中国美术史及作品鉴赏

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出版者:蓝色畅想图书有限公司(高等教育出版社)
作者:编写组
出品人:
页数:296
译者:
出版时间:1997-1
价格:40.00元
装帧:
isbn号码:9787040060454
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

本书共分8章,主要从绘画、雕塑、建筑和工艺美术4个方面,阐述了自原始社会至新中国初期不同历史阶段美术发展的基本脉络,介绍了各时期重要的美术遗存、美术现象、美术流派、美术家、美术作品和美术理论,特别选取了近300幅经典作品进行分析,可使读者提高和深化对中国美术的认识。

全书体例适当,史论结合,材料翔实,分析跌入浅出。本书系教育部组织编写的师专美术系科基础课教材之一,同时也可供普通高校艺术教育及广大美术爱好者选用。

《东方神韵:中国绘画艺术的千年回响》 本书并非一部详尽的中国美术通史,亦非对具体作品的逐一品鉴。它旨在以一种更为宽广的视角,带领读者跨越历史的长河,领略中国绘画艺术独特的东方神韵,感受其千年传承所蕴含的深刻文化内涵与哲学思辨。 我们并非致力于梳理每一位画家的生平事迹,亦不打算详列历代王朝的绘画风格演变。相反,本书更侧重于勾勒出中国绘画艺术在不同历史时期所呈现出的精神气质与审美追求。我们将从中国古代文人画的精神内核出发,探讨水墨晕染中蕴含的“气韵生动”的哲学理念,以及山水画中“天人合一”的宇宙观。通过对不同时代画论的解读,我们可以窥见古人对绘画本体的深刻认知,以及艺术创作如何与哲学、伦理、政治等社会思潮紧密相连。 本书的探索之旅将从早期绘画的萌芽开始,追溯那些刻画在陶器、玉器上的抽象纹饰,以及壁画中早期的人物形象,这些都为我们展现了文明初期的生命律动与信仰表达。我们将审视商周青铜器上神秘而庄重的纹饰,理解它们所承载的权力象征与宗教祭祀的意义。随后,我们目光将聚焦于汉代绘画的质朴与生动,从墓室壁画中感受当时社会生活的鲜活场景,以及道教思想对艺术创作的影响。 进入魏晋南北朝时期,佛教艺术的传入为中国绘画注入了新的活力。我们将探究那些飘逸灵动的飞天形象,以及佛教造像中逐渐成熟的写实手法与精神表达。同时,我们也会关注文人阶层的崛起,以及他们对绘画艺术的独特理解,例如顾恺之笔下“传神阿堵”的论述,以及书法与绘画之间密不可分的关系。 唐代是中国艺术的辉煌时代,仕女画的雍容华贵,山水画的初步发展,以及佛教壁画的宏大壮丽,都展现了盛世的繁华与开放。本书将着重于分析唐代绘画如何体现当时的社会风貌、审美趣味以及对外来文化的包容与吸收。我们将探讨阎立本笔下帝王将相的威严,吴道子“吴带当风”的线条艺术,以及张萱、周昉描绘的女性形象所折射出的时代审美。 宋代是中国绘画的巅峰时期,山水画达到了前所未有的高度,花鸟画也日趋精妙。本书将深入探讨宋代文人士大夫的艺术情怀,以及他们如何将个人情志寄托于山水之间。我们将审视范宽、郭熙等画家的笔墨技法,理解他们如何将自然山川的宏伟与个人的精神体验融为一体。同时,我们也将关注宋代写实绘画的发展,以及那些细致入微的花鸟作品如何展现自然生命的活力。 元代,文人画进一步发展,墨戏的兴起也为绘画注入了更多自由与个性的表达。本书将探讨元代艺术家在民族融合的背景下,如何继承与创新中国绘画的传统。我们将审视赵孟頫的复古思潮,以及黄公望、吴镇等元四家在笔墨意趣上的探索。 明清时期,绘画领域呈现出更加多元化的面貌。本书将关注市民阶层的兴起对绘画风格的影响,以及文人画内部的各种流派。我们将探讨唐寅、仇英等吴门画派的精致典雅,徐渭、八大山人等八大山人写意画的狂放不羁,以及扬州画派的自由奔放。 本书并非提供一套标准的审美评价体系,也非罗列历代名家的作品清单。我们的目标是邀请读者一同走进中国绘画的艺术世界,去感受那些凝固在纸绢之上的千年时光,去体味那些蕴含在笔墨线条中的东方智慧。我们相信,通过对这些艺术经典的“隔空对话”,读者能够更深刻地理解中国文化独特的魅力,以及中国绘画艺术在世界艺术史中不可替代的地位。 这本书更像是一次艺术的漫步,一次精神的对话。我们希望它能激发您对中国传统艺术的兴趣,引导您去发现那些隐藏在水墨与色彩背后的深邃意境,并最终在自己的心灵深处,找到属于自己的那份“东方神韵”。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这是一次让我大开眼界的阅读体验。我以前总以为中国画就是水墨画,但通过这本书,我才了解到中国艺术形式的丰富多样。除了绘画,书中还深入探讨了书法、雕塑、建筑、工艺美术等多个领域,让我看到了中国艺术的全貌。我被书中对中国古代建筑的描述所吸引,那些榫卯结构的巧妙运用,飞檐翘角的优美曲线,以及斗拱的层层叠叠,无不展现了中国古代工匠的智慧和对自然规律的深刻理解。它让我看到了建筑不仅仅是遮风挡雨的场所,更是承载着中国传统文化和哲学思想的艺术品。同时,书中对中国书法艺术的介绍,也让我领略到了汉字作为一种视觉符号的独特魅力,那些行云流水、刚劲有力的笔画,不仅仅是文字的记录,更是艺术家情感的抒发。这本书让我对中国艺术的认识,上升到了一个全新的高度。

