具体描述
纵观我国古代论画的书籍，论述画理很丰富，但论述和记载画材与技法的却很少。本书弥补了中国画史上的这种不足，对画材提出了“睁开眼睛看世界”、“拿来主义”等观点，值得业内人士借鉴。
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用户评价
这本书，让我看到了中国画材料的“生命力”。它不仅仅是静止的颜料，更是蕴含着自然的力量和人文的温度。我喜欢书中对中国画传统色彩体系的深入解析，例如，“五色”在中国画中的地位和演变，以及这些色彩是如何与哲学思想、文化观念相结合的。书中对“矿物颜料”的详细介绍，让我了解了这些古老颜料的采集、提炼和应用过程，以及它们所蕴含的独特魅力。它不仅仅是告诉你“石青”和“石绿”是什么，更是告诉你它们是如何被运用在壁画、绢画和纸画中的，以及它们如何在不同的载体上呈现出不同的光泽和质感。我尤其欣赏书中对“墨”的论述，它将墨的“焦、浓、重、淡、清”不仅仅作为一种色彩的描述，更是作为一种表现“意境”和“精神”的载体。它详细地讲解了如何通过“笔法”和“水法”的结合，来控制墨色的变化，从而创造出画面丰富的层次和质感。它还提到了“宿墨”、“涨墨”等技法，这些技法看似“粗糙”，实则蕴含着深厚的功力，能够极大地增强画面的表现力和感染力。这本书让我明白了，中国画的材料运用，是一种“恰到好处”的艺术，它需要艺术家对材料的深刻理解，更需要艺术家对“度”的精准把握，才能达到“画中有诗，诗中有画”的境界。
评分这本书，我真的可以称之为“中国画材料应用的集大成者”。它不仅仅是在介绍各种材料，更是在解读这些材料在中国画发展历程中的作用和演变。我特别喜欢书中关于“颜料的保存和保养”的章节，这对于长期进行中国画创作的艺术家来说，是非常实用的信息。它会讲解如何正确地储存颜料，如何避免颜料受潮、受光而变质，以及如何对古老的画作进行颜料的修复和保护。书中还对“墨”的制作工艺进行了详细的介绍，从墨的原料选择，到墨的研磨、制成，再到墨的“陈化”，每一步都凝聚着传统工匠的智慧和心血。我之前一直对“墨分五色”的理解比较模糊，这本书通过对墨的“焦、浓、重、淡、清”在不同技法下的具体应用，以及如何通过“笔法”和“水法”来控制墨色的变化，让我豁然开朗。它不仅教会了我如何使用墨，更教会了我如何“品味”墨的韵味。书中还对“宣纸”的性能进行了深入的分析，包括宣纸的“吸水性”、“润性”和“承墨性”，以及不同的宣纸类型（如生宣、熟宣、半生熟宣）在水墨画和工笔画中的应用差异。它让我明白，好的宣纸，本身就是一件艺术品，它能够将画家的意念和情感，以最完美的方式呈现出来。这本书让我对中国画的材料有了更系统、更全面的认识，它是一本值得反复研读的宝典。
评分我一直认为，中国画的魅力，在于它的“含蓄”和“留白”。而这本书，让我看到了这种“含蓄”和“留白”是如何通过材料的运用而得以实现的。它不仅仅是讲述颜料的颜色，更是讲述颜料的“质感”和“肌理”。书中对“晕染”技法的详细讲解，让我明白了如何通过颜色的叠加和水分的控制，来创造出画面微妙的色彩过渡和层次感，而这种过渡和层次，正是中国画“含蓄”之美的关键。它还提到了“飞白”技法的运用，如何让笔下的色彩产生那种“枯湿相间”、“浓淡相宜”的韵味，而这种韵味，正是中国画“留白”之美的灵魂。我特别喜欢书中对“工笔”和“写意”在材料运用上的差异分析，它详细地阐述了如何在工笔画中运用细腻的色彩和严谨的笔触来塑造物体的形态和质感，又如何在写意画中运用写意的笔法和写意的色彩来表达画家的情感和意境。它让我明白了，中国画的材料运用，并不是一成不变的，而是需要根据不同的风格和主题，来选择和搭配最合适的材料。这本书就像一位循循善诱的老师，它不仅传授我技法，更启迪我思考，让我对中国画的材料运用有了更深刻的理解和感悟。
