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出版者:广西美术

作者:黄文宪

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1996-11-1

价格:10.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787806251232

丛书系列:

图书标签:

• 环境艺术
• 艺术入门
• 景观设计
• 公共艺术
• 装置艺术
• 生态艺术
• 田野艺术
• 艺术教育
• 创意设计
• 艺术实践

建筑的诗意与物质性：空间、材料与感知 本书聚焦于建筑的本质性要素——空间、材料与人类感知的深刻互动，旨在为读者构建一套理解建筑美学、功能与社会意义的全新框架。它不是一本关于“如何设计”的实用手册，而是一次深入的哲学与现象学探索，旨在揭示建筑如何塑造我们的存在状态，以及物质世界如何承载文化与历史的重量。 --- 第一章：空间的形而上学——从容器到场域的转变 本章深入探讨“空间”这一概念在建筑语境下的多重含义。我们不再将空间视为被动的、中立的“容器”，而是将其视为一种积极的、可感知的“场域”（Tension Field）。 我们将从对古希腊“Khora”（空间）的哲学反思入手，对比柏拉图式的理想空间与亚里士多德式的经验空间。随后，我们将分析现代主义如何通过取消装饰、强调体量来追求纯粹的空间几何，以及这种纯粹性在实际体验中带来的疏离感。 核心议题包括： 1. 界限的模糊性： 探讨墙体、屋顶与地平线之间的关系如何界定“内”与“外”。我们考察了安藤忠雄在光之教堂中对“光”作为边界构筑元素的运用，以及日本传统建筑中“障子”所代表的半透明界限。 2. 时间在空间中的留痕： 空间并非静止不变，它被时间（光影、使用痕迹、气候侵蚀）所雕刻。本章引入了对“场所精神”（Genius Loci）的讨论，分析特定的地理和历史情境如何将抽象空间转化为具有独特情感重量的“场所”。 3. 感知运动学： 空间体验是一种身体性的过程。我们如何通过行走、凝视和触摸来“测量”空间？本章将结合现象学家的观察，如梅洛-庞蒂的身体哲学，来解释建筑体验如何从认知层面转向直观的、本能的反应。 --- 第二章：材料的语言学——从原子到寓言 如果说空间是骨架，那么材料就是建筑的血肉和皮肤。本章彻底摒弃了将材料仅仅视为结构支撑或装饰表面的观点，转而探究材料的“物质性”（Materiality）如何传递信息、承载历史与影响人的情感状态。 我们将材料的语言分解为三个层面：物理属性、文化符号与时间性。 深入剖析的材料及其意义： 1. 石头与永恒： 对比古埃及金字塔的坚固与罗马万神殿的穹顶结构。石头不仅是抵抗风化的力量，更是一种对人类生命短暂性的挑战与纪念。我们将审视混凝土在20世纪的崛起，它如何从一种工业化符号转变为新现代主义追求的“原始粗粝感”（Béton Brut）。 2. 木材的生命力与温暖： 木材的有机性——其纹理、气味和随时间产生的氧化变色——使其成为连接人类与自然界最直接的媒介。本章将详细分析北欧和日式木结构建筑中，木材如何通过精密的榫卯结构展现其内在的韧性与美学价值。 3. 玻璃的透明与遮蔽： 玻璃是现代建筑最具争议的材料。它承诺了极致的开放，但同时也暴露了隐私。