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这是一本让我沉浸其中的书。它没有那些冗长的理论,也没有故弄玄虚的术语,而是用一种非常亲切、引人入胜的方式,带我走进了中国美术的浩瀚星河。我喜欢它对不同流派、不同风格的区分,也惊叹于艺术家们如何在有限的材料和工具中,创造出无限的可能。例如,书中对陶瓷艺术的介绍,从青瓷的温润如玉,到釉下彩的细腻雅致,再到青花瓷的疏朗大气,每一个时期的代表作都让我惊叹不已。我尤其对宋代汝窑的“雨过天青”色泽魂牵梦绕,它不仅仅是一种颜色,更是一种极致的追求,一种对自然美的礼赞。书中还涉及到了书法、雕塑等多种艺术形式,让我了解到中国艺术的丰富性和多样性。它让我意识到,中国艺术的魅力,并不仅仅在于绘画,而是体现在各种物质媒介上,都充满了精神的寄托和审美的追求。通过这本书,我不仅增长了知识,更重要的是,培养了一种对中国传统艺术的敬畏和热爱。

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我一直在寻找一本能够系统性地介绍中国美术史,同时又兼具鉴赏性的书籍,这本书无疑满足了我的期待。它将中国美术史的发展脉络梳理得清晰明了,从早期文明的萌芽,到各个朝代的繁荣与演变,再到近现代的融合与创新,都给予了详实的介绍。我尤其惊叹于书中对佛教艺术在中国发展过程中的转变,从西域传来的早期风格,到本土化之后的唐代佛教造像,其造型、装饰和精神内涵都发生了深刻的变化。它让我看到了文化交流和融合的力量。书中对于不同时期代表性作品的挑选也十分到位,从汉代的画像石,到唐代的壁画,再到宋代的山水,元代的文人画,再到明清的人物,几乎涵盖了各个时期的精华。更重要的是,书中提供的鉴赏性内容,并非是简单的描述,而是能够引导读者去思考,去感受,从而真正领略到艺术的魅力。