评分我必须说，这本书彻底改变了我对中国画材料的认知。在此之前，我总觉得中国画的色彩运用相对西方绘画来说，显得有些单一，或者说，是一种“写意”的笼统说法。然而，这本书让我看到了中国画在色彩运用上的细腻和精妙，那是一种对物质性和表现性的完美结合。它非常深入地探讨了不同材质（比如宣纸、绢、绫、锦）对颜料附着力、渗透性和色彩呈现的影响。比如，它会分析在生宣上用矿物颜料需要注意什么，如何避免“洇开”而又能表现出笔墨的飞白效果；又或者在熟宣上，如何利用颜料的饱和度和覆盖力来塑造立体感。我特别赞赏书中对“墨分五色”的科学解读，不仅仅是简单的浓淡，更涉及到墨的“焦、浓、重、淡、清”在不同技法下的具体应用，以及如何通过调墨来营造画面的空气感和空间感。书中还提到了中国画中对“白”的运用，那不是简单的留白，而是如何通过颜料的“飞白”技法，或者让纸张本身的白色成为画面重要的构成部分，来达到虚实相生、意境无穷的效果。我之前一直对如何表现金属质感或者宝石的光泽感到困惑，而这本书里对“金泥”、“银箔”等的使用方法，以及如何与矿物颜料结合，创造出那种古老而华丽的视觉效果，简直是点石成金。它不是简单地告诉你“加金”，而是告诉你“在哪里加金”、“加多少金”、“用什么方法加金”，才能达到恰到好处的效果。总而言之，这本书让我看到了中国画在材料运用上的极致追求，那是一种对传统智慧和自然造化的深刻理解。
评分这本书，我简直是爱不释手，那种感觉就像挖到了一座金矿，只不过这座金矿闪耀的不是黄金，而是中国画那博大精深的色彩和质感。拿到书的那个下午，阳光正好，我迫不及待地翻开，眼前豁然开朗。它不是那种枯燥乏味的技术说明，而是充满了探索的乐趣。我一直对中国画的颜料来源和特性感到好奇，比如那些矿物颜料，在古代是如何被采集、提炼，又如何在纸张或绢帛上呈现出独特的光泽和厚重感的？这本书在这方面给了我非常详尽的解答，从石青、石绿的矿物学特性，到朱砂、赭石的天然来源，再到植物颜料如花青、藤黄的提取和应用，都写得极其细致。它不仅仅是告诉你“怎么用”，更是告诉你“为什么这样用”。比如，它会讲到不同矿物颜料的颗粒大小对画面质感的影响，以及它们在不同季节、不同湿度下可能产生的微妙变化。我印象最深的是关于“染”的技法，书中通过大量的实例，展示了如何用薄薄一层透明的颜料去晕染，层层叠加，最终形成丰富的色彩层次，而不是简单地“涂抹”。还有那些关于“笔”的运用，墨色的浓淡枯湿，笔触的刚柔疾徐，都好像被赋予了生命，在书页间跳跃。我尤其喜欢它对传统技法“三矾九染”的深入剖析，不仅仅是文字描述，还配有大量的图例和步骤分解，让我能清晰地看到每一层矾水和颜料是如何作用于纸面的，最终如何让画面产生那种古朴而典雅的韵味。这本书让我对中国画的材料有了全新的认识，它不再是冰冷的颜料，而是承载着历史、文化和自然气息的生命体。
