中国书法全集

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出版者:荣宝斋出版社
作者:刘正成主编
出品人:
页数:243
译者:
出版时间:1995-8
价格:86.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787500302360
丛书系列:
图书标签:
  • 魏晋南北朝
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具体描述

本书包括:原色拓本选页、魏晋南北朝墓志概论、三国雨晋南北朝墓志作品、作品考释、秦汉魏晋南北朝墓志年表、秦汉魏晋南北朝墓志出士、收藏分布图等内容。

本书所收书法作品上起商周,下迄当代,总计一百余卷。立卷分两大类:一、官代卷;二、书家卷。各卷按时代归入十编之中,另有篆刻、论著、附录、补遗四编。

断编卷编入作品,主要指宋和宋以前无书者署名之甲骨文、金文、简牍、帛书、陶瓦砖文、碑刻、墓志、刻石、摩崖、造像、写经等。此类作品分类后断代编出。

书家卷分三类;甲类卷为单人成卷者;乙类卷为二至四人成卷者;丙类卷为某一断代中多人和众人合卷者

本书各卷目次除序言、总目录外,按两类立卷体例分列。断代卷为:原色器物或搨本图选页、概论和专论、作品图版、作品考释、年表、器物与作品出土分布示意图、主要引用参考书目和文献、图版目录。书家卷为:书家画像(甲类卷)、原色法帖或原色作品选页、书家评传和专论、断代书法概论(丙类卷)、作品图版、作品考释、书家书论选注、书家年表、书家行踪示意图、主要引用参考书目、图版目录。