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我一直对中国古代工艺美术充满了好奇,这本书的出现,满足了我探索的愿望。它不仅仅是关于“看”的艺术,更是关于“用”的艺术。我惊叹于古代匠人们的巧思与精湛技艺,他们将实用与美观完美地结合在一起。书中对青铜器纹饰的解读,让我看到了商周时期那神秘而庄严的宗教信仰,那些饕餮纹、夔纹,不仅仅是装饰,更是连接人与神灵的通道。而玉器的精雕细琢,则展现了古代中国人对美好品德的追求,那些龙纹、凤纹,寄托着吉祥与祥瑞的寓意。我尤其对书中关于漆器和珐琅器的介绍印象深刻,那些繁复的工艺、绚丽的色彩,无不体现了古代贵族生活的精致与奢华。阅读过程中,我常常会想象,当年的工匠们,是如何在微弱的灯光下,一点一点地雕琢出如此令人赞叹的作品。这本书让我看到了中国艺术的另一面,它不仅仅是文人雅士的点缀,更是融入日常生活,承载着社会文化、信仰和技艺传承的重要载体。

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这本书让我对中国艺术的理解,不再停留在表面的欣赏,而是深入到了其内在的精神和文化底蕴。我之所以这么说,是因为它不仅仅罗列了艺术作品,更是将这些作品置于其所处的时代背景、社会环境和思想潮流中进行解读。例如,书中对晚唐五代时期绘画中“佛国胜境”的描绘,让我理解了当时人们对宗教的虔诚和对美好世界的向往。而对于明清时期市民阶层兴起后,绘画题材的世俗化和生活化,我也有了更直观的认识。我特别喜欢书中关于中国陶瓷史的叙述,那些从原始的陶器,到新石器时代的彩陶,再到商周的青铜器旁边的陶俑,以及唐宋元明清的瓷器,每一个阶段都凝聚着人类智慧的结晶和审美的追求。它让我看到了中国艺术的生命力,在于它始终与时代同步,与人民同在。

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这本书提供了一个全新的视角,让我重新认识了中国绘画的演进轨迹。它不仅仅是一部历史的记录,更是一次心灵的洗礼。我发现,中国美术史的发展,并非是线性的进步,而是充满了曲折与轮回,每一次的革新都带着对传统的继承与批判。书中关于明清时期绘画的论述,让我看到了学院派的严谨与文人画的自由是如何并行发展,又如何相互影响。特别是对吴门画派、松江画派的介绍,让我了解到在商业繁荣的时代背景下,绘画如何更加贴近生活,也更加多元化。我被书中关于徐渭的介绍所深深打动,这位才华横溢又命运多舛的艺术家,用他奔放的笔墨,抒发了内心的激愤与孤独。他的花鸟画,看似随意,实则充满了生命力与哲学思考,让我体会到“有我之境”的强大力量。而清代扬州八怪的特立独行,更是展现了艺术在面对社会变迁时,所能爆发出的强大生命力。这本书的独特之处在于,它将艺术作品的风格特点与当时的社会文化、思想观念紧密结合,让我能够更深刻地理解艺术的“为什么”。

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这是一次关于“看见”的重新学习。在阅读这本书之前,我以为美术史就是一串串画家的名字和作品的年代。但这本书让我明白,艺术史更是关于视觉语言的进化史,是人类表达内心世界的方式的变迁史。我被书中对不同时期绘画风格的细致区分所吸引,例如,从唐代人物画的丰满、饱满,到宋代山水画的写实、细致,再到元代文人画的写意、抒情,每一种风格都代表着一种时代精神和审美取向。我尤其对书中对水墨画的探讨,让我看到了“以形写神”的精髓,以及水墨的晕染、飞白所能传达的丰富情感。它让我学会如何去“读”一幅画,不仅仅是看它的色彩和构图,更要理解它所传达的情感、意境和文化内涵。这本书的鉴赏部分,非常有针对性,它会引导你从一些关键的细节入手,去发现作品的精妙之处,从而真正理解艺术家的匠心独运。