我们将分析密斯·凡德罗的“皮肤与骨骼”系统，以及现代高性能玻璃如何通过涂层技术，在保持视觉连接的同时调节热能与光线，实现一种复杂的“有选择的在场”。 材料的文化记忆： 每种材料都携带了开采地、加工工艺和传统用途的集体记忆。一块砖、一束钢筋，都讲述着工人、工业革命和地域经济的故事。 --- 第三章：光影的雕塑——建筑的非物质维度 光，作为最易逝却又最核心的建筑元素，是定义我们感知空间的关键因素。本章将光与影视为与墙体同等重要的建筑材料，探讨其在烘托气氛、引导视线和赋予形态方面的作用。 本章结构围绕对光线的“操纵”展开： 1. 自然光的诗学： 追溯对天光（Skylight）的运用。从哥特式大教堂中圣洁的彩色玻璃带来的神秘光线，到路易斯·康（Louis Kahn）在萨克研究所中对“光盒”的精妙设计——光如何被引入、过滤和“打磨”。光不再是照明，而是一种精神性的物质。 2. 人工光源的角色演变： 探讨电光源发明后，建筑照明如何从单纯的功能需求转向美学表达。本章对比了从早期的环境照明到现代的LED“精确打击”照明设计，关注色彩温度（CCT）和显色指数（CRI）对空间情绪的影响。 3. 阴影的必要性： 阴影是光线的同义词，是体积和深度的证明。没有阴影，形态就趋于扁平。本章将分析建筑师如何故意创造深邃的凹槽、突出的檐口，利用阴影的动态变化来展现建筑立面的叙事性。 --- 第四章：身体的尺度与体验的涌现 建筑的最终检验场是居住于其中的人。本章从人机工程学的基本规范中抽离，转向对“身体尺度”（Anthropometry）的文化与感知解读。 探讨身体与环境的互动机制： 1. 触觉景观： 建筑体验远超视觉。本章强调了触觉的重要性——光滑的地面、粗糙的墙面、适宜的扶手高度，以及它们引发的心理安全感。我们将分析材料表面的微观纹理如何与指尖的神经末梢产生对话。 2. 步态与节奏： 楼梯的踏步高度、走廊的宽度、庭院的疏密排列，都在无形中规定了我们在建筑中的行进节奏。我们将解析不同文化中对“仪式性路径”的设计偏好，例如，从入口到核心区域的渐进式体验设计。 3. 声景的构建： 声音是空间的“非物质回音”。本章研究建筑材料的吸声与反射特性如何共同构成一个场所的“声景”。空旷大厅的回响与私密书房的寂静，如何通过建筑设计被精确调校，以适应不同的社会行为需求。 --- 第五章：场所的伦理——责任、记忆与延续性 本书的收尾部分将建筑置于更广阔的社会和环境背景之下。建筑实践不再是孤立的美学创造，而是一种对土地、社区和未来的伦理承诺。 关键的伦理视角： 1. 场地与文脉的对话： 真正的场所感源于对现有历史层、自然地形和社区生活模式的尊重与回应。我们探讨了“批判性地域主义”的理念，即如何在全球化的设计语言中，植入地方性的抵抗与记忆。 2. 可持续性作为形态的必然性： 本章超越了对能源效率的简单计算，探讨了如何在材料选择、结构寿命和适应未来变化的能力上实现真正的“时间可持续性”。选择一种耐用且可被尊重地老化的材料，本身就是一种伦理决策。 3. 记忆的建筑化： 建筑如何处理创伤、纪念胜利或保存日常？从纪念碑的设计到对旧工业遗址的再利用（Adaptive Reuse），本章审视了建筑在社会叙事中扮演的角色，以及它如何成为集体记忆的锚点，确保过去的声音不会在快速的城市变迁中被抹去。 结语： 建筑是人类与物质世界进行永恒对话的产物。通过对空间、材料、光线和身体尺度的细致辨识，我们才能真正理解并参与到这场塑造我们日常存在的宏大创作之中。