评分这是一本真正能“点亮”你的中国画创作思路的书。我之前在学习中国画时，总感觉自己的色彩运用有些“生硬”，缺乏那种中国画特有的“雅致”和“含蓄”。这本书，就像一盏明灯，指引我找到了症结所在。它不仅仅是告诉你“怎么用颜料”，更是告诉你“为什么要这样用颜料”，以及“这样用颜料能达到什么样的效果”。书中对“晕染”技法的讲解尤其让我受益匪浅，它详细地阐述了如何通过“水分的控制”和“颜色的叠加”，来创造出画面丰富微妙的色彩层次，而不仅仅是简单的“涂抹”。它还提到了“飞白”技法的运用，如何让笔下的色彩产生那种若隐若现、枯湿相间的韵味，而这种韵味，恰恰是中国画最具魅力的特质之一。我印象特别深刻的是书中对“没骨法”的介绍，这种技法完全抛开了传统的墨骨，直接用色彩来塑造物体的形态和质感，而书中对不同花卉、翎毛的“没骨”表现，真是妙不可言，尤其是对色彩的运用，既有传统工笔的严谨，又有写意画的灵动。它让我明白了，中国画的色彩运用，并非仅仅是为了“填色”，而是为了“塑造”和“传神”，是为了通过色彩来表达画家内心的情感和对世界的理解。这本书让我对“水墨”和“设色”的结合有了更深的感悟，它们不再是独立的元素，而是相辅相成，共同构建出中国画独特的艺术魅力。
评分这本书最大的魅力在于，它并没有将中国画的材料应用与具体的绘画技法割裂开来。相反，它将两者融为一体，深入浅出地阐述了材料如何影响技法的运用，以及技法如何充分发挥材料的潜能。我之前在学习中国画时，常常会遇到这样的困惑：为什么我按照步骤来画，但总达不到老师所演示的那种效果？这本书解答了我的很多疑惑。它会细致地讲解，比如在画花卉时，如何选择合适的“藤黄”和“曙红”，以及如何通过“墨筋”来增强花瓣的立体感。又或者在画山水时，如何运用“花青”和“赭石”来表现山峦的层次和质感，以及如何利用“散锋”和“积墨”来营造出山水的苍茫感。书中对“墨”的论述尤为精彩，它不仅仅讲了墨的“黑”，更讲了墨的“韵味”，从墨的“润”到墨的“枯”，从墨的“涨”到墨的“渴”，每一个细节都蕴含着深厚的功力。它还详细介绍了如何处理“宣纸上的墨韵”，如何在“生宣”和“熟宣”上创造出不同的墨色效果，以及如何通过“皴法”来表现山石的不同肌理。我特别喜欢书中对“晕染”技法的阐释，那是一种非常微妙的色彩叠加过程，需要精确的控制颜料的湿度和笔的力度，才能达到那种自然天成的效果。它让我明白，中国画的色彩不仅仅是“颜色”，更是“笔墨”和“水”的和谐统一。这本书就像一位经验丰富的老师，手把手地教你如何与材料对话，如何让材料成为你表达思想的得力助手。
评分我一直觉得，绘画的灵魂在于材料。如果你不懂材料，即使你有再好的想法，也无法在纸上、在绢上真正地“活”过来。这本书，恰恰就是给了我一把通往灵魂之门的钥匙。它不仅仅是一本关于“颜料”的书，它更像是中国画材料的一部“百科全书”。我喜欢它对传统颜料的“前世今生”的挖掘，比如那些关于“石色”的起源，从古代墓葬出土的壁画中，我们可以看到石青、石绿是如何被珍视和运用。书中还详细介绍了各种颜料的“质地”和“特性”，例如，某些颜料的碱性或酸性会影响纸张的寿命，而某些颜料的化学性质会与纸张的纤维发生反应，从而产生预想不到的效果。它不仅仅是告诉你“怎么调色”，更是告诉你“为什么要这样调色”。比如，书中会讲解为什么某些矿物颜料需要“退光”或者“罩染”，以及这样做是为了达到什么样的视觉效果。