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我常常在想,一件伟大的艺术品,究竟是什么能够让它穿越时空的阻隔,依旧触动人心?这本书就像一把钥匙,为我打开了通往中国古代艺术殿堂的门。它没有给我生硬的理论灌输,而是通过对历代代表性作品的深入剖析,让我直观地感受到艺术的魅力。比如,书中对宋代山水画的阐释,那些“可行、可望、可游、可居”的意境,是如何通过皴法、墨色、构图的巧妙运用而实现的,让我对“天人合一”的哲学思想有了更具象的理解。我尤其喜欢书中对董源、巨然等画家的介绍,他们笔下的江南烟雨,那种朦胧而又深远的意境,仿佛真的能让我闻到湿润的空气,听到潺潺的流水声。同时,书中对元代文人画的探讨,也让我看到了在时代变迁下,艺术如何成为士大夫们抒发情怀、寄托理想的载体。那些笔墨淋漓、意境超脱的作品,不仅仅是线条的组合,更是艺术家内心世界的真实写照。阅读这本书,我仿佛置身于古代的画室,与那些大师们一同挥毫泼墨,感受他们创作时的心境。它让我明白,真正的艺术鉴赏,是对生命体验的分享,是对时代精神的解读。

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这本书就像一位循循善诱的老师,带领我一步步走近中国美术的殿堂。它没有枯燥的说教,也没有晦涩的理论,而是用一种充满趣味和启发性的方式,让我去发现中国艺术的奥秘。我喜欢书中对各个时期代表性作品的深度剖析,它会引导我去关注画面的细节,去理解色彩的运用,去感受线条的力量。例如,书中对中国山水画中“点景人物”的解读,让我看到了艺术家如何在宏大的自然景观中,融入人文关怀,从而使得画面更加生动、富有生命力。它让我明白,欣赏艺术,不仅仅是看一个整体,更要去体味那些隐藏在细节中的深意。这本书的独特之处在于,它不仅仅是知识的传授,更是一种品味的培养,它教会我如何用一种更具批判性、更具鉴赏性的眼光,去品读中国艺术的博大精深。

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这是一次探索,一次与时间跨度的对话,更是我试图理解“中国”这个概念在视觉表达上如何层层叠加、不断演变的绝佳途径。翻开这本书,我并非只是在浏览一幅幅画作,而是在穿越朝代,在感受不同时代文人的心境与情怀。从早期岩画那粗犷而充满生命力的线条,到汉代画像石刻的朴拙与叙事性,再到魏晋南北朝佛教艺术的庄严与神秘,每一步都带着历史的尘埃,却又闪烁着人类早期对精神世界的探求。我尤其被书中关于唐代壁画的描述所吸引,那些色彩斑斓、人物鲜活的画面,仿佛将我带入了盛世长安的繁华与自信。仕女图的丰腴婉约,佛像的慈悲庄严,无不展现了那个时代包容万象的文化气息。书中的鉴赏部分,更是让我明白,欣赏艺术并非仅仅是“好看”与否,而是要理解其背后的时代背景、作者的创作意图,以及作品所承载的文化符号。作者的笔触细腻,将复杂的历史脉络梳理得井井有条,让我这个对中国美术史了解不多的普通读者,也能津津有味地读下去,并且在读完之后,对中国的历史文化有了更深层次的感知。这本书不只是知识的堆砌,更是一种情感的引导,它让我学会从画中“听”故事,从颜色中“读”情感。

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您。。您这是作品鉴赏啊您,您给张作品行不行?啊什么?我操那种山寨机渣像素拍出来的不算好吗!!玩鸟啊您?

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大学课本。

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没有讲书法部分,也是一般

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我知道为什么当初挂科了,因为书是新的。

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我知道为什么当初挂科了,因为书是新的。

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