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出版者:中国建材

作者:俞进军

出品人:

页数:94

译者:

出版时间:2005-3-1

价格:29.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787801598479

丛书系列:

图书标签:

• 餐厅设计
• 餐饮设计
• 商业空间
• 室内设计
• 设计案例
• 装修设计
• 空间设计
• 建筑设计
• 设计灵感
• 风格设计

建筑的温度：从材料肌理到空间叙事的历史沉思 一卷关于建筑本质、材料哲学与历史变迁的深度探析 本书并非聚焦于任何特定的功能性空间设计，而是将目光投向建筑行为本身的源头——人类对“居所”和“构造”的永恒追问。它是一次横跨数千年的时间旅行，从新石器时代的穴居到当代超高层结构，旨在挖掘隐藏在墙体、屋顶和地面之下的文化、社会与哲学意义。 第一部分：质感的低语——材料的本体论 我们从最基本的触感开始。本书拒绝将建筑材料视为仅仅是承重或装饰的手段，而是将其提升到哲学的层面进行探讨。 第一章：泥土与时间的回响 我们将深入研究土、夯土、砖和瓦这些最古老的人造材料。泥土，这种最接近地表的物质，如何通过人手的塑造，凝固了不同地域的气候信息和生活习惯？我们将分析摩洛哥的卡斯巴（Kasbah）中土墙的厚度与热力学原理之间的内在关联，探讨中国北方窑洞的半地下结构如何成为人类适应极端环境的智慧结晶。重点将放在“风化”这一过程上——材料如何记录时间的流逝，以及当代建筑如何通过人工手段模拟或对抗这种自然腐蚀的痕迹。这里探讨的不是如何制作砖块，而是砖块的“存在状态”如何影响居住者的心理感知。 第二章：木构的生命力与线性逻辑 木材，作为唯一具有生物记忆的建筑材料，其生命周期和独特的韧性是本书分析的重点。我们将对比日本传统木构架（如斗拱系统）与欧洲中世纪大跨度木桁架在结构逻辑上的根本差异。日本的榫卯，是一种空间语义的表达，强调“分离”与“重组”的可能性；而欧洲的木构，则更侧重于稳定的承载与封闭性。我们考察的并非木材的耐久性测试，而是木材在光线下色彩的微妙变化如何影响室内氛围的调性，以及木材的“可再生性”与现代工业化进程之间的张力。 第三章：石头的永恒与重量的叙事 本书将石材视为人类对“不朽”的最初渴望的物质载体。从埃及金字塔的精确对位到希腊神庙的比例和谐，石材的开采、运输和堆叠，本身就是一场关于组织能力和权力结构的宣言。我们不会介绍石材的开采技术，而是聚焦于其“重量感”如何形塑了人类对“权威”和“纪念性”的理解。特别关注罗马万神殿的穹顶，分析其混凝土骨料的密度变化，如何微妙地将视觉上的沉重感转化为结构上的轻盈感，这是一种对感知极限的挑战。 第二部分：空间的情绪光谱——边界、流动与遮蔽 这一部分将跳出对具体建筑类型的描述，转而关注“空间”本身作为一种抽象概念是如何被构筑的。 