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出版者:北京体育大学出版社

作者:藤泽秀行

出品人:

页数:220

译者:秦琪

出版时间:2002-8-1

价格:15.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787810517799

丛书系列:

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棋局中的光影：中国古代绘画赏析 书籍简介 本书将带领读者步入中国古代绘画的浩瀚世界，深入探索其丰富的历史脉络、独特的审美情趣与深邃的文化内涵。我们聚焦于不同历史时期最具代表性的画派和画家，剖析他们的创作思想、技法革新，以及他们如何通过笔墨丹青，记录下时代风貌、抒发个体情怀。这不是一部枯燥的艺术史梳理，而是一场穿越时空的视觉之旅，旨在培养读者对传统艺术的敏感度和鉴赏力。 第一章：源起与奠基——先秦至魏晋的“气韵生动” 本章追溯中国绘画的萌芽阶段。从《韩非子》中对图画的初步记载，到汉代墓室壁画中粗犷而有力的生命力，我们见证了线条如何逐渐成为表达思想的媒介。重点分析魏晋时期，玄学思潮对绘画观念的深刻影响。顾恺之“传神写照”的理论，确立了人物画的至高地位。我们细致考察《洛神赋图》中流动的线条和人物的内在精神状态，阐释“形神兼备”如何成为中国画的审美核心。特别是对曹植《洛神赋》意境的视觉转化，展示了文学与绘画之间密不可分的联系。 第二章：盛唐气象与文人画的兴起 唐代，国力鼎盛，绘画艺术也呈现出宏大、富丽的时代特征。本章首先探讨李思训、李昭道父子的“青绿山水”如何以矿物颜料的绚烂，构建出宫廷的恢弘气势。随后，笔锋转向吴道子，探究其“吴带当风”的衣袂飘举，以及对人物动态的精准把握，这一时期的绘画标志着技巧的成熟。 然而，唐代中后期，对主流院体画的反思催生了“文人画”的雏形。张璪等人开始强调“逸笔草草，不求形似”，将个人学养、修身养性融入笔墨。这标志着绘画审美重心从客观再现向主观表达的转移，为宋代的变革埋下了伏笔。 第三章：宋代的规范与审美高峰 宋代是中国绘画的黄金时代，官方设立画院，对技法提出了前所未有的严格要求。本章将深入剖析两宋院体的巅峰成就。 宋徽宗与院体画的集大成： 以徽宗“瘦金体”对线条的极致追求为引，探讨院画在花鸟、山水领域的写实功力。范宽的《溪山行旅图》如何通过严谨的结构和“雨点皴”，展现北方山脉的雄浑与敬畏感；张择端的《清明上河图》，则以百科全书式的细节描摹，定格了北宋都市的繁华景象，其叙事性和社会性价值不言而喻。 文人画的独立与发展： 与院体画的工整形成对比，苏轼、米芾等文人倡导“意在笔先”。米芾的“米点”皴法，以墨色的晕染替代繁复的线条勾勒，追求烟雨迷蒙的氛围，强调的是瞬间的感悟和情趣。本章将对比院体与文人画在创作动机、用笔方式和最终审美取向上的根本差异。 第四章：元代的隐逸与水墨的解放 元代，由于蒙古统治，汉族文人对官方的政治立场趋于消极，绘画成为他们寄托高洁情操的工具。元四家——赵孟頫、黄公望、吴镇、倪瓒——成为这一时期的核心。 赵孟頫的复古与书画同源： 赵孟頫强调“书画一源”，主张回归晋唐风骨，注重线条的骨力与韵味。 元四家的笔墨探索： 黄公望的“披麻皴”展现了江南山水的温润与层次感；倪瓒的“折带皴”则以极简的笔触，表现出高傲、孤绝的隐士情怀，其画中留白之多，几乎成为画面的主体，象征着对俗世的疏离。本章着重分析“水墨”艺术如何在这个时期获得彻底的解放，成为表达内在精神哲学的最纯粹载体。 第五章：明清的多元化与程式的坚守 明代绘画呈现出“学院派”与“文人派”的并驾齐驱，风格更为多元。 早期与中期的风格流变： 以“浙派”的雄强写实，对比“吴门画派”的秀雅细腻。沈周、文徵明的继承与创新，巩固了文人画的传统地位。董其昌提倡的“南北宗论”，尽管带有主观色彩，却极大地影响了后世对绘画历史的梳理和理解。 晚明与清代的变革： 晚明的董其昌、陈继儒等人，将笔墨意趣推向极致，更重对前人图式的消化与重组。清代，随着宫廷的强力介入，以“四王”为代表的摹古派试图建立一种规范化的传统，但在民间，以石涛、八大山人为代表的“个性派”画家，则以颠覆性的笔墨和强烈的个人情感，为中国绘画注入了新的生命力，预示着近现代艺术的走向。 结语：跨越时空的对话 本书的最后部分将探讨中国古代绘画中常见的象征符号（如松、竹、梅、兰），它们如何超越单纯的物象描绘，成为士大夫精神世界的投射。通过对不同时代风格的比较分析，读者将能建立起一个完整的中国绘画的知识框架，学会如何透过笔墨的表象，体察古人“一画之中，兼具万象”的境界。每一幅作品都是一个时代的切片，一次心灵的敞开，等待着今天的我们去聆听它穿越千年的回响。