甲类书家卷中之附卷书家,为本家之亲属和亲授弟子,以明析其相互之影响。

附录编包括:中国书法纪年(附人名索引、作品索引)、少数民族文字书法简史图录、海外书法简史图录、文房四宝简史图录。

补遗编若干卷,将编书过程中所未能容纳和遗漏的重要作品分类编入。

本书各卷所作示意地图,皆以谭其骧主编之《中国历史地图集》为底本。

本书全部采用繁体字排版,以避免古今文字异同之误。

翰墨丹青:中国古代绘画通史 导言:穿越时空,领略中华审美之巅 本书旨在全面、系统地梳理和阐释中国古代绘画自史前萌芽至清末演变发展的宏大历史脉络。它不仅是一部绘画史的记录,更是一部融入了哲学思想、社会变迁与文人士大夫精神世界的视觉文献。我们试图通过对不同历史时期代表性作品的深入剖析,揭示中国画独特的审美追求、技法演进及其在世界艺术史中的独特地位。全书以时间为轴,以地域和画派为经,力求构建一个清晰、立体、富有层次感的中国古代绘画全景图。 第一编:源起与雏形——史前至魏晋南北朝 (史前 - 公元589年) 本篇考察中国绘画的起源,从新石器时代的岩画、彩陶纹饰中寻找早期图腾与符号的痕迹。重点剖析汉代墓葬壁画的恢弘气象与画像石的叙事功能,探讨其与古代神话、礼制文化的紧密联系。 第一章:萌芽与奠基:先秦至两汉 史前遗存与早期装饰: 探讨岩画中的动物形象与狩猎场景,以及彩陶上的几何纹饰与抽象符号。 汉代画像石与画像砖的叙事艺术: 重点分析其“浅浮雕”式的造型手法,对历史故事、孝道伦理的图像化表达,以及对后世“界画”的启示。 帛画的初步探索: 以长沙马王堆帛画(如《人物龙凤图》、《天问图》)为例,研究早期人物造型、色彩运用及宇宙观的体现。 第二章:神韵初显:魏晋南北朝的士人精神 这一时期是中国绘画从实用走向审美观念转变的关键阶段。玄学清谈之风深刻影响了绘画的“写意”倾向。 顾恺之的“传神论”: 深入探讨“以形写神”的理论构建,分析其在《洛神赋图》(存世摹本)中对人物动态、情感氛围的细腻捕捉。 六朝士人画风的形成: 讨论曹不兴、陆探微等对笔墨技法的贡献,以及山水画作为独立画科的早期尝试。 佛教造像与壁画的融合: 以敦煌早期壁画为代表,研究外来艺术如何被本土化,以及“褒衣博带”的艺术风格对人物画的影响。 第二编:成熟与鼎盛——隋唐五代的繁荣 (公元581年 - 公元960年) 隋唐时期,国力强盛,文化交流频繁,绘画艺术达到了前所未有的高峰,形成了多种风格并存、题材百花齐放的格局。 第三章:盛唐气象与院体规范:唐代绘画 人物画的巅峰: 重点分析吴道子的“吴带当风”与李思训、李昭道的“金碧山水”的风格分野。探讨人物画在宗教题材、宫廷生活题材中的世俗化倾向。 山水画的独立与发展: 探讨李思训的青绿山水如何奠定中国山水画的“南学北宗”的雏形。 花鸟画的初步形成: 讨论初唐花鸟画的装饰性,以及边鸾等画家在写实捕捉方面的成就。 第四章:五代十国的技法革命与写实精神 五代时期,尤其在后蜀、南唐等地,画家群体相对集中,为后世技法发展奠定了坚实基础。 荆浩、关仝的北方山水: 分析其“大斧劈皴”的运用,奠定了北方山水雄伟博大的基调。 南方文人画的先声: 以董源、巨然为代表,探讨“披麻皴”的运用,以及对江南烟雨迷蒙、平远山势的独特表现。 黄筌父子的院体花鸟: 考察其“写生”精神的强化,以及对细节刻画的极致追求。 第三编:两宋的写实高峰与文人画的崛起 (公元960年 - 公元1368年) 宋代是中国绘画的黄金时代,院体绘画以其登峰造极的写实功力著称,而文人画则开始挑战传统,成为一股不可忽视的艺术力量。 第五章:宋代院体的极致与全民审美的规范 北宋:范宽的“高远”与郭熙的“可行可望”: 分析北宋山水画的写实主义高峰,以及郭熙《早春图》中对空间处理的理论化总结。 院体人物画的世俗化与叙事性: 重点研究张择端《清明上河图》的社会风俗画价值,以及苏汉臣等对婴戏题材的精妙描绘。 宋徽宗与院体工笔画的典范: 探讨赵佶本人对绘画的推动作用,以及其画院在花鸟画领域的集大成地位。 第六章:文人画的自觉与元代的转型 元代,蒙古族的统治促使大量士人退出仕途,转向艺术,绘画的“抒情”功能被空前强化。 “元四家”的笔墨探索: 深入剖析黄公望、倪瓒、王蒙、吴镇的绘画思想,他们如何通过书法入画,将笔墨的“意”置于“形”之上,确立了文人画的核心地位。 赵孟頫的“复古”主张与书画同源: 探讨他如何以书入画,强调用笔的内在精神性。 普罗大众与民间艺术的兴盛: 简述元代民间版画与装饰画的发展,作为院体和文人画之外的补充。 第四编:笔墨的自我解放——明清的流派纷呈 (公元1368年 - 公元1911年) 明清两代,绘画艺术进入了一个高度成熟后的“自我参照”阶段,画家们在继承前人基础上,更注重个性的解放与风格的极致化。 第七章:明代的画派林立与南北对峙 浙派的余晖与院体绘画的延续: 分析“院派”在明初的统治地位,如戴进、吴伟的雄放笔法。 吴门画派的文人画主导地位: 重点阐述沈周、文徵明、唐寅、仇英“明四家”如何将元代文人画的理论付诸实践,尤其关注唐寅山水与仇英界画的细腻差异。 晚明“个性解放”的思潮: 探讨徐渭的泼墨大写意,以及董其昌对“南北宗”理论的系统化梳理与推崇,对后世的影响。 第八章:清代的程式化与创新张力 清代绘画在继承明代文人画传统的同时,也出现了对程式化绘画的反思和对西方透视法的初步接触。 “四僧”的叛逆精神: 深入分析石涛和八大山人的艺术成就,他们如何通过极端的笔墨语言和怪异的造型,表达对时代和传统的复杂情感。 “金陵画派”与“扬州八怪”的世俗化倾向: 考察以金农、郑板桥为代表的画家,如何将民间审美趣味融入绘画,以书法入画,笔墨更加自由奔放。 晚清“海派”的兴起: 探讨以任伯年为代表的画家,如何吸收西洋绘画的某些写实手法,注入到传统花鸟人物画中,为近现代绘画开辟道路。 结语:不朽的遗产 本书最后总结了中国古代绘画在世界艺术史中的独特贡献——对“气韵生动”的终极追求、对笔墨媒介的无限拓展、以及绘画作为士人精神寄托的文化功能。中国古代绘画的每一笔皴擦点染,都是对自然、对人生、对宇宙哲思的深刻回应,其审美价值与文化意义,历久弥新。