第四章：墙的二元性：防御与界定 墙，是建筑中最具界限感的元素。本书探讨了墙的两种基本功能之外的哲学意义：防御和遮蔽。我们分析了早期防御工事的厚度和坡度如何传达出对外部世界的警惕，以及如何通过墙体的厚度差异来暗示内部空间的私密等级。我们将讨论“光线穿透”与“视觉阻断”之间的微妙平衡，例如中国传统园林中“漏窗”的设计，它如何在物理上保持封闭的同时，在视觉上保持了与外部世界的对话。我们关注的不是墙的砌筑方法，而是“有无之间”的尺度关系。 第五章：光线的建筑学：透明性与阴影的戏剧 光线被视为塑造空间氛围的“隐形材料”。本书深入探讨了人类如何通过窗户、天窗和反射面来“驯服”自然光。我们将对比哥特式教堂中对彩色玻璃的运用（将光线转化为神圣的叙事符号）与勒·柯布西耶在萨伏伊别墅中对水平带形窗的运用（将外部景观视为流动的画卷）。核心在于分析：光线如何被“过滤”和“导向”，从而在无声中引导居住者的注意力，创造出特定的情绪体验——无论是宁静、敬畏还是动感。 第六章：地面的沉积：行走、停留与仪式 地面不仅仅是支撑物，它是我们与世界建立连接的第一个界面。本书关注地面的材料变化如何暗示了空间的用途转变和行为规范。从公共广场的粗糙石板到卧室里柔软的羊毛地毯，这种“脚下触感”的切换，是一种无需言语的社会契约。我们将考察古代宫殿中，特定通道地面材料的精细打磨，如何通过反射的光线和声音的差异，预示着即将进入权力核心区域，这是一种通过物理触感进行的“仪式预演”。 第三部分：从部落到网络——尺度与人类经验的错位 最后一部分，本书将目光聚焦于现代性带来的尺度冲击，以及建筑在这一变迁中所扮演的角色。 第七章：巨构的焦虑：纪念碑性与人性的退却 工业革命后，人类开始建造前所未有的巨型结构。本书审视了这种“宏大叙事”背后的心理学动机——是人类对自身渺小的补偿，还是对自然力量的挑战？我们分析了19世纪末期城市规划中对中央广场的刻意设计，这种设计如何通过过大的尺度迫使个体产生一种“集体感”或“被压制感”。探讨巨构建筑如何疏远了日常的人类尺度，使得居住者在其中体验到一种异化的孤独。 第八章：流动的边界：临时性与数字时代的物质消解 当代建筑趋势常常追求轻盈、透明和可拆卸性。本书探究了这种对“永久性”的抛弃是否反映了社会结构的不稳定。从临时性的展馆到模块化居住单元，材料的快速替换和结构的易变性，正在改变我们对“根基”的理解。我们讨论了建筑形态如何开始模仿信息流动的速度，空间不再是固定的容器，而是动态的节点。这部分批判性地考察了建筑如何努力跟上信息时代的步伐，以及这种努力可能带来的，对传统意义上“场所精神”的损害。 结语：未完成的构造 建筑的本质，永远是人类在有限的物质条件下，对无限精神世界的投射。本书以一种超越风格和流派的视角，邀请读者重新审视那些我们习以为常的墙壁、地面和光影，去聆听它们在数千年历史长河中，默默诉说的关于生存、秩序与美的古老低语。它不是一本设计手册，而是一部关于人类如何定义自身存在的物质史诗。

