京剧谈往录四编 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京出版社

作者:北京市政协文史资料委员会（编）

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-10

价格:18.00

装帧:平装

isbn号码:9787200032819

丛书系列:京剧谈往录

图书标签:

• 京剧
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《秦腔流派源流考》 第一卷：关中腔调的百年回响 绪论：关中戏曲的地理坐标与文化基石 秦腔，作为中国最古老的剧种之一，扎根于黄土高原的深厚土壤，其声腔的古朴雄浑与表演的写意写实并存，构成了中华戏曲艺术中一道独特而坚韧的风景线。本书旨在系统梳理秦腔自清代中叶以来的流派纷呈、腔调演变及其对中国近代戏曲格局的深远影响。我们不涉猎京剧的声腔构建与剧目体系，而是将全部焦点凝聚于关中腹地，探寻那“高亢激越，一字千金”的艺术生命力。 第一章：声腔的“古调今腔”——板式与腔调的演变 秦腔的音乐内核在于其严格的板式结构与自由的吟唱韵味。本章详述秦腔主要声腔的源起，重点分析“四大腔”——老生腔、须生腔、正旦腔、花脸腔的各自特点与地域变体。 老生腔的“板眼之辩”： 深入剖析老生腔中“慢板”、“流水板”、“散板”的内部张力，特别关注眉户腔与碗碗腔在韵味上的微妙差异。我们着重探讨周至老腔如何通过对鼻腔共鸣的极端运用，形成其独特的“空灵”之感，并与后来的“东府腔”的朴拙进行对比。 须生与小生的“转调”艺术： 须生与小生是秦腔中对叙事和抒情需求最高的声部。本章细致描摹了清末民初，须生腔如何从早期较为单一的“靠把”唱法，逐步吸收梆子腔的某些高腔技巧，在保持“苍劲”的同时，增添了“婉转”的一面。这部分内容将完全聚焦于秦腔演员对声带和气息控制的传统技法，不涉及任何京剧的二黄或西皮结构分析。 旦角的“花腔”与“板眼交替”： 秦腔旦角艺术的成就斐然，其腔调的复杂性不亚于任何其他剧种。本章通过对早期“彩腔”的记录与摹写，揭示其如何应对复杂的叙事节奏，尤其侧重于探讨早期秦腔艺人如何处理“哭腔”和“笑腔”中的腔调起伏，这些都是关中民间音乐传统的直接体现。 第二章：流派初显——名家与地域风格的定型（清末至民国） 秦腔的艺术生命力，很大程度上体现在一代代名家的“独树一帜”。本书的这一部分，是专注于梳理那些奠定秦腔艺术规范，但与京剧体系无直接关联的艺术家。 周至流派的“高腔传统”： 重点考察以某位周至籍老艺人（非京剧名家）为代表的唱法。此流派以其极高的音区运用和对腔体内部“颤音”的精妙处理闻名，这种颤音的运用，是秦腔区别于其他剧种的重要标志，它根植于关中地区的民歌与信天游的审美趣味。 长安派的“融合与规范”： 长安（西安）作为商业中心，其秦腔的接受度更广，风格也更趋向于“大路化”。本章分析了长安派如何通过对“板眼节奏的收紧”，使秦腔更适合在城市剧场中表演，同时保留了核心的“咬字吐音”的古风。 东府（陕北）腔的“粗犷与内敛”： 陕北的秦腔流派，往往带有浓厚的信天游色彩，其板眼结构相对自由，强调的是情绪的直接喷发。我们将详细对比东府腔中对“喊腔”的使用，以及其在表演上更侧重于“身段”的写意表达，而非程式化的精细雕琢。 第二卷：舞台上的写意与写实——表演技艺的传承 秦腔的魅力不仅在唱，更在其独特的身段和化装艺术。本书的第二卷完全避开京剧的武功和翎子功，专注于秦腔的“气势”与“做功”。 第三章：秦腔的“起范儿”与身段语言 秦腔表演讲究“气势如虹”，其身段语汇源于关中民间舞蹈和武术的某些基本动作，形成了一套自洽的表演体系。 “走马”与“亮相”的差异化： 详细解析秦腔中独特的“走马”程式，即角色在舞台上转换位置时所采取的步法，它强调的是节奏感和角色的内心活动外化，与京剧的程式化步法进行严格区分。重点分析“亮相”时，秦腔演员面部表情（尤其是眼神的运用）如何瞬间抓住观众，达到“一惊而起”的效果。 脸谱的地域象征： 本章深入探讨秦腔脸谱的独特符号系统。秦腔脸谱在色彩运用、线条勾勒上，往往比其他剧种更为大胆和抽象，某些特定角色的勾脸方式，直接反映了当地的民间信仰和审美偏好，例如某些“夸张化”的鼻子或眼睛的处理，都是秦腔独有的视觉语言。 第四章：服饰与道具的“象征性”运用 秦腔的舞台呈现，在服装和道具的使用上，保留了更古老的戏曲遗风。 “蟒袍”与“靠旗”的形制区别： 详细描述秦腔中各类主要服装（如蟒、靠、帔、褶）的裁剪、材质和色彩象征意义，特别指出其在形制上如何区别于其他剧种的类似服饰，例如秦腔靠背的钉制方式更为厚重，以适应其粗犷的武打风格。 水袖的“写意表达”： 水袖在秦腔中的使用，强调的是“拂袖”、“甩袖”所表达的内心情绪的爆发，而不是精细的“拈袖”技巧。我们将分析秦腔演员如何通过水袖的幅度与速度变化，来传达“气愤”、“悲怆”等复杂情感。 结语：秦腔——不朽的关中绝唱 秦腔艺术，历经坎坷，始终以其古老的腔调和写意的表演，屹立于中国戏曲之林。本书的研究，旨在提供一个纯粹、深入的秦腔艺术剖析，远离其他剧种的参照系，展现其自身的艺术脉络与独特价值。通过对声腔、流派、表演技艺的细致考察，我们力求还原一个真实、鲜活的、原汁原味的关中戏曲世界。

