如何通过关键帧（Keyframes）的密度控制速度变化，营造出重量感、弹性或轻盈感。 关键帧的精确控制： 详细剖析了“值曲线”（Value Graph）和“速度曲线”（Speed Graph）的差异与应用。读者将学会使用“空间插值”来控制路径的平滑度，并掌握“修饰关键帧”（F-Curve Adjustments）来微调动画的节奏感，避免僵硬的线性运动。 父子关系与预合成管理： 在处理复杂场景时，有效的层级结构是保证项目可维护性的关键。本章指导读者如何利用父子级链接（Parenting）进行结构化布局，以及合理使用预合成（Pre-compositions）来模块化设计元素，便于后期修改和资产重用。 文本动画的叙事力量： 文本不仅仅是信息的载体，更是视觉节奏的一部分。我们专注于高级文本动画器的使用，如基于字符（Per-Character）的位移、缩放和不透明度控制，以及如何将文本动画与背景音乐的节拍精准同步，实现有力的信息传达。 --- 第四章：三维空间的概念融入与合成技巧 现代动态图形设计极大地受益于三维空间的引入，本章旨在弥合二维平面与三维深度之间的鸿沟。 三维图层的激活与空间操作： 讲解了在合成软件中如何激活三维层，并精确控制其在X、Y、Z轴上的位置、旋转和缩放。重点在于理解摄像机（Camera）的角色——如何通过不同的镜头焦距和景深（Depth of Field）来引导观众的注意力。 光照与阴影的模拟： 即使是二维素材，也可以通过添加虚拟光源来赋予其深度。本章详细演示了环境光、聚光灯和点光源的设置，以及如何渲染精确的投影（Casting Shadows），使叠加的图层看起来仿佛真实地存在于同一个三维空间中。 运动跟踪与稳定化实战： 对于需要将动态图形元素融入实拍素材的场景，运动跟踪（Motion Tracking）是必备技能。我们将引导读者完成从二维平面跟踪到三维摄像机反求（Camera Solving）的全过程，确保虚拟元素与实拍画面的透视变化完美匹配。 粒子系统与环境效果： 介绍如何利用内置或第三方粒子系统生成火焰、烟雾、光斑或抽象的能量场。这要求读者理解粒子的发射器类型、生命周期、重力场和碰撞体积的参数设置，以创建逼真的或风格化的环境氛围。 --- 第五章：高效的项目交付与跨平台优化 本章关注从创作完成到最终成品输出的整个流程，确保作品能够在目标平台上以最佳状态呈现。 渲染设置与编码标准： 详细对比了ProRes、DNxHD等专业中间编码格式与H.264/H.265等分发格式的优劣。我们将讲解码率控制（Bitrate Control）、色彩信息嵌入（如Rec.709）以及透明度（Alpha Channel）的正确导出流程（如使用PNG序列或QuickTime+Alpha）。 影视项目时间轴管理： 针对长篇项目的协作需求，本章提供了素材整理、版本控制和项目文件归档的最佳实践。学习如何清理未使用的素材、优化项目文件结构，以保证团队协作时的顺畅性。 针对新媒体平台的适应性： 动态图形在不同平台（如社交媒体、网站、信息亭）上对分辨率、比例和帧率有不同要求。我们将指导读者如何快速有效地进行多规格输出，包括适应竖屏（9:16）、正方形（1:1）等特定画幅的调整策略，确保视觉冲击力不减。 工作流程的自动化： 介绍如何利用脚本（Scripting）和表达式（Expressions）来自动化重复性的任务，如批量修改图层名称、自动生成特定格式的渲染队列，从而将设计师的时间解放出来专注于创造性工作。

