荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋出版社

作者:卢坤峰

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1998-3-1

价格:18.00元

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787500302018

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 传统绘画
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翰墨丹青的千年风华：一部跨越时代的中国书画艺术通览 本书旨在为读者构建一个宏大而精微的中国书画艺术史图景，其深度与广度远超任何单一画谱的范畴。它并非专注于某一特定流派、地域或个别画家的技法汇编，而是一部系统梳理中国美学思想如何在笔墨纸砚间演化、定型，并最终影响世界艺术史的通史性著作。 第一卷：源起与奠基——史前陶绘至魏晋风骨的蜕变 本书开篇即追溯中国绘画的萌芽状态，从仰韶文化的彩陶纹饰中探寻最早的抽象符号与自然观察，继而深入到商周青铜器上精湛的线刻艺术，揭示其祭祀功能与伦理意义。 重点环节在于对战国秦汉时期墓葬壁画与帛画的详细考证。我们不仅仅罗列图像，更侧重分析“物哀”与“天人合一”思想如何开始渗入图像叙事。《韩熙载夜宴图》的先声——如《宴乐渔猎攻战图》这类图像，如何确立了中国早期叙事性绘画的结构基础与色彩运用法则。 进入魏晋南北朝，本书着重探讨“书画同源”理论的形成过程。这不仅是技法的融合，更是士人精神的觉醒。通过对顾恺之《洛神赋图》的摹本分析，我们深入剖析“传神写照”的哲学内涵，探讨谢赫“六法”的诞生，如何将艺术创作从单纯的工匠行为提升到文人修养的高度。魏晋时期，山水画的雏形开始显现，但彼时的山水更多是人物活动的背景，而非独立的审美对象。 第二卷：气象万千——唐宋盛世的风格确立与分野 唐代被誉为中国绘画的第一个黄金时代。本书将唐画划分为“初唐的工丽”、“盛唐的雄浑”和“晚唐的典雅”三个阶段。 人物画的巅峰： 重点分析吴道子“吴带当风”的线条魔力，探讨其如何打破陈腐的样式，注入动态的生命力。同时，对敦煌壁画的系统梳理，展现了佛教艺术在不同地域间的本土化演变，特别是其色彩层次和装饰手法的丰富性。 山水画的独立宣言： 李思训、李昭道父子的金碧山水，代表了对宏大叙事的极致追求。但更具革新意义的是王维的水墨写意尝试，尽管残存作品稀少，但其“诗中有画”的思想，为后世的水墨文人画埋下了深远的伏笔。 宋代是写实精神与院体制度高度成熟的时期。本书详细比较了北宋与南宋的审美取向差异： 北宋的“全景式”山水： 以范宽的《溪山行旅图》为例，解读其“可行、可望、可游、可居”的理想空间构建，以及郭熙对“论画”理论的系统总结。 院体的精微与写生： 宋徽宗的“宣和画院”制度，催生了花鸟画的写实高峰，如赵佶的瘦金体与对飞禽走兽精准到毫米的观察，体现了皇家对“理”的追求。 文人画的兴起： 苏轼、米芾等“苏黄米蔡”群体，开始将个人情趣、笔墨趣味置于形似之上，为元代水墨的解放奠定了思想基础。 第三卷：笔墨的解放——元明清的文人精神与地域流派 元代的绘画史，本质上是士人对元朝统治的文化抵抗史。本书的核心观点是，元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的绘画，是“以书入画”的最终胜利。 倪瓒的“逸笔”： 分析其极简的构图和标志性的折笔，如何象征着对世俗的彻底抽离与精神的洁净。 水墨的哲学深化： 探讨“元气淋漓”与“萧疏简淡”两种截然不同的文人表达路径，及其对后世的影响。 明代则展现出更强的地域性与复古思潮的交织： 浙派与吴门画派的争锋： 吴伟的雄劲与沈周、文徵明的“承古启今”，体现了学院派的写实传统与江南士人的温润雅致的对立统一。 晚明的“奇崛”： 以董其昌为代表的“南北宗论”的提出，构建了一套全新的理论框架，将中国绘画史进行了第一次系统性的谱系划分，强调“文人画为正统”。 清代的画坛，是在对前代经典的继承、反思与颠覆中前进。 “四王”的集大成与僵化： 详细分析王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过临摹、集古而成一家之言，实现了对传统技法的“集大成”，同时也埋下了教条化的风险。 “四僧”的叛逆与创新： 重点解读石涛和八大山人的图像语言，如何通过“一画论”和“离经叛道”的视觉形式，来表达对僵化传统的激烈不满与对个体生命力的张扬。 第四卷：跨界与交融——花鸟、人物及技法专题研究 此卷打破了传统的断代史叙事，进行专题式深入挖掘，以展现中国艺术的丰富性： 1. 花鸟画的“寓意”演变： 从早期对吉兆的描绘，到宋代的写生科学，再到明清文人画中“梅兰竹菊”四君子的精神象征意义，揭示花鸟画如何成为文人抒发高洁情操的载体。 2. 人物画的世俗化倾向： 考察陈老莲、孙隆等人的风格，以及清代“金陵画派”对民间生活场景的关注，探讨人物画如何在精英艺术之外，贴近普通民众生活的一面。 3. 用墨的“五色”理论： 专论墨法的变化，从唐代墨分五色的层次感，到元代文人画中墨色的“焦、浓、重、淡、清”在不同笔触中的微妙表现，分析墨的晕化与干湿对画面情绪的决定性作用。 本书并非技法指导手册，它超越了“如何用笔”的层面，而是探讨“为何如此用笔”的哲学基础，通过对历代经典作品的时代背景、审美追求与理论体系的全面梳理，为读者提供一个理解中国艺术精神内核的深度框架。它是一部关于线条、空间、精神与历史的综合论著。