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我必须承认，我是被这本书的书名吸引过来的，本以为会是一本非常硬核、充满专业术语的“技术手册”，但读完第一章后，我的看法完全改变了。它更像是一本“围棋心法”的入门指南。作者非常擅长捕捉初学者的困惑点，比如如何在开局阶段不至于“手忙脚乱”，如何建立一个稳固的根据地而不至于被对手轻易侵蚀。书中的语言非常平易近人，没有太多生僻的专业词汇，即便是对围棋规则刚了解不久的新手，也能毫无障碍地跟上思路。我特别欣赏作者对于“气”和“联络”的解释，他不是简单地告诉你“要打吃”，而是深入剖析了为什么“联络就是生命”，这种哲学层面的引导，远比死记硬背规则有效得多。书中的练习题设计得也很有梯度感，从最简单的提子练习，逐渐过渡到复杂的死活问题，让人在不知不觉中完成了技能的积累。这套书让我感觉自己不再是孤军奋战地学习，而是在一位耐心且智慧的导师的带领下，稳步前行。

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这本书的节奏感把握得相当到位，它不是一本让你一口气读完就束之高阁的工具书，更像是可以常年放在手边，随时翻阅的“棋道字典”。我发现自己在对局结束后，经常会翻到关于“手筋”和“定式变化”的章节进行回顾和反思。书中对很多经典定式的讲解，都加入了近年来职业棋手的最新研究成果和细微调整，这对于追求进步的棋手来说非常宝贵。更难得的是，作者对定式的介绍，并没有强求读者必须全部背诵，而是着重解释了定式背后的“原理”，比如为什么要这样交换，哪一步是拐点，这些解释让变化看起来不再是冰冷的公式，而是充满活力的逻辑推演。我特别喜欢它对“弃子取势”这一复杂概念的处理，用了一个非常贴近生活的小故事来类比，让人一下就理解了这种看似“吃亏”实则“有利”的深度策略。这让我在实战中更敢于下出一些看似冒险，实则有根据的妙手。

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对于一个对围棋抱有敬畏之心的学习者来说，这本书的价值在于它所传递出的那份对“棋艺精神”的尊重。它不仅仅是一本教学指南，更像是一本关于如何通过围棋来修身养性的典籍。作者在行文间流露出的那种对棋盘上每一个落子都倾注的专注与热爱，是任何冰冷的技术手册都无法比拟的。书中对“胜负观”的探讨尤其深刻，它教导我们如何在追求胜利的同时，保持对对手的尊重，以及在失利面前如何保持平和的心态，这对于一个容易被输赢影响心境的棋手来说，是莫大的心理建设。阅读的过程本身就是一种享受，文字的韵律感和对围棋艺术的赞美，让人仿佛置身于高手的对局之中，感受那种平静下的暗流涌动。这本书成功地将围棋从一项竞技活动提升到了一种精神层面的追求，让人对这项古老的艺术有了更深一层的感悟和向往。

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这本书的排版和插图简直是视觉享受！我尤其喜欢它在讲解布局时采用的那些精美的棋盘示意图，那种细致入微的线条感和对局面的掌控力，让人一看就心生向往。作者在基础理论的阐述上，没有采用那种枯燥的公式堆砌，而是通过一系列生动的历史案例来串联起围棋哲学的演变，读起来就像在听一位老前辈娓娓道来，既有深度又不失趣味性。特别是关于“目外”和“效率”的讨论，书中用了很多富有诗意的比喻，成功地将抽象的围棋概念具象化了，让我这个业余爱好者也能迅速抓住核心。装帧设计也看得出是用心了，书皮的材质摸上去很有质感，即便是放在书架上，也是一件值得收藏的艺术品。不过，如果能在实战对局的复盘部分，多加入一些职业棋手的“内心独白”或者当时的思考流程，或许会更有代入感，毕竟光看棋谱的记录，有时还是难以完全理解棋手临场是如何权衡利弊的。总的来说，这是一本将美学、历史和技术完美融合的佳作，绝对值得棋友们拥有。

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说实话，市面上的围棋书籍汗牛充栋，大部分都停留在“招式解析”的层面，让人读完后总感觉“知其然，而不知其所以然”。这本书最让我感到惊喜的是它对于“全局观”的培养所花费的心思。作者似乎有一种魔力，能把原本散乱的棋子，组织成一个有机的整体。他反复强调“缓急轻重”的判断标准，并且通过大量的图例展示了在不同阶段（如布局、中盘、官子）侧重点的巨大差异。其中关于“模样”的构建与破坏那一章，简直是醍醐灌顶。我过去常常在局部战斗中迷失方向，忽略了整个棋盘的走势，但这本书教会了我如何像一个画家一样去构思整个棋局的“画面感”，而不是仅仅关注每一个小小的“笔触”。这种宏观的视角，极大地提升了我对局面的判断速度和准确性。如果你已经厌倦了那些只教你怎么赢一盘棋的书，这本书会带你思考如何“下好”一盘棋的深层逻辑。

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2004.11.04

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2004.11.04

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我学到了不少东西

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一颗孤胆 两片浮萍

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2004.11.04