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拿到这本《多媒体课件制作一例通 美术分册》，说实话，一开始我抱着一种将信将疑的态度。毕竟市面上的“一例通”书籍太多了，很多时候都是泛泛而谈，真正能落地到实践操作层面的内容少之又少。但翻开这本书的目录和前言，我立刻被它那种务实的态度吸引住了。它没有空谈理论，而是直接切入了核心——如何将美术课程的知识点，通过多媒体手段进行视觉化和互动化的呈现。比如，书中对于“色彩理论”的讲解，不是简单地罗列色环图，而是结合了具体案例，展示了如何在PPT或专业软件中，通过动态演示来表现色彩的冷暖对比、明度变化对情感表达的影响。我尤其欣赏它对软件操作的细致描述，即便是像Photoshop或Flash（虽然现在可能更多是After Effects或Camtasia）这样的工具，它也分步骤地讲解了如何快速实现一个教学目标，比如制作一个古希腊雕塑纹理的动态解析过程。这对于我这种美院背景但对技术操作不太熟练的教师来说，简直是雪中送炭。它真正做到了“举一反三”，让复杂的制作流程变得清晰易懂，极大地提升了我制作高质量美术教学课件的信心和效率。

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这本书的实用性简直是“立竿见影”。我是在一个非常紧迫的公开课准备阶段购入它的。当时需要快速制作一个关于“印象派光影捕捉”的互动课件，时间非常紧张。我主要针对性地查阅了关于视频剪辑和图层叠加的部分。令人惊喜的是，书中的步骤描述极其精炼，我甚至不需要反复查阅外部资料，仅凭书中的文字和配图，就迅速掌握了如何精确控制光影过渡的动画效果。特别是书中提到的几种在标准演示软件中模拟“笔触动态”的小技巧，效果出乎意料地好，让我的公开课获得了听课教师们的一致好评。这本册子真正体现了“一例通”的精髓——不是罗列所有知识点，而是通过几个精选的、高价值的案例，让你在最短的时间内，掌握最核心、最能提升教学质量的技能，是美术教育工作者案头必备的效率利器。

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我是一个对界面设计和用户体验非常挑剔的人，市面上很多技术书籍的排版和插图都极其粗糙，看着就让人头大。但《多媒体课件制作一例通 美术分册》在这方面简直是惊艳。装帧设计上就透着一股专业和雅致，纸张的质感也很好，长时间阅读眼睛也不会疲劳。更重要的是，书中的示例截图清晰度极高，色彩还原度也相当准确，这对于美术类课程的课件制作指南来说至关重要。如果示例图的颜色都失真了，那后续的教学实践就会产生巨大的偏差。书中对不同软件版本的兼容性也做了细致的标注和说明，避免了读者在学习过程中因为软件更新而产生的困惑。这种对细节的极致关注，体现了编者对美术教育工作者的尊重，让我感觉这不仅仅是一本工具书，更是一件精心打磨的艺术品，值得收藏和反复研读。

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老实说，对于艺术创作而言，“技法”固然重要，但“创新性”才是灵魂。我原本担心这本书会过度强调流程的标准化，从而扼杀了个人的创造力。然而，深入阅读后发现，我完全多虑了。这本书的高明之处在于，它提供了一个坚实的技术框架，但同时又留出了巨大的自由发挥空间。它在每章的末尾都设置了“进阶挑战”或“创意拓展”部分，引导读者思考如何打破既有的模板，结合自己的教学理念进行个性化改造。比如，在讲解如何制作一个动态历史时间轴时，它不仅给出了标准的流程，还鼓励我们尝试融入手绘元素或者利用3D模型进行旋转展示。这种平衡掌握得恰到好处：既能满足初学者快速上手，又能激发资深教师去探索更前沿的表达方式。它像一个强大的脚手架，让你在搭建稳固结构的同时，可以尽情地挥洒自己的创意色彩。

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这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，读起来完全没有那种枯燥的工具书的冷硬感。它更像是一位经验丰富的前辈，耐心地手把手教你如何从零开始构建一个引人入胜的美术课堂。我特别喜欢它采用的“项目驱动式”学习法。它没有把每一个软件功能割裂开来介绍，而是围绕几个实际的美术教学场景——比如“文艺复兴透视法解析”、“中国山水画意境营造”——来组织内容。在这种情境下，你自然而然地就会学到所需的动画、音频处理、超链接设置等技术。这种“为了解决一个问题而去学习一个工具”的方式，远比单纯罗列菜单栏里的功能要有效得多。而且，对于美术教学中非常微妙的“审美取向”和“情感传达”，这本书也提出了独到的见解，它指导我们如何通过恰当的视觉节奏和背景音乐来烘托艺术品的氛围，而不是让课件沦为冷冰冰的图片堆砌。它教会我的不仅仅是“如何做”，更是“为什么这样做更有效”。

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