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坦白说，这本书的叙事风格极其跳跃，阅读体验并不连贯。作者似乎热衷于在不同的历史时期和地理位置之间进行快速切换，比如上一页还在讨论19世纪末欧洲的公共空间改造运动，下一页就跳到了当代亚洲的装置艺术趋势，中间缺乏必要的过渡和逻辑串联。这使得读者很难建立起一个清晰的知识框架。我试图从中梳理出一条清晰的环境艺术发展脉络，但这本书更像是一份未经整理的笔记合集。在关于“公共艺术的社会责任”这一章节中，作者似乎更关注于批判既有的社会结构，而不是提供建设性的艺术解决方案。我本想学习一些关于如何与社区居民有效沟通、如何将他们的需求融入艺术创作的实操方法，但书中提供的更多是艺术家的内心挣扎和对“艺术的异化”的控诉。这种过于个人化和情绪化的表达，虽然展现了作者的激情，却大大削弱了作为一本入门读物的指导价值。如果说入门书籍的职责是为新手铺设平整的道路，那么这本书更像是设置了层层叠叠的障碍物，要求读者具备深厚的专业背景才能勉强跟上作者的思路，对于完全零基础的读者而言，无疑是一次令人气馁的挑战。

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阅读此书的另一个显著感受是其强烈的作者个人倾向性，这使得它在呈现一个“全面”的环境艺术图景时显得有些偏颇。作者明显对某些特定的艺术流派或理念怀有极大的热情，并花费了不成比例的篇幅去论述它们，而对其他同样重要的领域则几乎只字不提或者一带而过。例如，书中对某些小众的、实验性的环境行为艺术给予了极高的评价和详尽的分析，但对于更为常见且对公众影响深远的公共雕塑、市政环境美化等领域，却只有简短的批判性评论。这种“厚此薄彼”的写作方式，让读者难以形成一个平衡的视角。我期待一本入门书能够提供一个包罗万象的行业概览，帮助我认识这个领域的广度和多样性，了解不同路径的可能性。但这本书更像是一份精心策划的“作者个人推荐书单”，过滤掉了大量主流或不同取向的实践范例。如果我完全依赖这本书作为唯一的参考，我可能会误以为环境艺术就等于某种特定的、高度概念化的行为实践，而错失了认识该领域更广阔图景的机会，这对于建立一个健康、全面的知识结构是十分不利的。

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这本关于环境艺术的书籍，实在让人有些摸不着头脑。我原本期望能从中窥见一些关于如何将艺术融入自然环境的实用技巧，或者至少是一些经典案例的深度剖析。然而，书里的内容更像是一系列抽象的哲学探讨，夹杂着一些我完全无法理解的术语。比如，书中花了大量篇幅去阐述“空间感知与存在主义”之间的微妙联系，这对我一个想要学习如何在城市广场设计中使用雕塑的初学者来说，显得过于晦涩和脱离实际。我翻阅了关于材料选择的部分，本以为会看到关于可持续材料、本地资源利用的介绍，结果更多的是对“材料的内在精神性”的论述，这对我实际操作的指导意义微乎其微。当我试图查找一些关于景观设计软件或者特定环境艺术流派的介绍时，书中却只有对这些流派历史渊源的冗长描述，却鲜有实例展示其具体应用。整本书读下来，我感觉自己仿佛置身于一个充满理论迷雾的殿堂，而不是一个充满实践指导的工坊。如果说环境艺术是连接人与自然的桥梁，那么这本书似乎更像是一堆用来装饰桥梁的、但并不能真正帮助搭建桥梁的理论砖块。我期待的是能看到如何通过光影变化来塑造空间氛围的技巧，或者如何利用季节更替来设计动态装置的思路，但这些实实在在的内容几乎找不到踪影，留下的只有满篇的、让人难以消化的概念。

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这本书的理论深度固然值得称赞，但其对“入门”二字的理解似乎存在严重的偏差。它更像是一本面向高年级研究生或资深从业者的理论综述，而非面向初学者的导览手册。书中反复强调的那些复杂概念，例如“现象学美学”、“后结构主义的空间解构”，对于一个刚刚接触环境艺术，还在努力区分“景观设计”和“环境装置”区别的读者来说，无疑是过于沉重的负担。我希望能找到关于基础设计原则的清晰阐述——比如如何处理体量、比例、纹理在特定场地中的运用——但这些基本功的讲解被淹没在了大量对理论先驱的引用和引述之中。作者似乎默认读者已经具备了扎实的艺术史和哲学基础，可以直接进入高阶辩论。结果是，我读完后对“环境艺术是什么”的理解没有增加多少，反而对“为什么会有这些理论”产生了更多的困惑。这本书与其说是入门，不如说是为那些已经站在门槛上，渴望更深层次理论思辨的专业人士准备的“进阶之梯”，对于初学者而言，它提供的是一个需要攀爬的峭壁。

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从装帧和配图的角度来看，这本书的表现实在令人失望，与它宣称的“环境艺术”主题大相径庭。我们都知道环境艺术高度依赖视觉信息来传达概念和美感，但这本书的插图质量堪忧。许多关键案例的图片模糊不清，尺寸过小，甚至有些图片看起来像是从低分辨率的网页上截取下来的，完全无法展现出艺术作品应有的细节和环境张力。更令人费解的是，很多插图与它紧邻的文字描述并无直接关联，仿佛是随意填充的“视觉休息区”。例如，在介绍完一个大型大地艺术项目后，配上的图却是一个室内装置的局部特写，让人不得不猜测编辑团队是否对内容进行了基本的校对。一本探讨视觉艺术的书，如果连基本的视觉呈现都无法做到专业水准，那么其内容的可信度和阅读体验自然会大打折扣。我原本希望能通过高质量的图像来理解材料的质感、光线的处理以及作品与周遭环境的互动关系，但这些期望在这本书中完全落空了。这本书似乎更像是一份匆忙赶工的学术论文集，而不是一本精心制作、值得收藏的艺术图册。

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