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说实话，我购买过市面上很多号称“权威”的绘画图集，但很多都存在扫描质量差、色彩失真或者内容编排混乱的问题，读起来非常令人沮丧。这套书在这方面做得简直是教科书级别的典范。我尤其对它在色彩还原上的严谨性表示赞赏。无论是青绿山水的石青石绿的矿物质感，还是水墨画中墨分五色的微妙过渡，都得到了极其精准的呈现。这对于需要进行色彩校对和临摹的专业人士来说至关重要，毕竟，一套好的图集必须能最大限度地还原原作的“气韵”。通过反复对比，我能明显感受到原画的层次感和空气感，这在许多低劣的影印本中是完全缺失的。可以说，它为我们提供了一个可靠的、可以信赖的“数字现场”进行研究和欣赏。

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我购买这本书的初衷，其实是希望找到一套能系统梳理中国传统花鸟画演变脉络的资料。这套书在花鸟画部分的收录和整理，远超我的预期。它不仅展示了从唐代写实到宋代工细，再到明清写意的发展轨迹，更巧妙地将不同风格画家（比如，专注于梅兰竹菊的“四君子”一派与专注于草虫花卉的“院体”风格）的作品并置对比。这种并置极大地帮助我理解了“雅”与“俗”、“写实”与“写意”在不同历史阶段的界限是如何被重新定义的。它不是简单地罗列作品，而是通过精心的选篇，构建了一条清晰的艺术对话线。对于想要系统掌握花鸟画发展史，并找到自己未来创作方向的画者而言，它提供了一个宏大而又细致的参照系，让人受益匪浅，不再感到迷茫。

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我最近沉迷于研究明清时期文人画的笔墨变化，手头也收集了不少相关的资料。这套书在技法讲解的深入程度上，给我带来了极大的启发。它不是那种泛泛而谈的理论堆砌，而是真正深入到“如何落笔”的层面。比如，对于皴法，它会细致地拆解出不同流派的皴法特点，并配以极具代表性的范例，讲解得丝丝入扣，让你能清晰地分辨出董其昌和石涛在用笔上的微妙差异。更难得的是，它似乎能洞察学习者在实践中可能遇到的所有困惑，提前给出解决方案。我试着模仿书中的几处点染技法，效果立竿见影，这极大地增强了我继续钻研下去的信心。这种由浅入深、层层递进的教学结构，对想打好扎实基本功的人来说，简直是无价之宝。它教会的不是“画什么”，而是“怎么画好”。

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这套书的装帧设计实在太讲究了，光是触摸到那种带着岁月沉淀感的纸张，就已经是一种享受了。我最欣赏的是它对于传统纹样的考据和呈现方式，那种细致入微的描摹，简直让人叹为观止。每一页的排版都透露着一种古典的韵味，既不失艺术性，又方便翻阅和学习。尤其是一些细节的处理，比如扉页和卷首语的字体选择，都能看出编纂者对传统美学的深刻理解。对于我这样一个业余爱好者来说，光是研究这些装帧细节，都能学到不少东西。它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以把玩和珍藏的艺术品。书本本身的重量和质感，也让人在使用时更加心存敬畏，仿佛手中捧着的是一段流动的历史。我常常会花很长时间去感受不同画种的墨韵和线条，这种实体书的体验是电子屏幕完全无法替代的。它的工艺水准，绝对是业内的一个标杆。

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作为一个研究中国哲学与艺术交叉领域的学者，我更关注的是这些图像背后的文化意涵和时代精神。这套书虽然侧重于技法展示，但在选材上却体现了极高的文化品味。它所收录的作品，大多是各个时期最具代表性和影响力的杰作，这些作品本身就是特定历史时期社会思潮和审美取向的载体。通过对比不同时代作品中“意境”的营造方式，我能更直观地理解中国士人阶层精神世界的变迁。例如，宋代山水画中那种“可行、可望、可游、可居”的理想化构建，与元代文人画中“为我抒怀”的自我中心倾向，在图像语言上有着清晰的映射。这本书提供了一个极佳的视觉语料库，来支撑我关于“物我合一”思想在艺术中体现的研究。它的价值，早已超越了单纯的绘画指导范畴。

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