我之前总是觉得中国画的色彩显得有些“平面”，不够立体，但这本书通过对“烘染”、“提染”、“点染”等技法的详细解析，让我明白了如何利用颜料的厚薄、颜色的叠加以及笔法的变化，来营造出画面的层次感和体积感。它甚至会讨论到不同类型的“胶”（如明矾、鹿胶、鱼胶）在颜料调配中的作用，以及如何选择合适的胶来保证颜料的附着力和色彩的持久性。这本书让我对“工笔”和“写意”两种不同的风格在材料运用上的差异有了更深刻的理解，并且学会了如何根据不同的画面需求，来选择和搭配最合适的材料。
评分这本书，让我对“材料”这两个字有了全新的定义。它不再是简单的“工具”，而是中国画创作中不可或缺的“灵魂”。我喜欢它对中国画传统色彩体系的深入解析，例如，“五色”在中国画中的地位和演变，以及这些色彩是如何与哲学思想、文化观念相结合的。书中对“矿物颜料”的详细介绍，让我了解了这些古老颜料的采集、提炼和应用过程，以及它们所蕴含的独特魅力。它不仅仅是告诉你“石青”和“石绿”是什么，更是告诉你它们是如何被运用在壁画、绢画和纸画中的，以及它们如何在不同的载体上呈现出不同的光泽和质感。我尤其欣赏书中对“墨”的论述，它将墨的“焦、浓、重、淡、清”不仅仅作为一种色彩的描述，更是作为一种表现“意境”和“精神”的载体。它详细地讲解了如何通过“笔法”和“水法”的结合，来控制墨色的变化，从而创造出画面丰富的层次和质感。它还提到了“宿墨”、“涨墨”等技法，这些技法看似“粗糙”，实则蕴含着深厚的功力，能够极大地增强画面的表现力和感染力。这本书让我明白了，中国画的材料运用，是一种“恰到好处”的艺术，它需要艺术家对材料的深刻理解，更需要艺术家对“度”的精准把握，才能达到“画中有诗，诗中有画”的境界。
评分坦白说，我最初被这本书吸引，是因为它的书名。《中国画材料应用技法》，听起来就充满了实践性和指导性。拿到手后，我发现它完全超出了我的预期。它不仅仅是一本“技法”的书，更是一本关于“中国画材料美学”的书。它让我明白了，在中国画的世界里，材料的选择和运用，本身就是一种艺术表达。书中对于“色彩的哲学”有着深刻的探讨，例如，为什么中国画传统上偏爱使用矿物颜料，以及这些颜料背后所蕴含的文化意义和象征意义。它会分析“青色”在中国画中的象征意义，以及如何通过不同的青色颜料来表现不同的意境。我也非常欣赏书中对“晕染”和“点染”等技法的细致讲解，这些技法看似简单，实则蕴含着极高的技巧和对材料的深刻理解。它详细地展示了如何通过“由浅入深”、“由淡入浓”的晕染方式，来塑造出画面的层次感和色彩的渐变。书中还提到了关于“施粉”的技法，如何用白粉来提亮画面，或者用白粉来表现雪景、云雾的质感，这些都是我之前很少关注到的细节。另外，它还对“设色”这一概念进行了深入的剖析，不仅仅是简单的色彩搭配，更是指如何通过色彩来传达情感，塑造意境，以及如何让色彩与笔墨相得益彰。这本书让我深刻地认识到，中国画的魅力，不仅仅在于笔墨的挥洒，更在于材料的巧妙运用，在于色彩的智慧搭配。
评分读烂了，经典工具书。
评分2019年夏，Mark。
评分对颜色的见地确实值得后辈仰望。
评分对颜色的见地确实值得后辈仰望。
评分2019年夏，Mark。
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