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阅读体验方面，这本书的排版和视觉呈现也值得称赞。虽然我刚才说了它不只是关于“美观”，但它自身的视觉设计无疑是专业水准的体现。大量的清晰、高分辨率的实景照片，并非简单地展示最终效果，而是常常配合着手绘的草图、剖面图，甚至是早期的功能分区示意图。这让我得以一窥从概念到成品的全过程，理解设计师最初的设想是如何一步步被落实和调整的。纸张的质感也很好，拿在手里分量十足，但内页的哑光处理确保了在强光下阅读也不会反光刺眼。最让我惊喜的是，它在附录部分提供了一个非常实用的“设计检查清单”，涵盖了从消防安全到无障碍设施，再到空气质量控制的方方面面。这份清单的详尽程度，足以成为任何一个餐饮项目启动前自我审查的基准。总而言之，这本书提供了一个全面且深入的视角，它让你明白，一个成功的餐厅空间，是无数个周密思考和精细执行的结果的集合体，它远比你想象的要复杂，也更有趣。

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这本书，拿到手的时候，我其实是有点期待又有点忐忑的。毕竟，“餐厅设计”这个主题听起来就挺专业的，我担心内容会过于晦涩难懂，全是那些拗口的术语和复杂的规范。然而，翻开第一页，我的担忧就烟消云散了。作者的叙事方式非常平易近人，他没有直接把我扔进图纸的海洋，而是从一个更宏观的角度切入——关于“场所精神”的营造。他花了大量篇幅去探讨，一家成功的餐厅如何通过空间布局、光影变化乃至气味，潜移默化地影响食客的情绪和消费行为。我印象最深的是他对动线设计的阐述，那简直就是一门艺术与科学的结合。他没有简单地画出流程图，而是通过几个经典案例，对比了“流畅的动线如何提升服务效率并增加顾客的停留时间”和“混乱的动线如何造成服务员的疲惫和顾客的焦躁”。尤其是关于厨房与前厅的“无缝衔接”那部分，讲得细致入微，让我这个非科班出身的人也能清晰地理解其背后的逻辑和美学追求。这本书更像是一位经验丰富的大师，在咖啡馆里，耐心地为你拆解每一个设计决策背后的深层考量，而不是一本冷冰冰的教科书。它成功地将冰冷的设计理论，注入了对人类体验的深刻洞察。

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这本书的结构组织得相当精妙，它没有采用传统的“平面图——立面图——详图”的叙事方式，而是采取了一种更具启发性的“问题导向”模式。每一章都围绕一个核心的设计难题展开，比如“如何在一块狭小的空间内同时满足私密性和开放性？”或者“如何处理噪音问题，让背景音乐成为氛围的一部分，而非干扰？”。作者提供的解决方案不是单一的公式，而是呈现了一系列相互制衡的选项，并引导读者去思考每种方案的利弊。这种“选择的艺术”的展示，极大地拓宽了我的思路。它让我明白，设计中的冲突和妥协是常态，真正的挑战在于如何在这些限制条件下，找到那个最能服务于品牌核心价值的平衡点。特别是关于灯光设计的那一章，真是醍醐灌顶。它不仅讲了色温和照度，还深入探讨了“阴影的戏剧性作用”，如何用光影的对比来引导视线，甚至暗示顾客什么时候该慢下来享受食物，什么时候该准备结账离开了。这不再是纯粹的技术说明，更像是一种心理学的运用。

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说实话，我原本以为这会是一本专注于视觉美学的书，毕竟现在大家对“网红店”的追捧程度可见一斑。我期待看到各种新潮的装修风格、材质的搭配，以及如何利用色彩来打造强烈的视觉冲击。这本书确实涉及了这些，但它的深度远超我的预期。它花了非常大的篇幅去讨论“可持续性设计”和“适应性空间”的概念，这在我看来，是比单纯的“好看”要高级得多的议题。作者似乎在不断地提醒我们：设计不是一次性的投入，而是一个长期的、需要不断适应市场变化的系统工程。他详细分析了如何选择易于维护和更换的材料，如何设计模块化的家具，以便餐厅在未来可以根据客群的变化轻松地进行功能调整。这种前瞻性的思考，让我这个读者不得不重新审视自己对“好设计”的定义。它不再是关于昙花一现的时尚，而是关于持久的生命力和运营的经济性。读完这部分，我甚至开始思考，如果我要开一家餐厅，光是好看是绝对不够的，它必须是“活的”，能够呼吸和生长的。

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我对这本书的语言风格和逻辑推演感到非常佩服。它在保持专业性的同时，成功地避免了学术著作的枯燥感。作者似乎深谙“讲故事”的魅力，他引用了大量来自世界各地、不同价位、不同餐饮类型的真实案例，并且对每个案例的成败进行了深入剖析。这种“案例教学法”异常有效。比如，他对比了两家都使用了工业风元素的咖啡馆，一家因为管道外露的设计处理得当，显得粗犷有格调；而另一家却因为细节处理粗糙，给人留下了廉价和未完工的观感。这种细微的差别，恰恰是教科书里最难捕捉到的。通过这些鲜活的例子，我仿佛亲自走进了那些空间，体验了那种设计上的微妙差异。更重要的是，作者在分析过程中，总是会穿插一些关于项目管理、预算控制的小窍门，这使得这本书的实用价值大大增加，它不仅仅是给设计师看的，对于投资者或者运营者来说，也是一份极具参考价值的指南，因为它让你提前预见到项目落地过程中可能出现的各种预算陷阱和执行难题。

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