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这本书给我的最大感受是“烟火气”十足。尽管主题是高雅的京剧艺术，但作者叙述的许多场景，充满了市井生活的气息。比如，书中描述了早年戏班子在城乡间穿梭的艰辛，伙食的简陋，以及演员们在后台相互扶持的真挚情谊。这些细节，让冰冷的历史变得有血有肉，让我仿佛能闻到旧戏园子里混合着油彩、汗水和陈旧木料的气味。特别是书中提到某位名伶在某次义演中的趣闻轶事，那种带着浓重地方口音的俏皮话，让人会心一笑，瞬间拉近了与历史人物的距离。它没有将艺术家们神化，而是把他们还原成有喜怒哀乐的普通人，这使得我对京剧艺术的崇敬之情，更多了一份人性的理解和同情。这本书就像是一坛老酒，初尝时略有辛辣，细品之后，回味无穷，尽是生活的醇厚。

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这部《京剧谈往录四编》显然是一部引人入胜的史料汇编，从书名就可以嗅到浓厚的历史沉淀感。我拿起这本书时，首先被它那种朴实无华的封面设计所吸引，没有花哨的图案，只有沉甸甸的字体，仿佛在向读者宣告，里面的内容是经过时间考验的真知灼见。作为一个对传统艺术怀有敬意的门外汉，我原本担心内容会过于专业晦涩，但读过几页后便发现，作者的笔触非常细腻，他似乎有一种魔力，能将那些遥远年代的梨园旧事，用一种娓娓道来的口吻讲述出来。特别是他对于某位老艺术家的早年经历的描摹，简直栩栩如生，仿佛我正站在那个简陋的戏台上，感受着灯光下的汗水与梦想。书中穿插的那些罕见的剧照和手稿的影印件，更是为这段历史增添了无可替代的真实感。读完后，我感觉自己像是与老一辈的艺术家进行了一场跨越时空的对话，对京剧艺术的传承脉络有了更深层次的理解。这种对历史细节的尊重和挖掘，使得整本书厚重而不失温度。

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翻开这本书，我立刻被作者那种近乎考据癖的严谨态度所折服。这哪里是随意的“谈往”，分明是一部扎实的“稽古录”。尤其是在讨论某个行当的声腔演变时，作者会引述多方文献，对比不同时期的记录，甚至会考证到某个腔调在不同地域间的细微差异。这种研究方式，对于那些追求学术深度的读者来说，无疑是巨大的福音。我特别欣赏其中关于“流派纷争”那一章节的处理方式，它没有简单地站队或批判，而是客观地呈现了各方观点和历史背景，让读者自己去权衡和思考。这种克制的叙事风格，体现了作者深厚的文化修养和对历史的敬畏。读这本书，与其说是阅读，不如说是在进行一场智力上的探险，每深入一层，都会发现新的线索和被忽略的细节。它不是那种可以轻松消遣的作品，需要静下心来，带着敬意去咀嚼每一个论点和每一个历史片段。

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这本书的编排结构，初看之下似乎有些松散，但细读之后，才明白这是作者刻意为之，它模仿了老先生们在茶馆里闲谈的叙事节奏。内容跳跃性较大，一会儿讲到武生前辈的绝技，一会儿又笔锋一转，谈起道具制作的失传工艺。这种“不拘一格”反而营造出一种信马由缰、却又处处有章法的韵味。它不像教科书那样线性推进，而是像一张巨大的、相互关联的网络，引领着读者去探索不同的兴趣点。我尤其喜欢它对特定剧目幕后故事的挖掘，那些关于某个经典唱段诞生的种种传闻与真相，经过作者的梳理，变得清晰而引人入胜。这本书更像是一本“案头书”，适合在心绪宁静时，随意翻开一页，便能获得一次精神上的滋养。它教会我的，是如何以一种更开放、更包容的心态去看待传统艺术的流变。

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阅读《京剧谈往录四编》的过程，与其说是获取知识，不如说是一种情怀的唤醒。作者的文字里，流淌着一种对逝去时代的深切怀念，字里行间透露出对京剧黄金时代那种无可挽回的感慨。他写到那些辉煌的鼎盛时期，同时也隐隐流露出对当代舞台现状的担忧，但这种担忧并非抱怨，而是化为对艺术本体更深层次的呼唤。这种复杂的情感基调，使得全书的格调非常高远，不是简单的怀旧，而是在历史的纵深中寻找未来的方向。我感受到了那种“为往圣继绝学”的使命感，作者不仅仅是记录者，更像是守护者。这本书的价值，已远超其内容本身，它凝聚了一种时代精神和艺术良知，值得所有热爱传统文化的人珍藏和细读，并在每一次重读中获得新的感悟与启发。

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压卷的一编精彩文章不多，反倒有几篇不够分量，或是溢美之词，或是未曾亲历亲闻，有凑数之嫌。高盛麟早年沉沦辗转，真是等到建国后才大红。徐碧云的不少私房本戏确有不凡之处，现在能一睹全貌的大概只有《绿珠坠楼》了。

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好多没节操的京剧演员

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2020.1—4月 重读

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压卷的一编精彩文章不多，反倒有几篇不够分量，或是溢美之词，或是未曾亲历亲闻，有凑数之嫌。高盛麟早年沉沦辗转，真是等到建国后才大红。徐碧云的不少私房本戏确有不凡之处，现在能一睹全貌的大概只有《绿珠坠楼》了。

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2020.1—4月 重读