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我是一名艺术史的学生,购入这套《中国书法全集》纯粹是出于专业需求,但使用下来,我发现它对我的帮助远超预期,尤其是在研究中国古代文人精神与书法实践的结合方面。它对历代书法理论的引用非常精准,无论是“书为心画”的哲学基础,还是针对具体朝代的审美取向变化,都有详实的文献支撑,这对于撰写论文时进行论证非常有帮助。最让我称道的是,它对不同地域、不同流派在同一时期的并行发展给予了平等的关注,没有过度偏袒某一“主流”叙事,做到了真正的“全景式”展现。比如,它对敦煌写经的分析,就充分展现了民间书法在官方审美之外的生命力。装帧上的那种大气和厚重感,也让它在众多出版物中脱颖而出,每次翻阅都有一种仪式感。这本书的字体选择和版面留白都经过了深思熟虑,既保证了阅读的舒适度,又凸显了中国传统美学的韵味,可以说是将学术严谨性与艺术审美完美结合的典范之作。

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这套《中国书法全集》简直是书法爱好者的福音!我刚翻开第一卷,就被那些历代大家墨宝的精妙细节所震撼。尤其是对魏晋风骨的刻画,简直是入木三分。书中对王羲之、颜真卿等巨匠的介绍,不仅仅是简单的生平罗列,更是深入剖析了他们在特定历史背景下艺术风格的形成与演变。比如,对于兰亭序的摹本对比分析,那些细微的笔触差异和墨韵变化,即便是没有深厚功底的初学者也能感受到其中蕴含的“神韵”。排版设计上,那种古朴典雅的气息扑面而来,让人在阅读时仿佛置身于那个墨香四溢的时代。装帧的质感也非常好,厚实有分量,看得出出版方在选纸和印刷上的用心。我特别欣赏它在书写技法解析部分的处理方式,并非照本宣科,而是结合了大量的拓片细节进行“微观”展示,对于理解“中锋行笔”与“侧锋取妍”之间的微妙平衡,提供了极佳的视觉参考。这本书不愧是“全集”的名号,内容广博而精深,即便是作为案头常备的工具书,也显得足够权威和耐看。

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说实话,我本来以为这种“全集”类的书籍,内容会过于学术化,让人望而却步,但《中国书法全集》的编纂思路非常接地气。它巧妙地在严谨的学术脉络中穿插了许多趣味性的文化解读。比如,在介绍宋代书法家时,它没有仅仅停留在苏轼、米芾的“尚意”理论上,而是穿插了许多他们日常生活中的轶事,让人感觉这些“书法圣贤”突然变得鲜活起来,不再是高高在上的偶像。这种叙事手法极大地降低了阅读门槛。我尤其喜欢它对不同书体(篆、隶、楷、行、草)的过渡和融合趋势的梳理,那些图表和时间轴的设计非常清晰直观,一下子就理清了数千年间中国书法的脉络演变,避免了初学者对书体之间界限的混淆。而且,它对一些相对冷门的碑帖的收录也非常慷慨,绝非市面上常见的“热门精选”,这对于追求全面性、希望拓宽眼界的资深爱好者来说,是极大的加分项。这套书的价值,绝不仅仅在于展示了“写得好”的作品,更在于解释了“为什么好”和“如何演变”。

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老实说,我购买《中国书法全集》主要是想给正在学楷书的孩子做参考,本以为会是那种枯燥的字帖集合,没想到它里面包含了大量的书法史的“小故事”和“冷知识”。对于孩子来说,光看黑乎乎的字帖是很难提起兴趣的,但书中对每个碑帖的背景介绍,比如某个字是如何在战争或迁徙中被发现和保存下来的,都讲得引人入胜。这种历史的代入感,比单纯的技法讲解有效得多。而且,它对不同书写工具(笔、墨、纸、砚)的演变也有专门的篇幅介绍,让孩子了解到,书法不仅仅是手上的功夫,更是材料与工具共同作用的结果。我最满意的是,它对“审美误区”的辨析非常到位,比如如何区分“拙朴”与“稚嫩”,如何把握“法度森严”与“意态放松”的度,这些恰恰是初学者最容易迷失的地方,而本书提供了清晰的对照和指导。

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我是一个痴迷于收藏古籍的业余爱好者,选择这套《中国书法全集》主要是看重其收藏价值和资料的完备性。从文献学的角度来看,这套书的考据工作做得极其扎实,很多偏僻的小碑刻或已失传的墨迹,都能通过精良的影印和现代技术的复原,呈现在读者面前,这对于研究者或资深藏家来说,是无价之宝。它对历代书法家的“印章”和“题跋”的收录,也丝毫不含糊,这些往往是辨伪和断代的重要佐证。此外,这套书的印刷质量达到了博物馆级别的水准,即便是放大镜观察,那些干枯的飞白、饱满的润墨,都能清晰地呈现出来,这在当代出版物中是极其罕见的。它不仅仅是一套书,更像是一个浓缩的、可视化的中国书法博物馆。能将如此庞杂的历史信息以如此精美的载体呈现出来,编纂团队付出的心血可想而知,绝对是值得郑重收藏的经典之作。

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